سمفونی ها تجسم تفکر موسیقایی بالغ آهنگساز هستند، آنها به طور همزمان سنت های باخ و هندل را ادامه می دهند و غزل معنوی رمانتیک ها را پیش بینی می کنند.

سمفونی شماره 40 یکی از نامفهوم ترین ساخته ها و در عین حال در سطح شخصی برای همه قابل درک است. این شامل یک دراماتورژی عمیق و توسعه یافته اپرا و روانشناسی ظریف ذاتی زبان موتزارت، انگیزه رقص محلی چک و یک سبک علمی ظریف است.

جوزف هایدن بهترین دوست موتزارت، رفیق بزرگترش که در همه چیز از او حمایت می کرد، از احساسی بودن موسیقی ولفگانگ اینگونه صحبت کرد: «او در حوزه احساسات انسانی چنان روشنفکر است که به نظر می رسد خالق آنها است و پس از آن فقط مردم. احساس مسلط شده است."

تاریخ خلقت سمفونی شماره 40 موتزارتو محتوای این اثر را در صفحه ما بخوانید.

تاریخ خلقت

تاریخ اسنادی را حفظ نکرده است که از روی آنها بتوان در مورد ایده خلق هر 3 سمفونی که در آن تابستان از قلم بیرون آمدند قضاوت کرد. آنها به سفارش نوشته نشده اند. احتمالاً نویسنده قصد داشته است که آنها را در پاییز و زمستان در جریان به اصطلاح "آکادمی ها" اجرا کند. در این دوره از زندگی خود، آهنگساز قبلاً نیاز مبرم داشت و انتظار می رفت که از کنسرت ها "با اشتراک" درآمد کسب کند. با این حال، سرنوشت رویاها محقق نشد، کنسرت ها هرگز برگزار نشد و سمفونی ها در طول زندگی نویسنده اجرا شد.

همه آنها در کوتاه ترین زمان ممکن نوشته شده اند، زمان کار بر روی آنها قابل توجه است - تابستان. شاگردان جدا شده اند، کنستانز در بادن. بدون محدودیت در محدوده نظم، ولفگانگ می تواند هر طور که می خواهد خلق کند و هر ایده هنری را مجسم کند.

و موتزارت، به عنوان یک مبتکر واقعی، با این آزادی انتخاب با احترام برخورد کرد. ژانر خود سمفونی از یک مقدمه موسیقایی کوچک طراحی شده تا به شنوندگان القا کند که اپرا در شرف شروع است و زمان آن رسیده که صحبت را متوقف کنند، به یک قطعه ارکسترال جداگانه تبدیل شده است.

موتزارت با کار بر روی سمفونی در ژانر ژانر به طور قابل توجهی مرزهای دراماتیک این ژانر را گسترش می دهد. پدر، لئوپولد موتزارت، از کودکی الهام گرفت که هر کاری باید بر اساس یک ایده بلند باشد، یک ایده، تکنیک در درجه دوم اهمیت قرار دارد، اما بدون آن، کل مفهوم ارزش یک سکه ندارد. در این سمفونی، ولفگانگ برای اولین بار به خود اجازه می دهد تا با شنونده ارتباط برقرار کند، او صمیمانه "بی هیچ مقدمه ای" روایت می کند و حتی در جایی از نزدیک اعتراف می کند. این شیوه تفاوت اساسی با کنسرت سرد و آکادمیک داشت که در آن زمان پذیرفته شده بود و برای عموم آن زمان قابل درک بود.

این اثر تنها در قرن نوزدهم، زمانی که سمفونی ها به طور کامل اجرا می شد، واقعا مورد استقبال قرار گرفت. بتهوون و شومان وقتی رمانتیسیسم ظریف شوپن عادت شد

انتخاب یک کلید فرعی، رد یک بخش مقدماتی آهسته بلافاصله از ژانر سرگرمی به ناشناخته ها منتهی می شود. هیچ تشریفاتی، احساس جشن در آن وجود ندارد (در ارکستر وجود ندارد لوله های و تیمپان )، "توده"، با وجود صدای ارکسترال. این سمفونی پر از تغییرات آزاردهنده حالات و مضامین، تضادها و ادغام ها، از تجربیات عمیق شخصی یک فرد می گوید، بنابراین همیشه در روح هر شنونده ای پاسخ می یابد. در عین حال، سبک کلی ظریف و جوانمردانه مربوط به آن قرن باقی مانده است.

اندکی قبل از مرگش، 3 سال پس از خلقت، موتزارت تغییراتی در موسیقی ایجاد کرد و کلارینت را وارد ترکیب ارکستر کرد و کمی قسمت ابوا را ویرایش کرد.

درمان های مدرن

نزدیکترین به تفسیر اصلی، اجرای سمفونی g-moll توسط رهبرانی مانند ترور پینوک، کریستوفر هاگوود، مارک مینکوفسکی، جان الیوت گاردینر، راجر نورینگتون، نیکولاس هارنوکورت است.

با این حال، بسیاری از اقتباس های مدرن از این اثر وجود دارد:

The Swingle Singers اجرای غیرعادی یک اثر سمفونیک توسط یک گروه معروف از خوانندگان است. (گوش کن)

نسخه توسط آنتونی ونتورا، نوازنده، تنظیم کننده و تهیه کننده موسیقی آلمانی. (گوش کن)

Nicolas de Angelis گیتاریست فرانسوی (گوش دهید)

والدو د لوس ریوس آهنگساز، رهبر ارکستر و تنظیم کننده آرژانتینی است. تنظیمی از آن در سال 1971 توسط ارکستر Manuel de Falla ضبط شد و به رتبه یک در نمودار هلندی رسید و همچنین در تعدادی دیگر به ده برتر رسید. کشورهای اروپایی. (گوش کن)

نمی توان تعداد دقیق سمفونی های موتزارت را مشخص کرد؛ بسیاری از آنها که در دوران جوانی او نوشته شده اند، برای همیشه از دست می روند (تعداد تقریبی حدود 50 است). اما فقط شماره 40 با کلید مینور (و یکی دیگر، شماره 25، در همان کلید) به صدا در می آید.

سمفونی برای آن زمان سنتی دارد فرم 4 قسمتیبا این حال، هیچ مقدمه ای ندارد، بلافاصله با آن شروع می شود حزب اصلی، که کاملاً بی خاصیت از قانون آن زمان است. ملودی قسمت اصلی محبوب ترین انگیزه در کل جهان است، نوعی کارت ویزیت آهنگساز. قسمت کناری، برخلاف سنت، به عنوان یک کنتراست شدید عمل نمی کند، اما به نظر می رسد ضعیف تر، مرموزتر و سبک تر است (به لطف کلید اصلی). سونات الگروی موومان اول تقریباً از طریق: ویولن‌های تک‌نواز قسمت اصلی، ریتم کلاسور، روشنگری جزئی در اجرای بادی‌های چوبی (ابوها، کلارینت‌ها) قسمت کناری توسعه می‌یابد، همه اینها توسعه واضحی پیدا می‌کند. و در قسمت پایانی یک درگیری ترسیم می شود که در توسعه فقط با افزایش تنش تشدید می شود. تکرار این تضاد را حل نمی کند، حتی قسمت ثانویه شخصیت فرعی اصلی را به دست می آورد. صدای کلی حتی تیره می شود، یادآور فروپاشی امیدها، برآورده نشدن انگیزه ها، تسلیت ناپذیری رنج است.

بخش دوم، مانند آرامش پس از طوفان، با سرعتی آرام (آندانته) با طبیعتی آرام و متفکرانه اجرا می شود. مماشات شروع می شود، ملودی آهنگین می شود، دیگر تضاد وجود ندارد. صدا نماد نور و هوش است. شکل کلی حرکت دوباره سونات است، اما به دلیل عدم تقابل مضامین اصلی، احساس می شود که در حال توسعه است. بافت موسیقی، از جمله چندین چرخش معنایی، دائماً در حال تحول است و در توسعه و تأیید در تکرار به اوج رویایی شیرین می رسد. برخی از عبارات نفس کوتاه مانند نقاشی شبانی از طبیعت هستند.

با وجود نام بخش سوم – منوتو (« مینویت ")، این اصلا رقص نیست. متر سه گانه بیشتر بر مارش و سختی صدا تأکید می کند. تکرار مداوم یک فیگور ریتمیک باعث ایجاد اضطراب و ترس می شود. گویی یک ابرقدرت مقاومت ناپذیر، سرد و بی روح، تهدید به مجازات می کند.

مضمون سه گانه از تهدیدات شوم مینوئت دور می شود و حتی تا حدی به شخصیت یک مینوئت سبک رقصنده نزدیک می شود. ملودی که به صورت جی ماژور به صدا در می آید، سبک، آفتابی، گرم است. قسمت‌های خشن آن به شدت مشخص می‌شود و به این تضاد جلوه بیشتری می‌دهد.

به نظر می رسد بازگشت به G-minor به زمان حال باز می گردد، شما را از رویاها دور می کند، شما را از خوابی لذت بخش بیرون می کشد و پایان دراماتیک سمفونی را آماده می کند.

قسمت چهارم پایانی("Allegro assai") به صورت سونات نوشته شده است. غلبه مطلق تم اصلی، که با سرعتی سریع اجرا می‌شود، به نظر می‌رسد که ملودی‌ها و عبارات مضمون ثانویه مرتبط را که اینجا و آنجا ظاهر می‌شوند، از بین می‌برد. توسعه به سرعت در حال توسعه است. شخصیت پرانرژی موسیقی به اوج دراماتیک کل اثر گرایش دارد. تضاد روشن بین تم ها، توسعه چند صدایی و هارمونیک، پژواک بین سازها - همه چیز در جریانی بی بند و بار به سمت پایان اجتناب ناپذیر می رود.

این رشد چشمگیر تصاویر در سراسر اثر، ویژگی بارز موتزارت است که سمفونیزم او را متمایز می کند.

نابغه در این سمفونی او مجسم شد و در عین حال جاودانه شد. واقعاً هیچ سمفونی دیگری وجود ندارد که از نظر محبوبیت با این سمفونی مقایسه شود. مانند لبخند مونالیزا، سادگی آن رازهای زیادی را پنهان می کند که بشریت می تواند قرن ها آن را کشف کند. با برخورد با چنین آثاری، فکر می کنید که خود خداوند با استعداد منتخب خود با یک شخص صحبت می کند.

ویدئو: به سمفونی شماره 40 موتزارت گوش دهید

موتزارت به همراه هایدن یک چرخه سونات-سمفونی کلاسیک را ایجاد کرد که با ژانرهایی مانند سمفونی، سونات، کنسرتو، کوارتت، کوئنتت و غیره مرتبط است. در عین حال، چرخه سونات-سمفونی او نشان دهنده مرحله جدیدی در توسعه این ساختار است. ، که به وضوح در سمفونی نمود پیدا می کند.

بیشتر سمفونی ها توسط موتزارت قبل از دوره وین نوشته شده است. در سمفونی های اول، ارتباطی با سمفونیزم اولیه هایدن، آهنگسازان مکتب مانهایم وجود دارد. با این حال، فردیت سبک موتزارت از قبل در این سمفونی ها مشهود است. از جذاب ترین آثار این ژانر می توان به هفت سمفونی اخیر خلق شده در وین اشاره کرد. به طور کلی، سمفونی‌های موتزارت در مقایسه با هایدن نشان‌دهنده نوع بعدی سمفونیزم است. لحن آنها بیشتر پرتنش، هیجان انگیز، دراماتیک است که در قالب آثار منعکس می شود. موتزارت تضاد بین تم ها، به ویژه بین قسمت های اصلی و جانبی را افزایش می دهد. مهمانی های جانبی، به عنوان یک قاعده، بر اساس مواد موضوعی جدید ساخته می شوند. اما مضامین، با وجود تضاد، مکمل یکدیگر هستند. آهنگساز اغلب یک تضاد درون موضوعی را معرفی می کند، یعنی. تضاد بین عناصر مختلف یک موضوع

سمفونی‌های موتزارت مضمون‌های فراوانی دارند؛ در یک بخش می‌توان چندین مضمون وجود داشته باشد. تحولات کوتاه و مختصر هستند. تکنیک های توسعه بسیار متفاوت است: تکه تکه کردن، تنوع، تکنیک های چند صدایی و غیره.

در سمفونی‌های موتزارت، ارتباطی با خلاقیت اپرا مشاهده می‌شود: 1) برخی مضامین نزدیک به تم‌های بوفون هستند. 2) بسیاری از مضامین بر اساس اصل گفتگوی اپرا ساخته شده اند.

ارکستر مانند هایدن دوبل می کند. بهترین سمفونی‌های این آهنگساز در سال 1788 ساخته شد، این سمفونی‌های شماره 39 (ماژور E-flat)، شماره 40 (G مینور) و شماره 41 "ژوپیتر" (سی ماژور) هستند.

سمفونی شماره 40.

این سمفونی از 4 قسمت تشکیل شده است که کلید آن جی مینور است.

ورودی وجود ندارد.

