با بحران جنبش پوپولیستی در دهه 1990، «روش تحلیلی رئالیسم قرن نوزدهم» که در علم روسیه از آن یاد می شود، در حال منسوخ شدن است. بسیاری از سرگردان ها افت خلاقانه ای را تجربه کردند و وارد «مقیاس کوچک» یک تصویر ژانر سرگرم کننده شدند. سنت های پروف بیشتر از همه در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو به لطف فعالیت های آموزشی هنرمندانی مانند S.V. حفظ شد. ایوانف، K.A. کوروین، وی. سروو و دیگران.

فرآیندهای پیچیده زندگی، تنوع شکل های زندگی هنری این سال ها را تعیین کرد. همه انواع هنر - نقاشی، تئاتر، موسیقی، معماری - برای تجدید زبان هنری، برای حرفه ای بودن بالا ایستاده است.

برای نقاشان اوایل قرن، شیوه‌های بیانی دیگری غیر از روش‌های سرگردان، سایر اشکال خلاقیت هنری - در تصاویری که متناقض، پیچیده هستند و مدرنیته را بدون تصویرسازی و روایت منعکس می‌کنند، مشخص است. هنرمندان به طرز دردناکی به دنبال هماهنگی و زیبایی در جهانی هستند که اساساً با هارمونی و زیبایی بیگانه است. به همین دلیل است که بسیاری رسالت خود را در پرورش حس زیبایی می دیدند. این زمان از «آوا»، انتظار تغییرات در زندگی عمومی، باعث بسیاری از گرایش ها، انجمن ها، گروه بندی ها، برخورد جهان بینی ها و سلیقه های مختلف شد. اما همچنین باعث جهانی شدن نسل کامل هنرمندانی شد که پس از سرگردانان «کلاسیک» به میدان آمدند. تنها نام بردن از اسامی V.A. سروو و م.آ. وروبل

نقش مهمی در رواج هنر روسیه، به ویژه در قرن 18، و همچنین هنر اروپای غربی، در جذب استادان اروپای غربی به نمایشگاه ها، توسط هنرمندان انجمن دنیای هنر ایفا شد. "Miriskusniki" که بهترین نیروهای هنری را در سن پترزبورگ جمع آوری کرد، مجله خود را منتشر کرد و با وجود خود به تثبیت نیروهای هنری در مسکو و ایجاد "اتحادیه هنرمندان روسیه" کمک کرد.

درس های امپرسیونیستی نقاشی هوای معمولی، ترکیب "قاب بندی تصادفی"، شیوه تصویری آزاد گسترده - همه اینها نتیجه تکامل در توسعه ابزارهای تصویری در همه ژانرهای آغاز قرن است. در جستجوی "زیبایی و هماهنگی"، هنرمندان خود را در انواع تکنیک ها و اشکال هنری امتحان می کنند - از نقاشی تاریخی و مناظر تئاتر گرفته تا طراحی کتاب و هنر و صنایع دستی.

در آغاز قرن، سبکی توسعه یافت که همه هنرهای پلاستیک را تحت تأثیر قرار داد، که عمدتاً از معماری (که در آن التقاط برای مدت طولانی غالب بود) شروع شد و به گرافیک ختم شد که سبک آرت نوو نامیده شد. این پدیده بدون ابهام نیست، در مدرنیته نیز پرتحرکی منحط وجود دارد، ادعایی که عمدتاً برای سلیقه های بورژوایی طراحی شده است، اما تمایل به وحدت سبک نیز وجود دارد که به خودی خود قابل توجه است. هنر نو مرحله جدیدی در ترکیب معماری، نقاشی و هنرهای تزئینی است.

در هنرهای تجسمی، هنر نو خود را نشان داده است: در مجسمه سازی - با سیال بودن فرم ها، بیان خاص شبح ها، پویایی ترکیب ها. در نقاشی - نمادگرایی تصاویر، اعتیاد به تمثیل.