قسمت اول– سوناتا آلگرو، جی مینور . مهمانی اصلی- به طور همزمان آهنگین و هیجان‌انگیز، حاوی موتیف دوم است، حرکت به سمت بالا توسط m.6 و به دنبال آن یک پر شدن تدریجی نزولی. لحن کلیدی است. مهمانی جانبی- ظریف تر، که با آهنگ های رنگی همراه است. کلید B-flat ماژور است. توسعه فقط بر اساس موضوع قسمت اصلی است که به لطف تکنیک های جداسازی و چند صدایی و همچنین بی ثباتی تونیک شخصیت شدیدتر و دراماتیک به دست می آورد. در تکرار، اولاً تفاوت‌های اساسی با نمایشگاه بیشتر است توسعه گستردهقسمت پیوند دهنده و ثانیاً نگه داشتن یک قسمت جانبی در کلید اصلی که لحن مالیخولیایی بیشتری به آن می دهد.

بخش دوم– آندانته، سرگرد الکترونیکی تخت. فرم سونات است. شخصیت سبک، آرام است، قسمت های اصلی و جانبی کنتراست کمی دارند. AT حزب اصلی- تکرار صدا و حفظ صعودی معمول موتزارت، در کنار- نقوش ربع نزولی.

قسمت سوممینوت در جی مینور. فرم - 3 قسمتی با سه نفر. بخش‌های افراطی آن‌قدر یک رقص نیستند، بلکه یک حالت روان‌شناختی درونی همراه با درام هستند. در پایان تم اول یک ضربه نزولی کروماتیک شنیده می شود که در قسمت کناری موومان اول وجود داشت. قسمت میانی بیشتر سنتی است، دارای شخصیت رقص است.

قسمت چهارم- پایانی، جی مینور. فرم سونات است. مهمانی اصلیاز دو عنصر متضاد تشکیل شده است: اولی توسط یک سیم روی پیانو اجرا می شود و بر اساس صداهای سه گانه تونیک ساخته می شود، دومی توسط کل ارکستر بر روی فورته اجرا می شود و شامل آواز می باشد. . مهمانی جانبینزدیک به قسمت کناری موومان اول، به لطف حرکات کروماتیک، همچنین به صورت موازی ماژور نوشته شده است، و در تکرار - در کلید اصلی، که همان لحن مالیخولیایی را به آن می دهد، زیبا است.

خلاقیت کلاویروس موتزارت.

آثار موتزارت با ژانرهای مختلفی نمایش داده می شود: سونات ها، واریاسیون ها، فانتزی ها، روندوها و غیره. در این آثار، آهنگساز از یک سو سنت های یوهان سباستین باخ، پسرش فیلیپ امانوئل، و همچنین هایدن را ادامه داد. از سوی دیگر، او نگرش نوآورانه ای نسبت به آنها نشان داد.

سونات در ماژور.

سونات لا ماژور از 3 قسمت تشکیل شده است. تکینگی آن در این است که حتی یک موومان به صورت سونات نوشته نشده است.

قسمت اول- تم و تغییرات، در رشته اصلی. موضوع در ژانر سیسیلی ارائه شده است. شخصیت - روشن، غنایی، آهنگین. بافت شفاف است، فرم تکرار ۲ قسمتی است. تغییرات کلاسیک هستند، زیرا آنها ویژگی های اصلی موضوع را حفظ می کنند: حالت، تونالیته، تمپو، اندازه، فرم، طرح هارمونیک. در همان زمان، عناصر جدیدی در هر تغییر ظاهر می شوند: در واریسیون اول - بیس همزمان، تاخیرهای رنگی، در دوم - سه قلو همراه و ملیسم های برازنده در صدای بالا، در سوم - ماژور با مینور، برابر با شانزدهم جایگزین می شود. مدت زمان ظاهر می شود، در چهارمین - دست های متقاطع، در پنجم - سرعت آهسته تر می شود (Adagio به جای Andante)، و مدت زمان کمتر است (سی و ثانیه)، در آخرین تغییر ششم سرعت سریع تر می شود (Allegro)، تغییر امضای زمان (4/4 به جای 6/8).

بخش دوم- مینوئت، یک ماژور، فرم - 3 قسمتی با سه نفر، ادامه دهنده شخصیت رقص موومان اول است.

قسمت سوم- Rondo به سبک ترکی، در A Minor. این فرم 3 قسمتی است با یک ریفرین اضافی که در ال ماژور آمده و برخی از ویژگی های راهپیمایی جنیچرها را تقلید می کند. قسمت میانی در کلید F-sharp مینور به صدا در می آید. حرکت نهایی با یک کدا در ماژور به پایان می رسد.

سوناتا سی مینور.

سونات از این جهت منحصر به فرد است که با یک مقدمه بزرگ - Fantasia - شروع می شود. فانتزیشامل 6 بخش است که بر اساس اصل تناوب کنتراست ساخته شده است. بخش های ناپایدار با بخش های پایدار، بخش های کند با بخش های سریع، بخش های اصلی با بخش های فرعی جایگزین می شوند.

بخش 1، C مینور - ناپایدار، پرتنش، دراماتیک با تم متضاد. بخش 2، د ماژور - غزلی سبک. بخش 3 - سریع، دراماتیک، با تغییر متضاد کلیدها و مضامین. بخش 4، B-flat major، شبیه بخش 2 است. بخش 5 شامل یک سکانس کونت چهارم، سریع، زمان دار است. در قسمت ششم مطالب قسمت اول تکرار می شود که به کل قسمت وحدت و کامل می دهد.

قسمت اول، سوناتا آلگرو، سی مینور . مهمانی اصلی- دراماتیک، متضاد، تضاد آن برگرفته از موضوع اول فانتزی است . طرف پیوندشامل یک موضوع موقت جدید است که یک موضوع جانبی را پیش بینی می کند . مهمانی جانبیدارای یک تصویر جدید، سبک تر و ترانه تر نسبت به قسمت اصلی است، کلید آن E-flat major است. . توسعه- کوتاه، شامل 25 معیار، موضوعات اصلی و میانی را توسعه می دهد . تکراربه طور قابل توجهی تغییر کرده است، در آن موضوع میانی نمایشگاه با یک موضوع جدید جایگزین می شود، موضوع ثانویه در کلید اصلی ارائه می شود. قسمت اول به پایان می رسد کد، که بر روی اولین عنصر دسته اصلی ساخته شده است.

بخش دوم, Adagio, E-flat major, فرم - 3 قسمتی. شخصیت آرام، روایی است، موضوع با الگوهای برازنده رنگ آمیزی شده است.

قسمت سوم, Assai allegro, C minor, form - rondo sonata. قسمت‌های اصلی و جانبی متضاد هستند: شخصیت بی‌قرار و آشفته قسمت اصلی با قسمت اصلی روشن مخالف است.

W. A. ​​MOZART. مرثیه.

"رکوئیم" بزرگترین ساخته موتزارت است که در کنار "شور" باخ یکی از تراژدی های خیره کننده در هنر موسیقی قرن هجدهم است.

«رکوئیم» را «آواز قو» آهنگساز می نامند. این آخرین کار اوست که وقت نکرد آن را تمام کند. Süssmeier، دوست و شاگرد موتزارت، کار بر روی این اثر را بر اساس طرح ها و طرح های آهنگساز و همچنین بر اساس این واقعیت که موتزارت خود او را بازی می کرد، تکمیل کرد. "رکویم" همزمان با اپرای "فلوت جادویی" ساخته شد. تصور دو اثر متفاوت دیگر دشوار است. "فلوت جادویی" یک افسانه روشن و شاد است، "رکوئیم" یک مراسم تشییع جنازه غم انگیز است.

موتزارت قبلاً به ژانر کانتاتا و اوراتوریو روی آورد. او متت، کانتات، توده ها نوشت. با وجود متون معنوی، این آثار بی نهایت با موسیقی کلیسا فاصله دارند و تفاوت چندانی با آثار سکولار ندارند. به عنوان مثال می توان به فینال موتت انفرادی "Hallelujah" اشاره کرد - یک آریای ویرتوز معمولی از نوع اپرا.

موتزارت در آثار مبتنی بر متون معنوی، عقاید روشنگری را موعظه کرد و به برادری و عشق جهانی دعوت کرد.

همین عقاید در «مرثیه» نیز منعکس شد. در اینجا آهنگساز فاش می کند ثروتمندترین جهانتجارب انسانی، مظهر عشق به زندگی، برای مردم است.

خود ژانر Mass حضور چندصدایی را پیش‌فرض می‌گیرد. موتزارت هنر J.S. باخ، به طور گسترده ای از تکنیک های پلی فونیک در آثار خود استفاده کرد.

این را آثاری مانند کنسرتوهای پیانو در د مینور و سی مینور، فانتزی در سی مینور و پایان باشکوه سمفونی مشتری نشان می دهند.

رکوئیم اوج مهارت چندصدایی موتزارت است. این اثر تقریباً تمام تکنیک های نوشتن چندصدایی را منعکس می کند: تقلید، کنترپوان، دو فوگ و غیره.

"رکوئیم" از 12 شماره تشکیل شده است که 9 شماره برای گروه کر و ارکستر نوشته شده است ، 3 شماره برای تکنوازان کوارتت. این اثر شامل اعداد سنتی مشخصه هر دسته جمعی ("خداوند رحمت کن" ، "قدوس" ، "بره خدا") و همچنین قسمت های اجباری است که فقط به مراسم تشییع جنازه تعلق دارد ("استراحت ابدی" ، "روز خشم" , “ترومپت شگفت انگیز” , “اشک آور”).

1 قسمتاز 2 بخش تشکیل شده است: بخش 1 - آهسته - "Requiem aeternam" ("استراحت ابدی") ، بخش 2 - سریع - فوگ دوگانه "Kyrie eleison" ("خداوند رحمت کن").

قسمت 2- "Dies irae" - "روز خشم". این تصویری از قیامت است.

قسمت 3- "توبا میرم" - "پیپ شگفت انگیز". با صدای ترومپت شروع می شود، سپس نوازندگان (باس، تنور، آلتو، سوپرانو) به نوبت وارد می شوند و کل کوارتت با هم به صدا در می آید.

قسمت 4- "Rex tremendaе" - "ارباب وحشتناک"؛

قسمت 5- "Recordare" - "به یاد داشته باشید"؛

قسمت 6- "Confutatis maledictis" - "رد کردن کسانی که لعنت شده اند"، این نمونه ای از شجاعت و نوآوری باورنکردنی در زمینه هماهنگی است.

قسمت 7- "Lacrymoza" - "Earful"، این اوج غزلی-دراماتیک کل اثر است.

قسمت 8- "Domine Yesu" - "Lord"؛

قسمت 9- "Hostias" - "قربانیان"؛

قسمت 10- "Sanctus" - "مقدس"؛

قسمت 11- "Benedictus" - "مبارک"؛

قسمت 12- "اگنوس دی" - "بره خدا".

لودویگ وان بتهوون (1770 - 1827).

موسیقی انقلاب فرانسه.انقلاب بورژوازی فرانسه در سال 1789 آغاز مرحله بسیار مهمی در توسعه تاریخ بود. او تأثیر زیادی بر جنبه های مختلف زندگی از جمله موسیقی داشت. در عصر انقلاب فرانسه، موسیقی یک ویژگی دموکراتیک توده ای پیدا کرد. در این زمان بود که کنسرواتوار پاریس تأسیس شد. نمایش های تئاتری در خیابان ها و میادین اجرا شد، تعطیلات دسته جمعی برگزار شد.

زمان جدید نیاز به به روز رسانی سبک داشت. پوستر، هنر بسیار تعمیم یافته به منصه ظهور می رسد. در آثار موسیقی، ریتم کمپین، راهپیمایی، اشکال ساده همراهی غالب است.

خیابان ها و میادین نیاز به ارکسترهای بزرگ با صدای قدرتمند داشتند، بنابراین گروه سازهای برنجی به طور قابل توجهی گسترش یافت.

ژانرهای موسیقی جدید، به ویژه آهنگ دسته جمعی ظهور کردند. به عنوان مثال می توان به Marseillaise اثر Rouget de Lisle، Carmagnola اشاره کرد. کانتاتاها، اوراتوریوها و اپراها مملو از محتوای جدید بودند. ژانر جدیدی در زمینه اپرا ظاهر شد - اپرا "نجات و وحشت" ، جایی که مبارزه برای نجات قهرمان نشان داده شد و همیشه با پیروزی خیر بر شر خاتمه می یافت. در همان زمان، طرح این اپراها شامل صحنه های ترسناک، موقعیت های دراماتیک بود. اولین اثری از این دست، اپرای "وحشت های صومعه" اثر هنری برتون بود. اپرای "رستگاری و وحشت" چیزهای جدیدی را وارد ژانر اپرا کرد: 1) مردم عادی قهرمان شدند، نه شخصیت های استثنایی. 2) حوزه آهنگی، نزدیک به موسیقی روزمره، گسترش یافته است. 3) نقش سمفونی و از طریق توسعه افزایش یافته است.

ویژگی های آثار بتهوونانقلاب فرانسه، با وجود اهمیت کل فرهنگ به عنوان یک کل، یک آهنگساز برجسته فرانسوی را مطرح نکرد که ایده های آن را منعکس کند. چنین آهنگسازی نماینده درخشان موسیقی آلمانی لودویگ ون بتهوون بود که هنر او بسیار فراتر از محدودیت های زمان خود است. کار تمام رمانتیک ها، موسیقی دانان روسی و آهنگسازان قرن بیستم با آثار بتهوون مرتبط است.

بتهوون معاصر جنبش های انقلابی قدرتمند در اواخر قرن 18 و 19 بود و آثار او هم با ایده های انقلاب فرانسه و هم با جنبش انقلابی در آلمان و سایر کشورهای اروپایی مرتبط بود.