ظهور Art Nouveau به این معنی نبود که ایده های سرگردانی در پایان قرن از بین رفت. ژانر نقاشی در دهه 1990 توسعه یافت، اما تا حدودی متفاوت از جنبش سرگردان "کلاسیک" در دهه های 1970 و 1980 توسعه یافت. بنابراین، موضوع دهقانی به شیوه ای جدید آشکار می شود. انشعاب در جامعه روستایی توسط سرگئی آلکسیویچ کرووین (1858-1908) در نقاشی "در جهان" (1893، گالری ایالتی ترتیاکوف) به صورت اتهامی تاکید شده است. آبرام افیموویچ آرخیپوف (1862-1930) در نقاشی "Washerwomen" (1901، گالری ایالتی ترتیاکوف) توانست سرزندگی وجود را در کارهای سخت و طاقت فرسا نشان دهد. او تا حد زیادی به لطف اکتشافات تصویری جدید، به دلیل درک جدیدی از امکانات رنگ و نور به این امر دست یافت.

سکوت، "زیر متن"، جزئیات بیانگر به خوبی یافت شده، نقاشی سرگئی واسیلیویچ ایوانف (1864-1910) "در جاده" را تراژیک تر می کند. مرگ یک شهرک نشین" (1889، گالری دولتی ترتیاکوف). شفت‌های بیرون زده، گویی که در فریاد بلند شده‌اند، عمل را بسیار بیشتر از مرد مرده‌ای که در پیش‌زمینه تصویر می‌شود یا زنی که بر سر او زوزه می‌کشد، نمایش می‌دهد. ایوانف صاحب یکی از آثار اختصاص یافته به انقلاب 1905 - "اعدام". تکنیک امپرسیونیستی "ترکیب جزئی" که گویی تصادفاً یک قاب را ربوده است، در اینجا حفظ شده است: فقط یک ردیف از خانه ها، صفی از سربازان، گروهی از تظاهرکنندگان مشخص شده است، و در پیش زمینه، در مربعی که توسط نور روشن شده است. خورشید، شکل سگ کشته شده و فرار از تیراندازی. ایوانف با تضادهای شدید نور و سایه، کانتور رسا از اشیاء و صاف بودن تصویر مشخص می شود. زبانش لطیف است.

در دهه 90 قرن نوزدهم. هنرمندی وارد هنر می شود که کارگر را قهرمان آثارش می کند. در سال 1894، نقاشی از N.A. کاساتکینا (1859-1930) "مینر" (TG) ، در سال 1895 - "معدن زغال سنگ. تغییر دادن".

در آغاز قرن، مسیر توسعه کمی متفاوت از مسیر سوریکوف در موضوع تاریخی مشخص شده است. بنابراین، برای مثال، آندری پتروویچ ریابوشکین (1861-1904) بیشتر در ژانر تاریخی کار می کند تا ژانر صرفاً تاریخی. "زنان روسی قرن هفدهم در کلیسا" (1899، گالری دولتی ترتیاکوف)، "قطار عروسی در مسکو. قرن هفدهم» (1901، گالری دولتی ترتیاکوف)، «آنها می آیند. (مردم مسکو در هنگام ورود سفارت خارجی به مسکو در پایان قرن هفدهم)» (1901، موزه روسیه)، «خیابان مسکوسکایا قرن هفدهم در تعطیلات» (1895، موزه روسیه)، و غیره. - اینها صحنه های روزمره زندگی مسکو در قرن هفدهم است. ریابوشکین با ظرافت شیرینی زنجفیلی، چند رنگ و طرح دارش به ویژه جذب این قرن شد. این هنرمند از نظر زیبایی شناختی دنیای گذشته قرن هفدهم را تحسین می کند، که منجر به سبک سازی ظریف و به دور از یادبود گرایی سوریکوف و ارزیابی های او از رویدادهای تاریخی می شود. تلطیف ریابوشکین در صافی تصویر، در یک سیستم خاص از ریتم پلاستیکی و خطی، در طرح رنگی ساخته شده بر روی رنگ های اصلی روشن، در راه حل تزئینی عمومی منعکس شده است. ریابوشکین جسورانه رنگ های محلی را وارد منظره هوای معمولی می کند، به عنوان مثال، در قطار عروسی... - رنگ قرمز واگن، لکه های بزرگ لباس های جشن در پس زمینه ساختمان های تاریک و برف، با این حال، در بهترین تفاوت های رنگی چشم انداز همیشه شاعرانه زیبایی طبیعت روسیه را منتقل می کند. درست است، گاهی اوقات ریابوشکین با نگرش کنایه آمیز در به تصویر کشیدن جنبه های خاصی از زندگی روزمره، مانند، به عنوان مثال، در نقاشی "نوشیدن چای" (مقوا، گواش، تمپر، 1903، موزه روسیه) مشخص می شود. در چهره های ایستا جلو نشسته با نعلبکی در دست، اندازه گیری، کسالت، خواب آلودگی خوانده می شود، همچنین قدرت سرکوبگر زندگی خرده بورژوازی، محدودیت های این افراد را احساس می کنیم.