ریشه های کار بتهوون: 1) فرهنگ فرانسوی. او او را در بن ملاقات کرد، جایی که در فاصله ای نه چندان دور از فرانسه قرار دارد و موسیقی آهنگسازان فرانسوی، به ویژه گرتری و مونسینی، اغلب در آن به صدا درآمد. علاوه بر این، بتهوون به شعارهای انقلاب فرانسه - "آزادی، برابری و برادری" نزدیک بود.

2) فلسفه آلمانیمرتبط با جنبش "طوفان و استرس" و با کیش شخصیت قوی.

3) ثروتمندترین آلمانی فرهنگ موسیقی ، کار نمایندگان برجسته آن - باخ، هندل، گلوک، هایدن، موتزارت.

بتهوون آخرین نماینده کلاسیک گرایی وین است. بسیاری از آن را با پیشینیان خود مشترک است، اما بسیاری آن را از آنها متمایز می کند. تفاوت اصلی در استفاده از موضوعات مدنی است . موضوع اصلی کار بتهوون - موضوع "قهرمان و مردم ». قهرمان همیشه برنده می شود، اما مبارزه او دشوار است، او باید بر موانع زیادی غلبه کند.

مضمون جدید همچنین به ابزارهای بیانی جدیدی منجر شد، از جمله تفسیر جدیدی از چرخه سونات-سمفونی:

1) نقش اصلی به تصاویر ترسناک، قهرمانانه، دراماتیک داده می شود.

2) آثار با توسعه مداوم پر شده است. توسعه بر قرار گرفتن غلبه دارد.

3) بین مضامین نه تنها تضاد، بلکه تضاد وجود دارد، به ویژه بین مضامین طرفین اصلی و فرعی.

4) از اصل تضاد مشتق استفاده می شود ، یعنی تضاد با آنچه در اشتراک آهنگ ها بین قسمت های اصلی و فرعی ظاهر می شود (مضامین مستقل هستند ، آهنگ ها مشترک هستند) با وحدت مرتبط است.

5) مضامین قهرمانی اغلب بر اساس صداهای سه گانه ساخته می شوند و شامل ریتم های راهپیمایی می شوند.

موضوع اصلی دیگر در آثار بتهوون این است متن ترانه . آهنگساز تمام ظرافت های احساسات و حالات انسانی را منتقل می کند. اما صراحت یک کلام غنایی همیشه با اراده عقل مهار می شود. تصادفی نیست که R. Rolland بتهوون را «جریان آتشین در بستر گرانیتی» نامید. این کیفیت اشعار آهنگساز در شدت فرم، در پرفکر بودن و کامل بودن قطعات متجلی می شود.

سومین موضوع اصلی موسیقی بتهوون است موضوع طبیعت که بسیاری از آثار او از جمله سمفونی ششم "پاستورال"، سونات پانزدهم "پاستورال"، سونات بیست و یکم "شفق قطبی"، قطعات آهسته سونات، سمفونی، کنسرتو و غیره به آن اختصاص دارد.

بتهوون تقریباً در تمام ژانرهای موسیقی کار کرد. او 9 سمفونی، 32 سونات پیانو، 10 سونات ویولن، 5 کنسرتو پیانو، اورتور از جمله اگمونت، کوریولانوس، لئونور شماره 3، اپرای فیدلیو، چرخه آواز به یک عاشق دور، توده ها و غیره نوشت. اما ژانرهای اصلی آثار او سمفونیک و مجلسی-ساز هستند.

بتهوون مهمترین دوره در تاریخ موسیقی - کلاسیک گرایی را خلاصه کرد و در عین حال راه را به عصر جدیدی - رمانتیسیسم باز کرد. این ویژگی با ویژگی های زیر در کار او مشهود است: 1) جسارت زبان هارمونیک، استفاده از روابط ماژور-کوچک، آهنگ های دور، تغییر شدید کلیدها. 2) فرم های آزادتر، انحراف از قوانین کلاسیک، به ویژه در سونات های بعدی. 3) ترکیب هنرها، در درجه اول موسیقی و ادبیات (پایان سمفونی نهم)؛ 4) درخواست برای چنین ژانر عاشقانه ای مانند چرخه آواز ("به یک معشوق دور") و غیره.

کار پیانو بتهوون. "موسیقی باید از قلب انسان آتش بزند" - این سخنان بتهوون ایده ای از عظمت وظایفی را که او برای خود و به طور کلی برای هنر تعیین کرده است به دست می دهد. اندیشه‌هایی درباره تاریخ، درباره سرنوشت مردم، با الهام از روح انقلاب، اساس تماتیک تمام آثار بتهوون، از جمله سونات‌های پیانوی او است. به گفته B. Asafiev "سوناتهای بتهوون تمام زندگی یک فرد است."

بتهوون در طول زندگی خود روی سونات های پیانو کار کرد. او که بزرگترین هنرپیشه بود، امکانات بیانی پایان ناپذیر ساز را نشان داد که در آن زمان هنوز کامل نبود. اگر سمفونی برای بتهوون حوزه ایده های تاریخی بود، پس در سونات ها او زندگی درونی یک فرد، دنیای تجربیات و احساسات او را منتقل می کرد. بتهوون 32 سونات پیانو نوشت و قبلاً در اولین سونات فا مینور، ویژگی های فردی درخشانی یافت می شود که با هایدن و موتزارت متفاوت است. بتهوون جسورانه فرم‌های سنتی را می‌شکند و مشکل ژانر سونات را به شیوه‌ای جدید حل می‌کند، همان‌طور که باخ پایه‌های چندصدایی سخت‌گیرانه را ویران کرد و سبک پلی‌فونیک آزاد را ایجاد کرد.

سونات های بتهوون تکامل این ژانر را در آثار آهنگساز نشان می دهد. در سونات های اولیه، چرخه از 3 تا 4 قسمت در نوسان است، در دوره میانی 3 قسمت غالب است، تمایل به فشرده سازی چرخه وجود دارد، سونات های 2 قسمتی ظاهر می شود (19، 20). در سونات های بعدی، هر ترکیب فردی است.

سونات های پیانو بتهوون.

سونات شماره 8 "تاسناک».

قسمت اولکند شروع می شود ورود (مقدمه، قبر ) ، که حاوی تصویر اصلی کار است - دراماتیک، پرتنش. این مرکز معنایی محتوای سونات است که گواه نوآوری بتهوون و ترسیم مسیر ایجاد موسیقی لایت موتیف است. آهنگ اولیه یک حرکت تدریجی به سمت بالا است که در یک ثانیه نزولی به پایان می رسد. ماهیت دراماتیک تم با هارمونی کاهش آکورد هفتم، ریتم نقطه‌دار و لحن‌های واضح مشخص همراه است. در مقدمه تضاد و تقابل دو تصویر - دراماتیک و غنایی وجود دارد. برخورد و تناوب اصول متناقض جوهره مقدمه است. در توسعه بیشتر، آهنگ اولیه به حالت اصلی (E-flat major) و صداها تبدیل می شود پیانو،و آکوردهای مهیب بعدی - فورتهبنابراین، نه تنها تضاد فیگوراتیو، بلکه پویا نیز ایجاد می شود.

مهمانی اصلی در کلید اصلی (سی مینور). برای آن غیرمعمول این است که بر روی نقطه اندام تونیک ساخته شده است و دارای انحراف در S است که بیشتر برای بخش های پایانی معمول است. . مهمانی جانبی از دو موضوع تشکیل شده است موضوع اول - تند، هیجان‌انگیز - در کلید سنتی (E-flat major)، بلکه در مینور E-flat به نظر می‌رسد. یک نقطه ارگ ​​D در باس وجود دارد که برای بخش های نمایش نیز معمول نیست. نقطه اندام D مشخصه سازه های در حال توسعه است. موضوع دوم قسمت کناری کلید آشناتر ماژور موازی را بازیابی می کند و در ماژور E-flat خوانده می شود. او آرام تر است، زیرا. شامل مدت زمان طولانی، و روشن تر است. توسعه با تم مقدمه شروع می شود، که به طور کامل به اختصار است، و عمدتا موضوع حزب اصلی را توسعه می دهد. تکرار مطالب نمایش را تکرار می کند، اما در نسبت های تونال متفاوت: موضوع اول قسمت جانبی به جای C مینور در کلید F مینور اتفاق می افتد. کلید اصلی در موضوع دوم قسمت جانبی برمی گردد. قسمت اول با کدا به پایان می رسد که در آن موضوع مقدمه دوباره به صدا در می آید.

بخش دوممرکز غزلیات سونات است. در کلید A-flat ماژور ارائه شده است و ساختار سه جانبه دارد. این نمونه ای از غزل معمولی بتهوون است: مضمون ملودیک است، اما شخصیتی سختگیرانه و محدود دارد. در قسمت میانی، موسیقی صدای تنش تری به خود می گیرد، زیرا. در مینور A-flat شروع می شود، ناپایدار است، شامل سه قلو است. تکرار پویا است، که در آن تم اصلی در پس زمینه یک حرکت سه گانه وام گرفته شده از حرکت میانی اتفاق می افتد.

قسمت سومکه در کلید اصلی نوشته شده است، فرم یک rondo-sonata است. تفاوت اصلی با فرم سونات این است که در پایان اکسپوزیشن، پس از قسمت پایانی، دوباره موضوع قسمت اصلی پخش می شود. قسمت اصلی دوباره در پایان تکرار به صدا در می آید. به جای توسعه - یک قسمت در ماژور A-flat. موضوع قسمت اصلی از نظر آهنگی با موضوع اول قسمت جانبی از موومان اول مرتبط است. قسمت کناری به صورت ماژور موازی خوانده می شود.

سوناتا شماره 14 "ماه".

این سونات در سال 1801 سروده شد و در سال 1802 منتشر شد. به کنتس ژولیت گیکیاردی تقدیم شده است. نام «قمری» را یکی از معاصران بتهوون، شاعر لودویگ رشتاب، به سونات داد که موسیقی قسمت اول سونات را با منظره دریاچه فیروالدستت در شبی مهتابی مقایسه کرد.

بتهوون این سونات را در دوران سختی از زندگی خود نوشت. از یک طرف ، شهرت قبلاً به عنوان آهنگساز و هنرپیشه به او رسیده بود ، او به خانه های برجسته ترین اشراف دعوت شد ، او حامیان بسیاری داشت. از طرفی از شروع ناشنوایی که بیشتر و بیشتر پیشرفت می کرد، ترسیده بود. تراژدی یک نوازنده که شنوایی خود را از دست داد، با تراژدی مردی که احساس عشق نافرجام را تجربه کرد، تشدید شد. احساس برای جولیت گیکیاردی ظاهراً اولین احساس عمیق بود شور عشقبتهوون و اولین ناامیدی به همان اندازه عمیق. در اکتبر 1802، آهنگساز معروف "عهد Heiligenstadt" را نوشت - سندی غم انگیز از زندگی خود، که در آن افکار ناامیدانه در مورد از دست دادن شنوایی با تلخی عشق فریب خورده ترکیب می شود.

"سونات مهتاب" - یکی از اولین ساخته های بتهوون پس از اینکه او دچار بحران معنوی و خلاقانه شد.

سونات با کلید سی شارپ مینور نوشته شده و از 3 قسمت تشکیل شده است.

قسمت اولغیر معمول. به جای سونات آلگرو به طور کلی پذیرفته شده، آداجیو در اینجا به صدا در می آید. خود آهنگساز آن را فانتزی تعریف می کند. و در واقع قسمت اول به صورت پیش درآمدی- بداهه و مشخصه فانتزی ارائه شده است. بخش اول با مقدمه ای کوتاه آغاز می شود که در آن، در پس زمینه باس های پایدار، آکوردهای سه صدایی در یک صدای ریتم سه گانه تجزیه شده است. سپس ملودی اصلی یک شخصیت به شدت متمرکز ظاهر می شود. با تکرار صداها، ریتم نقطه چین، پویایی آرام مشخص می شود. فرم به سه جانبه نزدیک می شود. در بخش میانی، موضوع متشنج تر و دراماتیک تر می شود، هارمونی های کاهش یافته معرفی می شوند، انتقال به کلیدهای دیگر. تکرار فشرده شده است و بر اساس محو شدن تدریجی موضوع ساخته شده است.

بخش دوم -آلگرتو، د فلت ماژور. او به عنوان پرتره ژولیت گیکیاردی در نظر گرفته می شود. قسمت دوم شخصیتی بازیگوش و برازنده با عناصر رقص دارد. R. Rolland او را "گلی بین دو پرتگاه" نامید، زیرا. به شدت با قسمت های افراطی تضاد دارد. فرم قسمت دوم سه قسمتی پیچیده با یک سه گانه است. تم اصلی در یک انبار آکورد، با ریتم 3 ضرب ارائه شده است.