آپولیناری میخایلوویچ واسنتسف (1856-1933) در ترکیب بندی های تاریخی خود توجه بیشتری به چشم انداز دارد. موضوع مورد علاقه او نیز قرن هفدهم است، اما نه صحنه های روزمره، بلکه معماری مسکو. ("خیابان در کیتای گورود. آغاز قرن هفدهم"، 1900، موزه روسیه). نقاشی "مسکو در پایان قرن هفدهم. در سپیده دم در دروازه های رستاخیز (1900، گالری دولتی ترتیاکوف) ممکن است از مقدمه اپرای موسورگسکی Khovanshchina الهام گرفته شده باشد، که واسنتسف کمی قبل از آن مناظر را ترسیم کرده بود.

صبح. واسنتسف در کلاس منظر مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو (1901-1918) تدریس کرد. او به عنوان یک نظریه پرداز، نظرات خود را در کتاب هنر بیان کرد. تجربه تجزیه و تحلیل مفاهیمی که هنر نقاشی را تعریف می کند (مسکو، 1908)، که در آن او از سنت های واقع گرایانه در هنر حمایت می کرد. واسنتسف همچنین بنیانگذار اتحادیه هنرمندان روسیه بود.

نوع جدیدی از نقاشی، که در آن سنت‌های هنری فولکلور به شیوه‌ای کاملاً خاص تسلط یافت و به زبان هنر مدرن ترجمه شد، توسط فیلیپ آندریویچ مالیاوین (1869-1940) ایجاد شد که در جوانی خود به نقاشی نمادها مشغول بود. صومعه آتوس، و سپس در آکادمی هنر زیر نظر رپین تحصیل کرد. تصاویر او از "زنان" و "دختران" معنای نمادین خاصی دارد - خاک سالم روسیه. نقاشی‌های او همیشه رسا هستند و اگرچه اینها قاعدتاً آثار سه‌قلویی هستند، اما در زیر قلم هنرمند تعبیری به یاد ماندنی و تزئینی دریافت می‌کنند. "خنده" (1899، موزه هنرهای مدرن، ونیز)، "گردباد" (1906، گالری دولتی ترتیاکوف) تصویری واقع گرایانه از دختران دهقانی است که با صدای بلند می خندند یا به طور غیرقابل کنترلی در یک رقص گرد می خندند، اما این واقع گرایی متفاوت از نیمه دوم قرن نقاشی فراگیر، طرح دار، با سکته بافتی است، فرم ها تعمیم می یابند، هیچ عمق فضایی وجود ندارد، چهره ها، به طور معمول، در پیش زمینه قرار دارند و کل بوم را پر می کنند.

مالیاوین در نقاشی خود تزئینی گویا را با وفاداری واقع گرایانه به طبیعت ترکیب کرد.

میخائیل واسیلیویچ نستروف (1862-1942) مانند تعدادی از استادان قبل از خود به موضوع روسیه باستان می پردازد، اما تصویر روسیه در نقاشی های هنرمند به عنوان نوعی دنیای ایده آل و تقریباً مسحور، هماهنگ با طبیعت ظاهر می شود، اما ناپدید شده است. برای همیشه مثل شهر افسانه ای کیتژ. این حس شدید طبیعت، لذت در جهان، در مقابل هر درخت و تیغه علف، به ویژه در یکی از مشهورترین آثار نستروف در دوره پیش از انقلاب - "دیدگاه بارتولوموی جوان" (1889-1890، گالری دولتی ترتیاکوف). در افشای طرح تصویر، همان ویژگی های سبکی مانند ریابوشکین وجود دارد، اما یک حس عمیق غنایی از زیبایی طبیعت همواره بیان می شود که از طریق آن معنویت بالای شخصیت ها، روشنگری آنها، بیگانگی آنها از هیاهوهای دنیوی منتقل می شوند.