قسمت سوم– پرستو آگیتاتو، مینور سی شارپ. این مرکز ثقل کل سونات است. موومان سوم به صورت سونات توسعه یافته نوشته شد. بخش پایانی با انرژی مقاومت ناپذیر، تنش، درام متمایز می شود. R. Rolland آن را به عنوان یک جریان تگرگ تعریف می کند، "که روح را شلاق می زند و می لرزاند." به همان اندازه تجسم شخصیت او از حزب اصلی است، که او آن را با امواجی که می غلتند و با صفحات گرانیت برخورد می کنند مقایسه می کند. و در واقع، بخش اصلی بر روی یک حرکت صعودی در امتداد صداهای یک سه گانه تجزیه شده، همراه با یک پنجم تونیک ساخته شده است که با ضربات آکورد به پایان می رسد. جمله دوم بازی اصلی به یک بازی پیوند دهنده تبدیل می شود که مستقیماً به یک بازی جانبی می رود. قسمت کناری دارای خط ملودیک برجسته و سرکش و تند است. قسمت کناری نه در ماژور موازی سنتی، بلکه با کلید مینور غالب، یعنی. مینور جی شارپ. قسمت پایانی کاملاً توسعه یافته است، به صورت آکورد بیان شده است. توسعه است توسعه فشردهموضوعات قسمت های اصلی و جانبی. در تکرار، تمام تم ها در کلید اصلی شنیده می شوند. نهایی با یک کد توسعه یافته متمایز می شود، که، همانطور که بود، توسعه دوم است. این تکنیک برای سمفونی های بتهوون معمول است و گواه نفوذ اصل سمفونیک در ژانر سونات است.

SONATA شماره 23 "APPASIONATA».

سونات "Appassionata" به ستایشگر سرسخت بتهوون، کنت فرانتس برانزویک تقدیم شده است. بتهوون آهنگسازی آن را در سال 1804 آغاز کرد و احتمالاً آن را در سال 1806 به پایان رساند. در سال 1807 منتشر شد.

نام "appasionata" متعلق به خود آهنگساز نیست، بلکه متعلق به کرانز ناشر هامبورگ است. با این وجود، این نام به خوبی گویای اصل کار است و بنابراین محکم به آن چسبیده است. بتهوون در سالی سخت برای خود شروع به خلق سونات کرد. او همان احساساتی را تجربه کرد که هنگام خلق سوناتای مهتاب. ناشنوایی پیشرو و غیرقابل تحمل برای یک نوازنده، سختی های دردناک عشق و دوستی، تنهایی معنوی مداوم - همه اینها پیش نیازهای یک اثر غم انگیز و غم انگیز را ایجاد کرد. اما روح قدرتمند بتهوون به او کمک کرد تا از این آزمایشات خارج شود. بنابراین، سونات نه تنها دراماتیک است، بلکه سرشار از اراده و انرژی است.

سونات با کلید فا مینور نوشته شده و از 3 موومان تشکیل شده است. قسمت اول - آلگرو آسای، فرم سونات. در اینجا آهنگساز برای اولین بار از ارائه مکرر امتناع کرد، بنابراین کل قسمت اول در یک نفس به صدا در می آید. مهمانی اصلیاز 3 عنصر متضاد تشکیل شده است. عنصر اول نشان دهنده یک حرکت هماهنگ در امتداد صداهای سه گانه تونیک است، ابتدا در یک حرکت رو به پایین، سپس به سمت بالا. درست و دست چپعنصر اولیه را در فاصله دو اکتاو اجرا کنید. عنصر دوم تریل است. سومین موتیف چهار نت است که یادآور موضوع سرنوشت از سمفونی پنجم است. طرف اصلی نه تنها مطالب را بیان می کند، بلکه بلافاصله آن را توسعه می دهد. مهمانی جانبیدر کلید A-flat major ارائه شده است، به طور لحنی با اولین عنصر قسمت اصلی مرتبط است، اما حاوی تصویری مستقل است - با شکوه سختگیرانه و شجاعانه. این اصل کنتراست مشتق است. توسعهمضامین را به همان ترتیبی که در نمایش وجود دارد توسعه می دهد، اما در بی ثباتی تون، بافت متفاوتی متفاوت است، و بنابراین به طور چشمگیری درک می شود. قبل از تکرار، ضربات قدرتمند "موتیف سرنوشت" شنیده می شود. همین انگیزه وجود دارد تکرار- حزب اصلی بر روی آن ساخته شده است. قسمت کناری در تکرار به صورت فا ماژور است. نتیجه توسعه کل قسمت اول است کد. موومان اول به دلیل مقیاس و شدت توسعه قابل توجه است که آپاسیوناتا را از دیگر سونات های آهنگساز متمایز می کند.

بخش دوم – Andante con moto، D-flat major. در تضاد شخصیت با موومان اول، آرام، متفکرانه، به شیوه بتهوون سختگیرانه به نظر می رسد. فرم متغیر است. موضوع با حروف کوچک در بافت کرال ارائه شده است. تغییرات بر اساس یک شتاب ریتمیک تدریجی ساخته می شوند، یعنی. با هر تغییر در مدت زمان، آنها کوتاهتر می شوند: هشتم، شانزدهم، سی و ثانیه. در پایان قسمت دوم، آکورد هفتم کاهش یافته مخفیانه و محتاطانه به گوش می رسد و سپس قسمت سوم بدون وقفه شروع می شود.

قسمت سوم– Allegro ma non troppo، در فا مینور. قسمت پایانی هم از نظر شخصیت و هم از نظر تکنیک های رشد شباهت های زیادی با قسمت اول دارد. معاصران بتهوون در این سونات شباهتی به «طوفان» شکسپیر دیدند و به همین دلیل آن را «شکسپیر» نامیدند. این قسمت سوم بود که بیشترین زمینه را برای این کار فراهم کرد. قسمت پایانی حتی از قسمت اول روشن تر است، شبیه یک گردباد است. فرم سونات است، اما به نظر می رسد همه بخش ها در یک ادغام شده اند. سرعت در کدای پایانی شتاب می گیرد، تونالیته ماژور A-flat ظاهر می شود، که دلیلی می دهد تا آن را پایان نه تنها موومان پایانی، بلکه کل سونات به عنوان یک کل بدانیم. این نتیجه یک درام انسانی است که پر از تضادهای درونی است و با مرگ قهرمان به پایان می رسد. اما، با وجود پایان تراژیک، بدبینی در سونات وجود ندارد، زیرا قهرمان در پایان سفر خود معنای زندگی را پیدا کرد و از این رو "آپاسیوناتا" به عنوان یک "تراژدی خوش بینانه" تلقی می شود.

سمفونی شماره 5.

خلاقیت سمفونیک. سمفونیزم بتهوون در خاکی که هایدن و موتزارت تهیه کرده بودند رشد کرد، که در نهایت در آثار آنها اصول ساختار و توسعه چرخه سونات-سمفونی و فرم سونات شکل گرفت. اما سمفونی های بتهوون نمایانگر مرحله ای جدید و بالاتر از سمفونی است. گواه این امر مقیاس سمفونی ها است که به طور قابل توجهی از مقیاس سمفونی های پیشینیان او فراتر رفته است و محتوای درونی ، به عنوان یک قاعده ، قهرمانانه و دراماتیک ، و صدای ارکسترال به دلیل افزایش ترکیب ارکستر و بالاتر از همه، گروه برنج. توسعه سمفونیزم بتهوون تحت تأثیر موسیقی انقلاب فرانسه با تصاویر قهرمانانه، ریتم های راهپیمایی و راهپیمایی، آهنگ های هیاهو و صدای ارکستری قدرتمند بود. علاوه بر این، تضاد درونی سمفونی ها با اصول دراماتورژی اپرا مرتبط است.

بتهوون 9 سمفونی نوشت. در مقایسه با هایدن و موتسارت، این مقدار زیادی نیست، اما دلایلی برای این وجود دارد. اولاً ، بتهوون فقط در سن سی سالگی شروع به نوشتن سمفونی کرد ، قبل از آن جرات نکرد به این ژانر روی آورد و مسئولیت کامل نوشتن سمفونی را درک کرد. ثانیاً به همین دلیل مدت طولانی سمفونی نوشت: سمفونی سوم را یک سال و نیم، سمفونی پنجم را چهار سال و سمفونی نهم را به مدت ده سال خلق کرد. همه سمفونی ها نشان دهنده یک تحول مداوم از این ژانر در آثار آهنگساز هستند. اگر سمفونی اول فقط ویژگی های سمفونی بتهوون را بیان می کرد، سمفونی نهم نقطه اوج توسعه این ژانر است. در پایان این سمفونی، بتهوون متنی شاعرانه - "قصیده شادی" شیلر را وارد کرد و بدین ترتیب دوران رمانتیک را با ترکیب هنرها پیش بینی کرد.

سمفونی شماره 5- یکی از قله های سمفونیزم بتهوون. ایده اصلی آن ایده یک مبارزه قهرمانانه است، پر از تنش و اضطراب دراماتیک، اما با یک پیروزی قانع کننده به پایان می رسد. بنابراین، دراماتورژی سمفونی "از تاریکی به روشنایی از طریق مبارزه و رنج" ساخته می شود.

سمفونی پنجم با کلید سی مینور نوشته شده و از 4 قسمت تشکیل شده است. نقش بزرگی در سمفونی توسط چهار نوار ایفا می شود معرفی ، که در آن "موتیف سرنوشت" به صدا در می آید. به گفته خود آهنگساز، «سرنوشت اینگونه بر در می زند». این مقدمه همان نقشی را در سمفونی ایفا می کند که لایت موتیف در اپرا بازی می کند. انگیزه سرنوشت در تمام قسمت های این اثر نفوذ می کند.

قسمت اول- Allegro con brio، در C مینور. فرم سونات است. مهمانی اصلی- دراماتیک، سرکش، موضوع مقدمه را توسعه می دهد. طرف پیوندنشان دهنده مرحله جدیدی در توسعه حزب اصلی است که با حرکات هیاهویی که بازی جانبی را پیش بینی می کند به پایان می رسد. مهمانی جانبی(E-flat major) - ترانه تر، نرم تر، متضاد با قسمت اصلی. کم کم دراماتیک می شود. بازی نهاییبر اساس متریال قسمت اصلی ساخته شده است، اما شجاعانه تر و قهرمانانه تر به نظر می رسد. توسعه- توسعه مستمر آهنگ های حزب اصلی. در قله اوج توسعه آغاز می شود تکرار. چیزی که در تکرار نسبت به اکسپوزیشن جدید است، اولاً تکنوازی ابوا در قسمت اصلی و ثانیاً برگزاری یک قسمت جانبی در ماژور و یک ارکستراسیون جدید است. کداموضوع حزب اصلی را تایید می کند، هنوز نتیجه ای نمی دهد، برتری در طرف نیروهای شرور و متخاصم است.

بخش دوم– Andante con moto، A-flat major. فرم، مانند موومان دوم سمفونی هایدن در ماژور E-flat (سمفونی شماره 103، با ترمولوی تیمپان)، دو تغییر است. موضوع اول صاف، آواز مانند، مواج است. مضمون دوم در اجرای اول از نظر شخصیتی نزدیک به اولین است، در اجرای دوم به دلیل صدای بلند (ff)، صدای گروه مسی، شخصیت قهرمانانه ای پیدا می کند. سپس موضوعات به نوبه خود تغییر می کنند.

قسمت سوم- آلگرو، در سی مینور. این یک اسکرو است که به صورت پیچیده 3 قسمتی با یک سه گانه نوشته شده است. ماهیت موسیقی در بخش‌های افراطی با تعریف اسکرو به عنوان یک شوخی مطابقت ندارد. این اسکرو دراماتیک به نظر می رسد. در بخش اول دو موضوع با هم مقایسه شده است. موضوع اول از دو عنصر تشکیل شده است: عنصر اول یک حرکت صعودی هماهنگ در امتداد صداهای سه گانه تونیک را نشان می دهد، عنصر دوم یک حرکت صاف تر و وتر است. مضمون دوم، وسواس‌آمیز، بر اساس «موتیف سرنوشت» است. سه ماژور - بیشتر با شخصیت سنتی اسکرزو سازگار است. تم سنگین، خشن، رقصیدن با طنز عامیانه سالم است. با صدای هماهنگ ویولن سل و کنترباس ارائه می شود. تکرار پویا است، تحت تأثیر سه نفر نرم می شود، ارکستراسیون آن شفاف تر است.

قسمت چهارم، نهایی - آلگرو، سی ماژور. ماهیت فینال شاد و جشن است. فرم سونات که در آن قسمت اصلی و قسمت جانبی در تضاد نیستند، بلکه مکمل یکدیگر هستند. کدای پایانی خروجی کل سمفونی است. نیروهای شیطانی سرانجام شکست می خورند و بشریت آزاد شده از پیروزی مورد انتظار خوشحال می شود.

موتزارت در طول عمر کوتاه خود بیش از 600 اثر نوشت. هرکسی چیزی برای خودش در آثار آهنگساز بزرگ پیدا می کند. در اینجا تنها بخش کوچکی از میراث غنی این آهنگساز را در نظر خواهیم گرفت.

فهرست معروف ترین آثار موتزارت.

سمفونی شماره 40

سرناد شب کوچولو

راهپیمایی ترکی

عروسی فیگارو

دون خوان

مرثیه

فلوت جادویی

کنسرتو برای پیانو و ارکستر شماره 21

سمفونی شماره 40 در گی مینور، K.550.در 31 ژوئیه 1788، موتزارت سمفونی را که یکی از معروف ترین و شناخته شده ترین آثار او بود، به پایان رساند. موتزارت این سمفونی را سه هفته پس از پایان سمفونی سی و نهم نوشت. موتزارت خود را برای یک کنسرت بزرگ در تابستان سال 1789 آماده می کرد و در تابستان 1788 سمفونی 39.40 و 41 را نوشت، اما کنسرت برگزار نشد و تاریخ اکران سمفونی ها مشخص نیست. همچنین مشخص نیست که آیا موتزارت اجرای این سمفونی ها را شنیده و به چه کسانی تقدیم شده است. در سال 1791، موتزارت نسخه دوم سمفونی چهلم را ساخت.