نستروف قبل از اینکه به تصویر سرگیوس رادونژ بپردازد، قبلاً با آثاری مانند "عروس مسیح" (1887، مکان نامعلوم)، "زواهد" (1888، موزه روسیه؛ 1888-1888) به موضوع روسیه باستان ابراز علاقه کرده بود. 1889، گالری ایالتی ترتیاکوف)، ایجاد تصاویری از معنویت بالا و تفکر آرام. او چندین اثر دیگر را به خود سرگیوس رادونژ تقدیم کرد (جوانی سنت سرگیوس، 1892-1897، گالری دولتی ترتیاکوف؛ سه گانه "آثار سنت سرگیوس"، 1896-1897، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ "سرگیوس رادونژ"، 1891- 1899، موزه دولتی روسیه).

M.V. نستروف نقاشی های یادبود مذهبی زیادی انجام داد: همراه با V.M. واسنتسف کلیسای جامع ولادیمیر کیف را به طور مستقل نقاشی کرد - صومعه در آبستومان (گرجستان) و صومعه مارفو-مارینسکی در مسکو. نقاشی های دیواری همیشه به موضوع باستانی روسیه اختصاص دارد (به عنوان مثال، در گرجستان - به الکساندر نوسکی). در نقاشی های دیواری نستروف، بسیاری از علائم واقعی مشاهده شده است، به ویژه در منظره، ویژگی های پرتره - در تصویر قدیسان. در میل هنرمند برای تفسیر مسطح از ترکیب ظرافت، زینت، پیچیدگی پالایش شده ریتم های پلاستیکی، تأثیر بدون شک از Art Nouveau خود را نشان داد.

سبک سازی، به طور کلی، بسیار مشخصه این زمان، تا حد زیادی آثار سه پایه نستروف را تحت تأثیر قرار داد. این را می توان در یکی از بهترین بوم های اختصاص داده شده به سرنوشت زنان - "زبان بزرگ" (1898، موزه روسیه) مشاهده کرد: چهره های عمدا صاف راهبه ها، "چرنیتسا" و "بلیتسا"، شبح های تعمیم یافته، گویی یک ریتم آئینی آهسته است. از نقاط روشن و تاریک - چهره ها و منظره با توس های روشن و صنوبرهای تقریباً سیاه. و مثل همیشه با نستروف، منظره یکی از نقش های اصلی را بازی می کند. این هنرمند نوشت: "من مناظر روسیه را دوست دارم، در پس زمینه آن، به نوعی بهتر است، شما معنای زندگی روسی و روح روسی را واضح تر احساس می کنید."

خود ژانر منظره در پایان قرن نوزدهم نیز به روشی جدید توسعه می یابد. لویتان، در واقع، جستجوی سرگردان ها را در منظره کامل کرد. در آغاز قرن قرار بود حرف جدیدی توسط ک.ا. کوروین، وی. سروو و م.آ. وروبل

در حال حاضر در مناظر اولیه کنستانتین آلکسیویچ کرووین (1861-1939) مشکلات صرفاً تصویری حل شده است - نوشتن خاکستری روی سفید، سیاه روی سفید، خاکستری روی خاکستری. منظره «مفهومی» (اصطلاح M.M. Allenov)، مانند ساوراسوفسکی یا لویتانوفسکی، برای او جالب نیست.

برای کورووین، رنگ‌شناس درخشان، جهان به‌عنوان «شورش رنگ‌ها» جلوه می‌کند. کورووین که سخاوتمندانه از طبیعت برخوردار بود، هم به پرتره و هم به طبیعت بی جان مشغول بود، اما اشتباه نیست اگر بگوییم که منظره ژانر مورد علاقه او باقی مانده است. او سنت های واقع گرایانه قوی معلمان خود را از مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو - ساوراسوف و پولنوف وارد هنر کرد، اما او نگاه متفاوتی به جهان دارد، او وظایف دیگری را تعیین می کند. او در اوایل شروع به نقاشی در فضای عمومی کرد، در حال حاضر در پرتره یک دختر همخوان در سال 1883، می توان توسعه مستقل او از اصول هواگرایی را مشاهده کرد، که بعداً در تعدادی از پرتره های ساخته شده در املاک S. Mamontov در Abramtsevo تجسم یافت. ("در قایق"، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ پرتره T. S. Lyubatovich، موزه دولتی روسیه، و غیره)، در مناظر شمالی، اجرا شده در طول سفر اس. مامونتوف به شمال ("زمستان در لاپلند"، گالری دولتی ترتیاکوف ). مناظر فرانسوی او، که با عنوان "چراغ های پاریس" متحد شده است، در حال حاضر یک نقاشی کاملا امپرسیونیستی با بالاترین فرهنگ اتود است. برداشت های تیز و فوری از زندگی یک شهر بزرگ: خیابان های آرام در ساعات مختلف روز، اشیاء حل شده در محیطی با هوای سبک، شکل گیری شده توسط یک ضربه قلم موی پویا، "لرزنده"، جریانی از چنین ضربه های قلم مویی که باعث ایجاد توهم پرده باران یا هوای شهری اشباع شده با هزاران بخار مختلف، - ویژگی هایی که یادآور مناظر Manet، Pissarro، Monet است. کورووین خلقی، احساساتی، تکانشی، تئاتری است، از این رو رنگ های روشن و شادی رمانتیک مناظر او ("پاریس. بلوار کاپوچین"، 1906، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ "پاریس در شب. بلوار ایتالیایی." 1908، گالری ایالتی ترتیاکوف). کورووین همان ویژگی‌های اتود امپرسیونیستی، استاد نقاش، هنر برجسته در همه ژانرهای دیگر، عمدتاً در پرتره و طبیعت بی‌جان، بلکه در تابلوهای تزئینی، در هنرهای کاربردی، در مناظر تئاتر، که در تمام زندگی خود درگیر آن بود را حفظ کرده است (پرتره Chaliapin، 1911، موزه روسیه؛ "ماهی، شراب و میوه ها" 1916، گالری دولتی ترتیاکوف).

هدیه سخاوتمندانه کرووین برای نقاشی به طرز درخشانی خود را در نقاشی تئاتر و تزئینات نشان داد. به عنوان یک نقاش تئاتر، او برای تئاتر آبرامتسوو (و شاید مامونتوف اولین کسی بود که از او به عنوان یک هنرمند تئاتر قدردانی کرد)، برای تئاتر هنری مسکو، برای اپرای خصوصی روسیه، جایی که دوستی مادام العمر او با چالیاپین آغاز شد، کار کرد. شرکت دیاگیلف کورووین مناظر تئاتر و اهمیت هنرمند در تئاتر را به سطح جدیدی ارتقا داد، او انقلابی کامل در درک نقش هنرمند در تئاتر ایجاد کرد و با مناظر رنگارنگ و "دیدنی" خود تأثیر زیادی بر معاصران خود گذاشت. ، ماهیت اجرای موسیقی را آشکار می کند.

یکی از بزرگترین هنرمندان، مبتکر نقاشی روسی در آغاز قرن، والنتین الکساندرویچ سرووف (1865-1911) بود. "دختری با هلو" (پرتره وروشا مامونتووا، 1887، گالری دولتی ترتیاکوف) و "دختری که توسط خورشید روشن شده است" (پرتره ماشا سیمانوویچ، 1888، گالری ایالتی ترتیاکوف) یک مرحله کامل در نقاشی روسی را نشان می دهد. سروف در میان چهره های برجسته فرهنگ موسیقی روسیه بزرگ شد (پدرش آهنگساز مشهور است، مادرش پیانیست است)، با رپین و چیستیاکوف مطالعه کرد، بهترین مجموعه موزه های اروپا را مطالعه کرد و پس از بازگشت از خارج، وارد حلقه آبرامتسیو شد. . در آبرامتسوو دو پرتره ذکر شده در بالا ترسیم شد که شکوه سرووف که با نگاهی روشن و شاعرانه خود به جهان وارد هنر شد از آنجا شروع شد. ورا مامونتووا با حالتی آرام پشت میز می نشیند، هلوها روی یک سفره سفید در مقابل او پراکنده شده اند. خودش و همه اشیا در پیچیده ترین محیط نور و هوا ارائه می شوند. نور خورشید روی سفره، روی لباس، بشقاب دیواری، چاقو می افتد. دختری که پشت میز به تصویر کشیده شده است در وحدتی ارگانیک با تمام این دنیای مادی، هماهنگ با آن، پر از لرزش حیاتی، حرکت درونی است. تا حد زیادی، اصول نقاشی هوای معمولی در پرتره پسر عموی این هنرمند ماشا سیمانوویچ که درست در فضای باز نقاشی شده بود منعکس شد. رنگ ها در اینجا در تعامل پیچیده با یکدیگر داده می شوند، آنها کاملا فضا را منتقل می کنند. روز تابستانیانعکاس رنگی که باعث ایجاد توهم پرتوهای خورشید می شود که از میان شاخ و برگ می لغزند. سروف از رئالیسم انتقادی استادش رپین به «رئالیسم شاعرانه» (اصطلاح D.V. Sarabyanov) می رود. تصاویر ورا مامونتووا و ماشا سیمانوویچ با حس لذت زندگی ، احساس روشن بودن ، جوانی پیروزمند روشن آغشته است. این امر با نقاشی امپرسیونیستی "سبک" به دست آمد، که "اصل شانس" برای آن بسیار مشخص است، یک فرم حجاری شده با یک قلم موی پویا و آزاد که تصور یک محیط پیچیده هوای نور را ایجاد می کند. اما بر خلاف امپرسیونیست ها، سروف هرگز یک شی را در این محیط حل نمی کند تا غیر مادی شود، ترکیب او هرگز ثبات خود را از دست نمی دهد، توده ها همیشه در تعادل هستند. و مهمتر از همه، ویژگی های تعمیم یافته یکپارچه مدل را از دست نمی دهد.