Serenade شماره 13 (Little Night Serenade) در G Major، K.525.سرناد شب کوچک توسط موتزارت در سال 1787 نوشته شد، اما تا سال 1827، 36 سال پس از مرگ نویسنده، منتشر نشد. چندین نسخه از تاریخچه ایجاد آن وجود دارد. به گفته یکی از آنها، موتزارت به سفارش یک سرناد نوشت، به گفته دیگری آن را به همسرش تقدیم کرد، اما هیچ یک از نسخه ها تأیید دقیقی ندارد. پس از مرگ موتزارت، همسرش کنستانس تمام آثار نویسنده از جمله این سرناد را به یکی از مؤسسات انتشاراتی فروخت. در یادداشت‌های موتزارت آمده است که «سرناد شبانه کوچک» از پنج قسمت تشکیل شده است، اما یک قسمت بدون هیچ اثری ناپدید شده و تنها چهار قسمت از این اثر به دست ما رسیده است. اکنون نسخه اصلی در یک مجموعه بسته در بازل نگهداری می شود.

سونات پیانو شماره 11 در ماژور، K.331/300i.«مارش ترکی» یا «روندو به سبک ترکی» سومین موومان سونات است که بسیاری از ما به راحتی آن را تشخیص می دهیم. یکی از معروف ترین و اجرا شده ترین آثار موتزارت. دقیقاً مشخص نیست که این سونات چه زمانی نوشته شده است. بر اساس یک نسخه، سونات در سال 1778 در پاریس نوشته شد، بر اساس دیگری، در سال 1783 در وین یا سالزبورگ. نسخه دوم در دایره پژوهشگران فعالیت موتزارت محتمل ترین تلقی می شود. مطمئناً مشخص است که اولین انتشار سونات در سال 1784 در وین انجام شد.

ازدواج فیگارو، K.492.ازدواج فیگارو یکی از شاهکارهای اپرا جهان، درخشان ترین جلوه استعداد موتزارت است. موتزارت در دسامبر 1785 شروع به نوشتن موسیقی برای اپرا کرد و قبلاً در 1 مه 1786 اولین نمایش در وین برگزار شد. لیبرتو (بخش ادبی) این اپرا توسط لورنزو دا پونته بر اساس نمایشنامه پیر بومارشای دیوانه روز یا ازدواج فیگارو نوشته شده است. و با کمک داپونته، اولین نمایش اپرایی بر اساس نمایشنامه بومارشه که در آن زمان در اتریش ممنوع بود، برگزار شد. خود موتزارت در خلال اولین نمایش رهبری کرد. این اپرا موفقیت چندانی نداشت و تنها در دسامبر 1786، هنگامی که در پراگ اجرا شد، به رسمیت شناخته شد. قهرمان اپرای فیگارو برای عروسی با سوزانا آماده می شود. در اطراف این رویداد، بسیاری از دسیسه های مختلف پیچ خورده است. اپرا مانند نمایشنامه اشراف را به سخره می گیرد و زیرکی و حیله خدمتکاران را نشان می دهد.

دون خوان، K.527.موتزارت کار بر روی اپرای دون جیووانی را در سال 1787 در پراگ آغاز کرد. پس از موفقیت بزرگ ازدواج فیگارو در سال 1786، موتزارت برای یک اپرای جدید سفارش دریافت کرد. در فوریه 1787، پس از امضای قرارداد، کار را آغاز کرد. لیبرتوی اپرا مانند Le nozze di Figaro توسط لورنزو دا پونته نوشته شده است. لیبرتو بر اساس نمایشنامه "انتقام از تابوت" اثر آنتونیو دزامورا و اپرای "دون جیووانی" اثر جیووانی گازانیاگا ساخته شده است. تا پایان اکتبر، موتزارت و داپونته در حال اتمام کار بر روی اپرا هستند و در 29 اکتبر 1787، اولین نمایش در پراگ برگزار شد. «دون خوان» با استقبال بسیار زیادی روبرو شد. موتزارت و داپونته برای اولین نمایش در وین، 7 مه 1788، دو آریا و یک دوئت اضافه کردند. دون خوان قهرمان اپرا است. این اپرا در مورد روابط عاشقانه و تلافی رذیلت های دون خوان می گوید.

مرثیه (Requiem Mass), K.626.موتزارت در تابستان 1791 با دریافت دستوری از کنت والزگ کار روی این کار را آغاز کرد. کنت به موتزارت دستور داد تا مراسم تدفین به یاد همسرش برگزار شود. محتوای توده متن متعارف کاتولیک بود. موتزارت اغلب با سرودن چیزهای دیگر از کار خود بر روی رکوئیم منحرف می شد و این کار را تا زمان مرگش در دسامبر 1791 تکمیل نکرد. پس از مرگ موتزارت، همسرش کنستانس، پس از چندین بار تلاش برای یافتن کسی که کار شوهرش را تمام کند، به فرانتس سوسمیر روی آورد که کار آهنگساز مشهور را تکمیل کرد. نسخه ای وجود دارد که در 4 دسامبر 1791، یک روز قبل از مرگش، موتزارت با دوستان خود رکوئیم را اجرا کرد و پس از رسیدن به قسمت دوم، گریه کرد و گفت که هرگز این توده را تمام نخواهد کرد.

فلوت جادویی، K.620.موتزارت کار بر روی فلوت جادویی را تقریباً همزمان با رکوئیم در سال 1791 آغاز کرد. لیبرتو این اپرا توسط امانوئل شیکاندر بر اساس افسانه لولو یا فلوت جادویی کریستوف ویلند نوشته شده است. او همچنین ایفاگر نقش پاپانو بود. چندین نسخه از آثار دیگری وجود دارد که شیکاندر برای لیبرتو و حتی بر اساس نویسندگی خود استفاده کرده است. اولین نمایش این اپرا در 30 سپتامبر 1791 در وین با سالن کامل برگزار شد و با استقبال بسیار پرشور روبرو شد. شخصیت های اصلی شاهزاده مصری تومینو و پرنده شکار پاپاگنو هستند. شاهزاده برای نجات معشوقش که او را فقط در پرتره دیده است می رود و پرنده گیر در این امر به او کمک می کند.

کنسرتو پیانو شماره 21 در سی ماژور، K.467.موتزارت نوشتن این کنسرتو را در فوریه 1785، بلافاصله پس از پایان کنسرتو بیستم آغاز کرد. در 9 مارس 1785، آهنگساز کار را به پایان رساند و در 12 مارس، اولین نمایش در وین انجام شد. قابل تشخیص ترین موومان دوم (آندانته) این کنسرتو است.

K. - شماره کاتالوگ Koechel.

شما ممکن است علاقه مند باشید:

آخرین رتبه بندی ها: 4 5 4 1 1 4 4 5 5 5

نظرات:

چی میگی تو؟ بهترین موتزارت سمفونی 25 است!!!

thx کمک کرد

کمک با موسیقی لیتر!!! متشکرم!

567 2 مه 2019 ساعت 11:19 ق.ظ متشکرم

سمفونی های موتزارت

موتزارت از دوران کودکی تا آخرین سال زندگی خود، تعداد زیادی آثار ابزاری در همه ژانرهای معاصر خلق کرد. اولین تلاش‌ها برای ساختن سونات‌ها (برای کلاویر و ویولن) به اواخر سال 1763 برمی‌گردد و پنج‌گانه‌های بعدی و کنسرتو برای کلارینت و ارکستر در سال 1791 ظاهر شد. به استثنای رقص‌ها، مارش‌ها و تعدادی قطعات کوچک کلاویه، موتزارت تقریباً در همه جا فرم‌های سونات-سمفونیک را به نوعی توسعه داد. تا حد زیادی، این حتی در مورد موسیقی روزمره او نیز صدق می کند - در هر صورت، به بالغ ترین آنها - انواع مختلف، کاساسیون ها. در کل سبک دستگاهی موتزارت، اصول سونات-سمفونی او، سمفونیزم او به این شکل، خارج از روابط متقابل موسیقی آوازی و دستگاهی قابل بررسی است. خود نوشتار ارکسترال موتزارت به موازات سمفونی های کودکان او (از سال 1765) و موسیقی صحنه های آوازی یا آثار معنوی (از 1767) شروع به شکل گیری کرد. این نسبت در آینده نیز تا آخرین اپراها و سمفونی های سال 1788 معتبر بود.

ارتباط بین تصاویر اپرا و تماتیک سمفونیک،حرکت دراماتیک در اپرا و اصول توسعه سمفونیک در موتزارت بسیار مهمتر از هر آهنگساز دیگری در قرن هجدهم است. در عین حال، توسعه ابزاری و مضمونی آهنگ آوازی و اپرایی تا حد زیادی آن تیزی خارق العاده نوشتار و تمرکز اندیشه ملودیک را تعیین کرد که بهترین آریاهای موتسارت را متمایز می کند. معمولاً در مضامین سازهای موتزارت، بر سطحی بودن، ملودی بودن و کامل بودن ملودیک خود تأکید می کنند. به همین ترتیب، در مضامین آوازی او باید "سازگاری"، سبک، وحدت ارائه را مشخص کرد. به عبارت دیگر، بیان آوازی ساختار لحنی و خلوص ابزاری نوشتار به شیوه خود هم در موسیقی آوازی، هم در اپرا و هم در موسیقی دستگاهی موتسارت متجلی می شود. از این نظر، سبک او واقعاً مصنوعی است.

در یکی از سونات‌های کلاویه اولیه موتسارت (KV 282، سروده در 1774)، موومان اول (آداجیو) با چنان مضمونی آهنگین و گرد با لحن‌های اریوز مشخص آغاز می‌شود که به راحتی می‌توان متنی شاعرانه را جایگزین آن کرد. به نوبه خود، بسیاری از آریاهای غنایی موتزارت (مثلاً آریای پامینا یا آریای دوم زرلینا) می‌توانند به آندانتس ابزاری عالی تبدیل شوند و آریای بوفون مونوستاتوس می‌تواند به یک شرزندوی بسیار رنگارنگ تبدیل شود. در مشهورترین آریاهای اپراهای موتزارت، تشخیص مضمون گرایی، در نهایت منشأ ابزاری، دشوار نیست: در آریا "پسربچه دمدمی"، در اولین آریا دون جووانی (به اصطلاح "آریا با شامپاین")، در آریا انتقام ملکه شب، نوعی پردازش آوازی عناصر آهنگ ساز. موتزارت اپرا را نه تنها از نظر درام موسیقایی آن به عنوان یک کل یا در پایان بزرگ، بلکه از نظر ماهیت تفکر ملودیک در واحدهای آهنگسازی سمفونی می کند.

موضوع گرایی. موتزارت که تماتیسم سمفونیک خود را بر اساس پیوندهای بسیار گسترده تونشنال و تداعی های فیگوراتیو، به ویژه پیوندهایی با ملودی آوازی شکل می دهد، به ارائه دقیق تری از مضمون و نمایش آن نسبت به هایدن می رسد. در اصل، او مضمون را توسعه می دهد، هنوز هم فقط آن را افشا می کند و آن را با دیگران مقایسه می کند. قیاس در این مورد با تمرکز مضامین موسیقی در بهترین آرایه های موتزارت به جای رشد انگیزه مناسب است. این نوع ارائه مضمون، ساختار درونی آن هم با افزایش حس آوایی، رنگ‌آمیزی صدا (تونالیته، تمبر، ویژگی‌های بافتی) و هم با شکل‌دهی به طور کلی (حرکت در نمایشگاه، نسبت نمایش و توسعه ارتباط نزدیکی دارد. ، ماهیت توسعه و غیره). گاهی اوقات تضادهای تایم برای موتزارت در درون موضوع مهم هستند، زیرا بر جنبه های مختلف تصویر تأکید می کنند. درام درونی بخش اصلی در سمفونی "مشتری" نه تنها با تضادهای آهنگین، بلکه با تضادهای تن همراه است: همصدایی های توتی "قهرمانانه" در اندازه های 1 - 2 و 5 - 6، آه های "غزلی" سیم ها در اندازه های 3. - 4 و 7 - 8. برای هایدن، یک رنگ آمیزی ارکستری از کل تم بیشتر مشخص است که ارتباط نزدیکی با ترکیب آن دارد.

موتزارت که در مضامین خود بسیار فردی است (و سپس در درک کل چرخه سمفونیک)، در عین حال، مانند هیچ کس دیگری، وارد فضای موسیقی قرن هجدهم می شود، آن را به طور ظریف احساس می کند، به آن وفادار است و به نوبه خود. به ایجاد آن کمک می کند.

کلید اخم. گروه‌های مختلفی از تصاویر موسیقایی در ذهن او با تونالیته‌های خاصی (بدون ذکر تناژ) مرتبط است - مطابق با تجربه خلاقانه آن دوره. برای آهنگساز، تفاوت خاصی بین موسیقی آوازی و دستگاهی از این نظر وجود ندارد: همه چیز بر اساس ماهیت تصاویر تعیین می شود. اغلب اتفاق نمی افتد که موتزارت به کلید فرعی روی می آورد. در میان سمفونی‌های او فقط دو سمفونی کوچک وجود دارد - هر دو در g-moll. انتخاب تن ها متمایزتر است. صدای غم انگیز کلید d-moll در Don Giovanni، حتی در Idomeneo، البته در Requiem، در فانتزی پیانو (KV 397)، در کوارتت (KV 421)، در کنسرتو پیانو (KV) مشهود است. 466). موتزارت c-moll را به طرز رقت انگیزی درک می کند، که در فانتزی و سونات معروف برای پیانو (KV 475 و 457)، کنسرتو (KV 491) و در بسیاری از آثار دیگر از توده جوانان (KV 139)، گروه کر دوتایی در Idomeneo واضح است. (Pietà ! Numi, pietà!") به موسیقی تشییع جنازه ماسونی (KV 477) یا معرفی فلوت جادویی. کسالت رمانتیک، احساس لطیف غم و اندوه با تونالیته سنتی g-moll مرتبط است: آریا پامینا، اولین آریا ایلیا در Idomeneo، سمفونی g-moll (KV 550)، گروه G-moll (KV 516).

قضاوت در مورد کلیدهای اصلی با چنین قطعیتی دشوارتر است، البته فقط به این دلیل که، برای مثال، آثار زیادی در D-dur نوشته شده است، از جمله چهارده سمفونی. شخصیت فوق العاده نشاط آور، شاد، درخشان و درخشان این لادوتونالیته در ازدواج فیگارو، دون جووانی، تعداد زیادی سمفونی (KV 385، پراگ KV 504) و آهنگ های دیگر تأکید شده است. اغلب، تصاویر موتزارت، سبک مانند، آرام زیبا، فریبنده با نرمی غنایی خود، با تونالیته A-Dur همراه است: دونوازی زرلینا و دون جیووانی ("دوئت اغوا")، یک سمفونی اولیه (KV 114) ، یک سونات کلاویه (KV 331)، کنسرتو (KV 414 و 488)، حرکت آهسته از کوارتت (KV 575). اشعار شاعرانه و عالی به سمت Es-dur "cantilena: آریای تامینو، آریای بلمونت (در سومین پرده "ربودگی از سراگلیو")، بخشی آهسته از سمفونی جی مول، آداجیو از یک سرناد برای باد کشیده می شود. سازها (KV 375)، سونات کلاویه (KV 282) در همان زمان، موتزارت Es-dur را در زمینه ای متفاوت (با سرعتی سریع) به عنوان یک نجیب درک می کند. قهرمانانهتونالیته (در قسمت های اول سمفونی ها و کنسرتوها) یا از نظر شاعرانه "سبک"، پر جنب و جوش، پویا (اولین آریا Cherubino، دونوازی Pamina و Papageno، اورتور فلوت جادویی، سمفونی اواخر Es-dur). در تمام این موارد، به ظاهر متفاوت، شاعرانه تکانهدر جلوه های مختلف - از متعالی تا ساده لوحانه و حتی کمیک. یکی از کلیدهای مورد علاقه موتزارت F-dur است. این با دایره ای از تصاویر مرتبط است که از نظر استحکام ساده، "قوی"، جامد هستند - و در عین حال (در زمینه ای متفاوت، در کنتیلنا) می تواند شبیه به نظر برسد (حتی با سایه شبانی یا "فلوت") مسالمت آمیز، آرام، گاهی ساده لوحانه، که در آریای دوم سوزانا، در آریای اول زرلینا، در آریای دوم پاپاگنو، در پوکو آداجیو از سمفونی KV 425، در آندانته از سونات کلاویه KV 330 آشکار است. ، در Andante sostenuto از سونات برای کلاویر و ویولن KV 296، در Andante از کوارتت KV 421. معرفی سایه ای از شکایت در اشعار ساده لوحانه F-dur را به f-moll ترجمه می کند: کاواتینای باربارینا چنین است. به نظر می رسد که نمونه های بالا اشتراکات کمی دارند. اما در پس همه این تصاویر ساده، محکم یا بت‌های شبانه، چیزی مشترک وجود دارد - یا نزدیکی به طبیعت، یا اظهارات خود فرزندان طبیعت، مانند پاپاگنو، زرلینا.

سمفونی ها. از این نظر، سمفونی های موتزارت به طور طبیعی باید در اولویت باشند. او آنها را در سالهای 1764 - 1788 حدود پنجاه نوشت. تنها 6 سمفونی آخر (1782 - 1788) در دوره وین به وجود آمد، زمانی که موتزارت می توانست شخصا هایدن را بشناسد و سپس به او نزدیک شود. سمفونی‌ها و کوارتت‌های این دوره بی‌تردید متاثر از نتایج هنری نزدیک شدن به هایدن بودند. در عین حال، آخرین سمفونی های موتزارت که اوج سمفونی او هستند، اصالت عمیقی از مفاهیم خلاقانه را نیز آشکار می کنند. موتزارت بدون تکرار مسیر طولانی هایدن به عنوان یک سمفونیست، راه بسیار طولانی را طی کرد. آنهاسمفونی های بالغ در این مسیر، سال‌های اول (1764 - 1768) همان طور که بود، دوران کودکی رشد خلاق او بود: 9 سمفونی که در لندن، لاهه، وین خلق شد، تجربیات دانشجویی باقی ماندند، اگرچه حتی در محدوده‌های کم خود، آهنگساز جوان. موفقیت های آشکار قابل مشاهده است. بین سال‌های 1770 و 1774 بیش از نیمی از سمفونی‌های موتزارت تولید شد (29). این دوران جوانی موسیقایی، تعریف شخصیت، تنش بالای نیروهای خلاق و در نهایت تسخیر استقلال خلاق است. سمفونی های 1778 - 1780 (در مجموع 6) با اولین بلوغ موتزارت و ورود او به گستره وسیع تر زندگی موسیقی اروپا همراه است. و بعد از آنها شاهکارهای وینی آهنگساز می آیند.

سمفونی های اولیه، کودکان. در چهار سال اول، زمانی که موتزارت کوچک شروع به نوشتن سمفونی کرد، نمونه های مختلفموسیقی دستگاهی معاصر با حساس بودنش، چیزهایی از پدرش یاد گرفت، به نوعی جی کی باخ بر او تأثیر گذاشت. سه سمفونی اول او (KV 16، 19 و 22)، که در لندن و لاهه در سال‌های 1764 - 1765 نوشته شد، حجم کمی دارند و برای یک ارکستر کوچک (زه‌ها، 2 ابوا، 2 شاخ) طراحی شده‌اند. در استوک هموفونیک بسیار ساده حفظ می شود. همه آنها - بدون دقیقه. طرح چرخه از همان ابتدا بسیار پایدار است: آلگرو (یا مولتو آلگرو) - آندانته در یک کلید مینور یا فرعی موازی - فینال سریع در 3/8. تنها چیزی که قبلاً در آنها برجسته است، تنوع ریتمیک، حتی تند بودن ریتم، با طبیعی بودن حرکت کلی موسیقی است. هنوز زود است که در مورد اصول شکل دهی به طور کلی صحبت کنیم.

در سمفونی های 1767 - 1768 که تحت تأثیر وین به وجود آمدند، پیشرفت هایی قابل توجه است. اینجا همه جا، به استثنای یک استثنا، مینوئت ظاهر می شود - یک سنت وینی. مهمتر از همه، مضامین بخش های مختلف چرخه به وضوح متمایز می شود، بافت توسعه یافته تر می شود، ترکیب ارکستر دوباره پر می شود (زه ها، 2 ابوا، 2 بوق، 2 ترومپت و تیمپانی در سمفونی های KV 45 و 48). ). در سمفونی که در دسامبر 1768 (KV 48) ایجاد شد، در حال حاضر دامنه خاصی از اولین تم ارکسترال و بیشتر در موضوع و کنار هم قرار دادن قطعات وجود دارد (آندانته یک شخصیت آهنگ و رقص وینی برای یک سیم، پایان در 12). / 8 با کنتراست پویا) . همه اینها برای مثال برای یک سونات کلاویه کاملاً غیرمعمول خواهد بود. علاوه بر این، مقیاس بخش های چرخه هنوز هم کم است.

کار خستگی ناپذیر موتزارت روی این سمفونی در همان پنج سالی که اولین اپرای او برای ایتالیا خلق شد، اپرا بوفا باغبان خیالی برای مونیخ، زمانی که 16 کوارتت اول او و بسیاری از آثار دیگر نوشته شد، ادامه دارد. در اصل، پایه های آینده در ژانرهای مختلف در اینجا گذاشته شد. در چند سال (1771، 1772، 1773) موتزارت 7-8 سمفونی نوشت. تأثیرات اصلی موسیقی او سپس با ایتالیا، با هنر اپرا، و سپس با سفر به وین (1773) مرتبط شد. بین سمفونی های 1770 و سمفونی هایی که پس از برداشت های جدید وین ظاهر شدند، تفاوت ها بسیار قابل توجه است. سمفونی های مربوط به اولین اقامت در ایتالیا تا حدودی سطحی به نظر می رسند، بافتی سبک و بالاتر از همه پویا. پیچیدگی قبلی ریتم برای آنها معمولی نیست (KV 81، 97، 95، 84، 74). تا کنون، مقیاس آنها تغییر زیادی نکرده است، مینوئت اکنون معرفی شده است، سپس ناپدید می شود. ظاهراً موتزارت در آن زمان تا حدی بر تجربه اورتور ایتالیایی، بر پویایی کم عمق آن تکیه کرده است.

177 1 جالب تر، سمفونی های 1771 و 1772 است که، به استثنای معدود، در سالزبورگ به وجود آمدند. به تدریج دامنه آنها گسترش می یابد ، تضادهای موضوعی در سونات آلگرو مشخص تر می شود ، ظاهر آلگرو فردی می شود ، تا آنجا که ممکن است ، محتوای فیگوراتیو چرخه عمیق تر می شود ، علاقه آهنگساز به ریتم های ظریف و تند دوباره بیدار می شود. صداهای میانی شروع به فعال‌تر شدن می‌کنند و گاهی اوقات با ظرافت زیادی در کل ارکستر برجسته می‌شوند. اولین جستجوهای موضوعی در آلگرو و بخش کند چرخه قابل توجه است. موتزارت جوان می کوشد از چهارچوبی معمول آلگرو دور شود، از مضامین قهرمانانه معمولی، سطحی نشاط آور و ابتدایی اش. بنابراین تقریباً آلگرو متوالی در 3/4 وجود دارد (KV 216، 75، 110، 112، 124، 128). گاهی اوقات خیلی فرقی نمی کند. گاهی اولین موومان یک سمفونی می شود ناهمسان: بسیار ترانه تر از همان میله های اول (KV 114)، مینوئت سبک (KV 110)، حاوی تضادهای درون موضوعی (KV 128). وقتی موتزارت دوباره به غلبه مترهای زوج در آلگرو برمی گردد، به نظر می رسد از کلیشه های قبلی رهایی یافته است. با مقایسه تعدادی از سمفونی‌هایی که در تابستان 1772 سروده شده‌اند، دشوار نیست که احساس کنید اولین قسمت‌های آن‌ها چقدر متنوع می‌شوند - از نظر ریتمیک تیز تا نقطه (KV 129) یا ریتمیک عجیب و غریب، تلقین‌کننده (KV 130)، هیجان‌انگیز رقت‌انگیز (KV 132). ) با پرواز وسیع فکری (KV 134) و غیره. مضامین عنوان آنها چنین است، برداشت اولیه چنین است.

قطعات کندسایه های فیگوراتیو جدید نیز در قسمت های کند چرخه ظاهر می شود. در 22 سمفونی اول موتزارت، آنها منحصرا آندانته بودند. اکنون Andantino grazioso (KV 128, 130) ظاهر می شود - و این نامگذاری تصادفی نیست: این گواه به جستجوی ظرافت عاطفی بیشتر در مرکز غنایی چرخه است. روندهای جدید در فینال ها نیز قابل مشاهده است: در سمفونی KV 132، روندو نهایی برای اولین بار شکلی بالغ به خود می گیرد. در مجموع، دلیلی وجود دارد که نتیجه بگیریم که در سمفونی‌های موتزارت، از حدود سال 1772، ویژگی‌های رقت‌انگیز تشدید می‌شود، اهمیت مضامین احساسی روشن در حال افزایش است و محتوای فیگوراتیو به تدریج تغییر می‌کند. سمفونی KV 134 که تمام بخش‌های آن، به استثنای مینوئت، در نوع خود رقت‌انگیز است، از این نظر بسیار نشان‌دهنده است. علاوه بر این، پاتوس از نظر الهام بخشی گسترده و سبک در بخش اول، غنایی در آندانته و پویا در پایان چرخه است. تا اینجا، هیچ چیز غم انگیز و حتی تراژیک تر در ترحم موتزارت وجود ندارد: سمفونی به زبان A-dur نوشته شده است و حتی بخش آهسته آن در ماژور (در کلید زیر سلطه) است. در همان زمان، مقیاس های اولین موومان ها و پایانی های سمفونی ها بزرگ می شود، در حالی که مرکز غزل با دقت با رنگ های دیگر (فلوت یا شیپور تک نفره، یا تار به تنهایی) سایه می اندازد. در شش سمفونی بعد از KV 134، موتزارت برای مدتی از مینوت ها امتناع می کند، گویی سعی می کند توجه را بر بقیه چرخه متمرکز کند.

1773 . تغییر قابل توجهی در سمفونی های نوشته شده بین اوایل اکتبر 1773 و اوایل می 1774 رخ می دهد. ظاهراً سفر موتزارت به وین در تابستان 1773 به او برداشت های جدیدی از این نظر ، انگیزه های جدید داد ، گویی او ایده خود این ژانر را تجدید کرد. در چهار سمفونی از پنج سمفونی که پس از سفر به وجود آمد، این خود را به وضوح نشان داد. هر یک از آنها از نظر ظاهری کاملاً فردی هستند. حتی کلیدها هرگز تکرار نمی شوند: B-dur، g-moll، C-dur، A-dur، D-dur. موتزارت برای اولین بار سمفونی را با کلید مینور خلق می کند. فردی شدن و غنی‌سازی محتوای فیگوراتیو در حال حاضر مشخصه تمام بخش‌های چرخه است، که اولین (Allegro spiritoso، Allegro con brio) از نظر ماهیت مضمون گرایی و تضادهای موضوعی و همچنین اهمیت فزاینده توسعه به طور قابل توجهی دراماتیک شده است. (با این حال، هنوز خیلی توسعه نیافته است). مینوئت ها دوباره به چرخه سمفونیک باز می گردند - مثال وینی خود را احساس می کند. از نظر ظاهری در میان این آثار، سمفونی در گ مینور (KV 183) به ویژه جدید است. اولین موومان آن (Allegro con brio) و آندانته آن آغشته به هیجان عاطفی، هیجانی پرنشاط از احساسات، مشخصه خلاقیت های بالغ موتزارت است. این در تنش تپنده قسمت اصلی آلگرو با لهجه‌های رشته‌ای همزمان، تضادهای پویای شدید در نمایش و توسعه، و کدهای خاموش و «تاریک» منعکس می‌شود. آندانته (Es-dur)، با آه‌ها و مکث‌های «صحبت‌کردن»، با نرمی بیشتر و حتی پنهان‌کاری، با وجود طغیان مهار شده احساسات پر است. مینوئت و پایانی از میله های اول رابطه موضوعی را بیان می کند. پایان بار دیگر دراماتیک و پر از تنش است. ترکیب ارکستر هنوز کوچک است: علاوه بر زه، دارای 2 ابوا، 4 شاخ، 2 باسون است. با این حال، فعالیت هر یک از احزاب به وضوح در حال افزایش است، "صداهای" ابزاری منفرد در جنبش عمومی بیشتر و واضح تر شنیده می شود. پیش از این هرگز اولین موومتزارت به چنین ابعادی نرسیده بود (بیش از دویست میله دارد). در کنار این سمفونی تغزلی-دراماتیک، هر یک از سمفونی های دیگر با دایره تصویری مشخص خود همراه است. سمفونی D-dur (KV 202)، که برای یک ارکستر با ترومپت نوشته شده است، با ویژگی های یک مارش (به ویژه در قسمت پایانی) چشمگیر است (بخش آهسته و مینوئت تنها با صدای زه برجسته می شود). سمفونی جذاب A-dur (KV 201) پر از نور، حرکت و شادی است، با مضامین تازه، اشعار سبک و کمی وضوح در آندانته و مینوئت. هدفمندتر در موومان اول، ژانر بیشتر در آهنگ آهسته (معمولاً آندانته وین) و تقریباً شرزو در پایان، سمفونی در C-dur (KV 100) برای ارکستر با ترومپت و تیمپانی است. بنابراین، هر یک از آثار در معنای فردی خود، در ویژگی خود، به عنوان یک ارگانیسم هنری به خوبی تثبیت شده رشد می کند. در اینجا دوره جوانی در کار موتزارت روی سمفونی به پایان می رسد - و برای آهنگسازی که به سختی به هجده سالگی رسیده است، به طرز درخشانی پایان می یابد.

دوره بلوغ

موتزارت از مه 1774 تا آوریل 1778 هیچ سمفونی ننوشت. این بدان معنا نیست که او در کارهای دیگر روی چرخه سونات کار نکرده است. او در مدت چهار سال 15 سونات (برای کلاویر، کلاویر و ویولن، باسون، ویولن سل)، 13 کنسرتو برای سازهای مختلف، 2 کوارتت، 16 دیورتیس و 4 سرناد، در مجموع حداقل پنجاه چرخه ساز خلق کرد که در آن الگوهای سونات در یک دوره اجرا می‌شد. به هر حال (علاوه بر این، در بیشتر موارد او با موسیقی ارکستر سروکار داشت). تنها زمانی که موتزارت در پاریس، در بهار و تابستان 1778 بود، به سمفونی بازگشت - و بلافاصله خود را به روشی کاملاً متفاوت از آنچه در آثار سمفونیک 1773 - 1774 بود نشان داد. ظاهراً اقامت طولانی او قبل از پاریس در مانهایم و ایده ای که او درباره ماهیت زندگی کنسرت آزاد در پایتخت فرانسه دریافت کرد، در اینجا تأثیر داشت. سمفونی های پاریسی موتزارت تاکید کرد کنسرت از نظر مقیاس، ترکیب نوازندگان و ویژگی های صدا. یکی از آنها "Sinfonia concertante" نام دارد که برای سازهای بادی کنسرت (فلوت یا کلارینت، ابوا، بوق و باسون) همراه با ویولن، ویولا، ابوا و هورن نوشته شده است (KV 297 b = Anh. 9). موتزارت روی تک نوازانی که از مانهایم برای او شناخته شده بودند و برای اجرای کنسرت در پاریس آمده بودند حساب می کرد. این سمفونی در سه موومان (بدون مینوئت) است. قسمت اول آن در مقیاس بزرگ، هم مؤثر و هم با الهام (Es-dur!)، در مقیاس بزرگ (بیش از 400 میله) نوشته شده است. Adagio (فراتر از معمول - در کلید اصلی) و پایانی مبتنی بر مضامین ساده و نزدیک به عامیانه است که برای مثال در سمفونی های هایدن امکان پذیر است. در عین حال، فینال، به عنوان یک استثنا، یک Andantino با تغییرات است و در کل، کاملاً توسعه یافته است (310 بار). ظاهراً این شکل از فینال با فرصت های خوبی برای سازهای کنسرت همراه بود. سمفونی دیگری که از پاریس سرچشمه می گیرد (D-dur, KV 297) برای یک ارکستر بزرگ در نظر گرفته شده است: زهی، فلوت، ابوا، کلارینت، باسون، بوق، ترومپت و تیمپانی. موتزارت هرگز فرصتی برای نوشتن برای چنین ترکیبی نداشته است. اخیراً، هنگامی که او یک ارکستر با کلارینت را در مانهایم شنید، با اشتیاق به پدرش در مورد تأثیر خود گزارش داد. حالا در پاریس، خودش جدیدترین آهنگسازی ارکستر را داشت. سمفونی او قبل از هر چیز تماشایی، ریتمیک پرانرژی، پر از حرکت در قسمت های افراطی است. چیزی ظاهراً دراماتیک در آن وجود دارد، حتی، شاید، تئاتری، سخنوری، تزئینی، اما همچنان فاقد عمق احساسات و درام واقعی است. شاید اینگونه بود که موتزارت ذوق هنری فرانسوی را تصور می کرد - بر اساس آشنایی با اجراهای اپرا آکادمی سلطنتی موسیقی یا با ماهیت برنامه های کنسرت. اولین موومان سمفونی، Allegro assai، به طور گسترده (حدود 300 سنجه) به دلیل مواد موضوعی فراوان، متضاد پویا و در عین حال نه چندان فردی، حرکت پرانرژی و فعال سازی عالی ارکستر اجرا می شود. این قبلاً توضیح او است - گسترده در حوزه قسمت اصلی، مملو از شکل‌بندی‌های موضوعی، کاملاً متضاد هم در درون موضوع اول (آکوردهای قدرتمند توتی - و یک "پاسخ" خفه‌شده نور، عبارات نقطه‌دار در حال سقوط) و هم بین قسمت های اصلی و جانبی (تا حدودی ایده آل و سمت اتاق بیشتر - به روح مانهایم). آکوردهای توتی با برش تمام بافت ارکسترال، شروع سمفونی، انتقال به قسمت کناری، بخش‌های توسعه، انتقال به تکرار و خود کودا را نشان می‌دهند. اینها به نوعی ستون های مرزی فرم هستند و در عین حال جلب توجه می کنند. تمرکز مضمون گرایی، حتی تضاد قسمت های اصلی و فرعی نیست که تأثیر اصلی را در این آلگرو ایجاد می کند، بلکه انرژی پویا، ریتم های نقطه دار، عبارات همزمان آن (طرف را آماده می کنند و زیر آن قرار می دهند) است. گذرگاه های نورانی در کره کناری، لرزش قدرتمند آن و فلس های به سرعت در حال افزایش - و همه اینها با بخش هایی با تعجب های آکورد توتی مشخص می شود. توسعه کوچک است و هنوز آثاری از شکل قدیمی را در خود دارد - بخش اصلی را در کلید غالب انجام می دهد. فقط قبل از تکرار، حرکت آهنگی فعال می شود، با این حال، خارج از توسعه انگیزه مضامین اصلی. بخش آهسته این چرخه در اصل متفاوت بود، اما موتزارت، با شنیدن نظر جی. لگروس (کارگردان کنسرت‌های روحی)، نسخه قبلی آندانته را با یک Andantino جدید (C-dur, 6/8) جایگزین کرد. و آهنگین، با لحن خفیف و تشدید ریتمیک، از نظر تن صدا رنگارنگ. فینال ماهیت موتور دینامیکی دارد ، در قسمت ثانویه از کنترپوان دوگانه استفاده می شود ، اصل آکوردهای "علامت گذاری" در اینجا به روش خود عمل می کند. در مجموع، سمفونی استادانه، با درخشش ارکسترال نوشته شده است، اما بدون تمرکز فیگوراتیو روشن و نه از نظر معنوی مانند بهترین خلاقیت های موتزارت.

1779 . در سمفونی‌هایی که پس از پاریس در سالزبورگ در سال‌های 1779 و 1780 به وجود آمد، موتزارت دامنه وسیع چرخه را حفظ می‌کند (مخصوصاً اولین موومان و پایان) و در عین حال برای آنها محتوای فیگوراتیو نزدیک‌تر به خود پیدا می‌کند. از آن زمان، حکومت او ارائه گسترده موضوعات، مطالب فراوانی بوده است، که در آن بیان در معنای آن بر توسعه آن برتری دارد و خود به عنوان یک حرکت فعال اندیشه موسیقی تلقی می شود. معنوی‌سازی غزلی بخش آهسته همچنان یک قانون باقی می‌ماند، یا به آرامی رقت‌انگیز (در سمفونی B-dur، KV 319)، یا تا حدودی شبیه (در سمفونی C-dur، KV 338)، اما همیشه از نظر ملودی اشباع شده، در برابر یک ملایم، پس زمینه متراکم و رنگارنگ همراهی . در مقایسه با سمفونی پاریس، فینال‌ها سبک‌تر و شفاف‌تر می‌شوند و پویایی خود را بیشتر می‌کنند. از دو سمفونی نام‌برده، که از نظر ظاهری کاملاً متفاوت هستند، سی‌دور «نایا» تأثیرگذارتر، با روحیه‌ای پر جنب و جوش آلگرویی و پایانی پرشور و شاد در 8/6، و «بی‌دور» ناایای فردی‌تر، در که هم سهولت حرکت و هم تغزل، و تضادهای پویا جسورانه در قسمت اول، و اشعار الهام گرفته شده در Es-dur "nom Andante moderato. با چنین نتایجی در ژانر سمفونی، موتزارت به نقطه عطفی تعیین کننده در زندگی خود می رسد. که در ارتباط با مهاجرت به وین به او رسید.

1782 . شش سمفونی باقی مانده موتسارت قبلاً بین سال های 1782 و 1788 در وین نوشته شده است. آنها تحت تأثیر چیزهای زیادی قرار گرفتند که آهنگساز در طول دوره از ایجاد Idomeneo تا تولید Don Juan آموخته و تجربه کرده است. آنها در فضای هنری جدید پایتخت اتریش، تا حدی در مجاورت خلاقانه مستقیم با هایدن، در زمان آن شور و شوق شدید به موسیقی باخ و هندل، که موتزارت از سال 1782 تجربه کرد، پدید آمدند.

در دهه 1780، هایدن و موتزارت هر دو به یک اندازه نماینده مکتب سمفونی وین بودند. هر یک از آنها قبلاً راه طولانی جستجوی خود را طی کرده و میراث خلاق خود را به خزانه مشترک آورده است. موتزارت از دوران جوانی ارتباطات گسترده‌تری نسبت به هایدن در مقیاس اروپایی ایجاد کرد، و به‌طور ارگانیک‌تر کار در ژانرهای اپرا و ساز را با هم ترکیب کرد. هایدن با ژانر عامیانه، منابع اولیه محلی، با فولکلور خاص، نزدیک تر و عمیق تر بود. با مطالعه عمدتاً آثار سونات-سمفونیک بالغ هایدن و موتزارت، گاهی اوقات تشخیص اینکه کدام یک دقیقاً چه چیزی را مدیون دیگری است دشوار است. از این گذشته، بالغ‌ترین کوارتت‌ها و سمفونی‌های موتزارت در طول روابط دوستانه‌اش با هایدن پدید آمدند، و سمفونی‌های لندن، کوارتت‌ها و سونات‌های بعدی هایدن، به نوبه خود، پس از مرگ موتزارت نوشته شدند. با این حال، مقایسه خلاق اصلی روندهاچگونه آنها برای هر دو آهنگساز در طول سالیان متمادی توسعه یافتند، هنوز هم می توان فهمید که در دستاوردهای مشترک آنها دقیقاً "هایدنیان" تر بود. و چه چیزی - بیشتر "موزارتیان".

اگر کل مسیر خلاقانه هایدن را در نظر داشته باشیم، این نوع رشد انگیزه، مانند اولین موومان از سمفونی تجلیل شده موتزارت در گ مینور، عموماً مشخصه تر است. اما اولاً رشد انگیزه کاملاً مشخصه موتسارت است و ثانیاً در زمینه سمفونی نامبرده از او معنای هنری خاصی می یابد (این مهم است که دقیقاً چه چیزی در حال توسعه است). این نوع کانتیلن ساز غنایی، چنین انبار ابزاری شفاف و در عین حال توسعه یافته ای که آداجیو را از سمفونی 102 هایدن متمایز می کند، عموماً در موتزارت رایج تر است، که از سوی دیگر، به میزان بسیار کمتری بر موضوع گرایی ژانر متکی است. . چنین نمایش گسترده و دراماتیک، مانند سمفونی مشتری، برای هایدن معمول نیست. این نوع تنوع آزاد که در سمفونی های بالغ هایدن ایجاد می شود، مشخصه کمی برای موتزارت است. چنین وسعت و کاملی در خود ارائه، که نوع نمایش را در سونات‌های الگرو موتزارت تعیین می‌کند، کمتر نشان‌دهنده هایدن است. چنین فراوانی مضامین و چنین تفسیر فردی از آنها، مانند موتزارت، برای هایدن معمول نیست، همانطور که ژانر مستقیم و ظاهر روزمره تأکید شده مضامین هایدن برای موتزارت ضروری نیست. شخصیت غنایی و دراماتیک بزرگ تماتیسم سمفونیک، تضادهای مضمونی جسورتر، شکل‌بندی‌های موضوعی گسترده‌تر، کامل‌تر و فراوان‌تر در موتزارت حاکم است، در حالی که مضامین عامیانه، وحدت موضوعی و ثبات در اجرای توسعه موضوعی در هایدن حاکم است. اما نکته فقط در غلبه برخی گرایش ها نیست، نه تنها در ترجیحات خلاقانه هر نویسنده; واقعیت این است که موتزارت به طور کلی معنای توسعه سونات و کل چرخه سونات-سمفونی را به طور گسترده تر و آزادتر درک می کند. سمفونی او متنوع تر است. این می تواند نقش رشد انگیزه را به درستی تأکید کند یا تضعیف کند، بسته به وظیفه کلی هنری، می تواند تضادهای موضوعی را تیز یا ملایم کند، به سمفونی ظاهری عینی تر، یا ظاهری غنایی یا نمایشی تر بدهد.

از شش سمفونی خلق شده توسط موتزارت در طول سال های وین، سه سمفونی در مناسبت های مختلف و غیر مرتبط با وین به وجود آمدند. سمفونی D-dur (KV 385) در تابستان 1782 به درخواست L. Mozart برای جشنی در خانه هافنر سالزبورگ نوشته شد. سمفونی C-dur (KV 425) در آغاز نوامبر 1783 در لینز ساخته شد، زمانی که موتزارت در مسیر خود از سالزبورگ به وین در آنجا توقف کرد و قصد داشت در 4 نوامبر یک کنسرت آکادمی برگزار کند. یکی دیگر از سمفونی های D-dur (KV 504) که در پایان سال 1786 خلق شد، برای اجرا در پراگ (19 ژانویه 1787) در نظر گرفته شده بود و معمولاً آن را "پراگ" می نامند.

سه سمفونی آخرموتزارت، بسیار عالی و بسیار متفاوت (فقط در عرض سه ماه!)، به طرز درخشانی جستجوهای خلاقانه خود را در این زمینه ترکیب کرد و سه مورد را ارائه کرد. راه حل های امکان پذیرسخت ترین مشکل هنری دایره تصاویر در هر یک از سمفونی ها متفاوت است. مفهوم سمفونی مشتری گسترده و جامع، دراماتیک و متضاد در موومان اول است، به طور الهام‌گرفته‌ای غنایی در کانتابیله آندانته و به طور گسترده حماسی در پایان یادبود. در حال حاضر آلگروی این سمفونی تصاویری از سطوح مختلف را در تضاد - با شکوه، غنایی، سبک، تقریباً بی‌نظیر، گرد هم می‌آورد. سمفونی در جی مول خوددایره تصاویر با وحدت فضای عاطفی، یک الهام خاص غنایی و شاعرانه، متحد شده است. در نهایت، سمفونی Es-dur به طور کلی به مفهوم سمفونیک هایدنی نزدیک‌تر است و هیچ شباهتی فردی با این یا آن آثار هایدن آشکار نمی‌کند. این نزدیکی نسبی در انتخاب موضوعات (اگرچه گسترده تر از موضوعات هایدن است)، در نوع توسعه، و - فقط تا حدی - در پرداختن به چرخه (به استثنای آندانته موتزارتی محض) منعکس می شود. ترکیب ارکستر در سه اثر یکسان نیست. سمفونی جی مول برای یک گروه نسبتاً کوچک نوشته شده است: زهی، فلوت، دو ابوا، دو باسون، دو شاخ. در سمفونی C-dur دو ترومپت و تیمپان به یک ترکیب اضافه شده است. سمفونی Es-dur برای همان ترکیب ارکستر طراحی شده است، فقط ابواهای موجود در آن با کلارینت جایگزین شده اند. ارائه ارکسترال در هر سمفونی به ماهیت موضوع، به تضادهای موضوعی، به بخش فرم (توسعه یا نمایش)، به عملکرد بخشی از چرخه بستگی دارد. در هر مورد، موتزارت به طرز ظریفی صدای ارکستر را متمایز می کند. او هرگز اجازه ی سنگینی نویسندگی ارکسترال را نمی دهد، او تمایل زیادی به فعال کردن صداهای میانی نشان می دهد. برخی از «الگوی» بافت ارکستر، که در بخش‌های کند سمفونی‌های او قابل لمس بود، به احتمال زیاد بعداً توسط هایدن تا حد زیادی مورد استفاده قرار گرفت.

اگرچه موتزارت بیش از 50 سمفونی نوشت، اما برخی از سمفونی‌های اولیه از بین رفته‌اند. اولین سمفونی شما آهنگساز بزرگدر هشت سالگی نوشت و تمام آثار خود را در این ژانر در 25 سال خلق کرد. به سختی می توان تشخیص داد که آیا موتزارت سمفونی ها را نوشته است یا خیر، اگرچه فهرستی شماره گذاری شده از 41 اثر وجود دارد. اما سه نفر از آنها به عنوان آثار دیگر آهنگسازان شناخته می شوند، نویسنده چهارم مورد تردید است. خارج از فهرست رسمی حدود 20 سمفونی اصیل و موتزارت و بسیاری از آثار سمفونیک وجود دارد که نویسندگی آنها زیر سوال است.

اولین سمفونی‌های موتزارت مقدمه یا پایانی برای یک قطعه موسیقی اصلی بود. آثار دیرهنگام این ژانر موسیقایی به نقطه اوج این شب کنسرت تبدیل شد.

ژانر سمفونی توسط آهنگسازان ایتالیایی ابداع شد. در قرن 18 توسط استادان موسیقی آلمان و اتریش پذیرفته شد. در حدود سال 1760، آهنگسازان سرزمین های آلمان شروع به اضافه کردن یک مینوئت به آهنگ کردند و آن را بین حرکت آهسته و پایانی قرار دادند. ژانر سمفونی چهار قسمتی در دستان آنها متولد شد. پیچیدگی محتوای آثار موسیقایی، آهنگسازان را وادار کرد تا محتوای هر یک از چهار قسمت سمفونی را عمیق تر کنند. بدین ترتیب در قرن هجدهم ژانر سمفونی وین متولد شد.

در سال 1764، موتزارت هشت ساله اولین سمفونی خود را نوشت. او قبلاً در اروپا به عنوان یک مجری اعجوبه شناخته می شد. نت موسیقی اصلی اولین سمفونی آهنگساز اتریشی اکنون در کتابخانه دانشگاه یاگیلونی (کراکوف) نگهداری می شود.

ولفگانگ و پدرش لئوپولد به دور اروپا سفر کردند. در انگلستان، موتزارت پدر بیمار شد و پدر و پسر در لندن ماندند. در آنجا نوازنده جوان اولین سمفونی خود را نوشت و یک پلاک یادبود در خانه ای در خیابان Ebury مردم مدرن را به یاد این رویداد می اندازد. سمفونی شماره 1 اولین بار در فوریه 1765 اجرا شد. آهنگسازی موتزارت جوان تحت تأثیر سبک پدرش و آهنگساز لندنی یوهان کریستین باخ بود که موتزارت ها با او آشنا بودند.

موتزارت اولین آثار سمفونیک را در سنت ایتالیایی نوشت. اما او توسط سمفونی های یوهان کریستین باخ، آلمانی که تحت تأثیر سنت ایتالیایی می نوشت، هدایت شد. موتزارت در دوران نوجوانی در لندن تحت تأثیر باخ می نوشت. باخ در ابتدای سمفونی های خود فورته و پیانو را به تناوب تغییر داد و موتزارت از این تکنیک در بیشتر آثار سمفونیک خود استفاده کرد.

در سال 1767 موتزارت جوان از وین بازدید کرد. آشنایی با سنت موسیقی وین، آهنگسازی های موسیقی او را غنی کرد: یک مینوئت در سمفونی ها ظاهر شد و دو ویولا به گروه زهی اضافه شد. در سال 1768، آهنگساز جوان با استفاده از تجربه خود چهار سمفونی نوشت.

بین سال‌های 1770 و 1773 ولفگانگ آمادئوس موتزارت سخت کار کرد و سفر کرد. در این مدت 27 سمفونی نوشت. در سال‌های بعد، او مقاله‌ای در این ژانر ننوشت. سرانجام، در سال 1778، زمانی که آهنگساز در پاریس بود، دستور نوشتن سمفونی برای باز کردن فصل کنسرت در روز جشن کورپوس کریستی در "کنسرتوهای معنوی" را دریافت کرد. کار جدید شامل استفاده از تعداد زیادی ساز بود، موتزارت حتی روی نسخه خطی نوشت: "سمفونی برای ده ساز".

موتزارت این اثر را که شماره KV297 دریافت کرد با تمرکز بر نمونه های فرانسوی سمفونی نوشت. با بازگشت به سالزبورگ، آهنگساز دو اثر دیگر در این ژانر، نزدیک به «سبک وینی» ساخت. در 1781 - 1788 ولفگانگ در وین زندگی کرد و در مدت هفت سال در پایتخت اتریش پنج آهنگ سمفونیک خلق کرد.

در اوت 1788، موتزارت کار روی سمفونی مشتری را به پایان رساند که چهل و یکمین و آخرین در فهرست رسمی ساخته های سمفونیک او است. این سمفونی نام خود را همانطور که فرانتس موتزارت پسر آهنگساز نوشت، از امپرساریو یوهان سالومون دریافت کرد.

دلیل آن به موسیقی و علوم طبیعی مربوط می شود. پایان کار یادآور سمفونی کارل دیترز به نام سقوط فایتون است. سالومون می دانست که یونانی ها سیاره مشتری را فایتون می نامند، بنابراین با کمی کنایه به سمفونی موتزارت نامی باشکوه داد. آخرین سمفونی موتزارت مورد تحسین منتقدان قرار گرفت و خیلی زود به عنوان یک شاهکار شناخته شد.

فهرستی از 39 سمفونی وجود دارد که در اصل به آهنگساز اتریشی نسبت داده شده است. تألیف او بعداً رد یا زیر سؤال رفت.

دلایل متعددی وجود دارد که برخی از قطعات موسیقی را به اشتباه به موتزارت نسبت می دهند:

• این جوان اتریشی از موسیقی آهنگسازان دیگر کپی کرد تا آنها را مطالعه کند. هنگامی که ضبط سمفونی های ساخته شده توسط موتزارت کشف شد، آنها به اشتباه به او نسبت داده شدند. بنابراین ولفگانگ با چندین اثر پدرش لئوپولد موتزارت اعتبار داشت.
• موتزارت پس از تبدیل شدن به یک آهنگساز شناخته شده، سمفونی های نوازندگان جوان را در موسیقی کنسرت های خود گنجاند. اگرچه او نویسنده معتبر را به مردم معرفی کرد، گاهی سردرگمی ادامه داشت.
• در قرن هجدهم، نت های موسیقی منتشر شده اندکی وجود داشت که به طور گسترده در نسخه های دست نویس منتشر می شد، که به سردرگمی کمک می کرد.
• برخی از سمفونی های موتزارت از بین رفته است. بنابراین، یافته های دست نوشته های آثار موسیقی در مکان های مرتبط با استاد اتریشی به سرعت به او نسبت داده شد تا اینکه ردیه ای یافت شد.

پیچیدگی این سوال که موتزارت چند سمفونی نوشته است نشان می دهد که حتی یک نابغه در آغاز سفر خود نیز از تقلید خالی نیست. سردرگمی با سمفونی های منسوب به آهنگساز تا حدودی به خاطر تجربیات دانشجویی اوست، زمانی که از آثار استادان دیگر استفاده می کرد.