سرووف اغلب نمایندگان روشنفکر هنری را نقاشی می کند: نویسندگان، هنرمندان، هنرمندان (پرتره های K. Korovin، 1891، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ لویتان، 1893، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ یرمولوا، 1905، گالری ایالتی ترتیاکوف). همه آنها متفاوت هستند، او همه آنها را عمیقاً فردی تفسیر می کند، اما نور انحصار فکری و زندگی خلاقانه الهام گرفته بر همه آنها می تابد. شکل یرمولوا شبیه یک ستون باستانی یا بهتر است بگوییم یک مجسمه کلاسیک است که با فرمت عمودی بوم بیشتر شده است. اما نکته اصلی چهره است - زیبا، مغرور، جدا از هر چیز کوچک و بیهوده. رنگ آمیزی فقط بر اساس ترکیبی از دو رنگ: سیاه و خاکستری، اما در سایه های مختلف تعیین می شود. این حقیقت تصویر که نه با روایت، بلکه با ابزارهای صرفاً تصویری ایجاد شده بود، با شخصیت یرمولوا مطابقت داشت، که با بازی مهار شده، اما عمیقاً نافذ خود، جوانان را در سال های پرتلاطم اوایل قرن بیستم تکان داد.

پرتره درب ورودی یرمولوا. اما سروف چنان استاد بزرگی است که با انتخاب مدلی متفاوت، در همان ژانر پرتره رسمی، در واقع با همان ابزار بیانی، توانست تصویری از شخصیتی کاملاً متفاوت خلق کند. بنابراین، در پرتره پرنسس اورلووا (1910-1911، موزه روسیه)، برخی جزئیات اغراق آمیز است (کلاهی بزرگ، پشتی بیش از حد بلند، زاویه تیز زانو)، توجه برجسته به تجمل داخلی، که تنها به صورت تکه ای منتقل می شود. مانند یک قاب ربوده شده (بخشی از صندلی، نقاشی، گوشه میز)، به استاد اجازه می دهد تا تصویری تقریباً عجیب از یک اشراف متکبر ایجاد کند. اما همان بدجنسی در معروف "پیتر اول" او (1907، گالری ایالتی ترتیاکوف) (پیتر در تصویر به سادگی غول پیکر است)، که به سروف اجازه می دهد حرکت تند تزار و درباریان را به شکلی پوچ به دنبال او به تصویر بکشد، منجر به تصویری می شود. که مانند پرتره اورلووا کنایه آمیز نیست، بلکه نمادین است و معنای یک دوره کامل را می رساند. این هنرمند اصالت قهرمان خود را تحسین می کند.

پرتره، منظره، طبیعت بی جان، خانگی، نقاشی تاریخی. روغن، گواش، تمپرا، زغال چوب - یافتن ژانرهای تصویری و گرافیکی که سروف در آنها کار نمی کند و موادی که او از آنها استفاده نمی کند دشوار است.

یک موضوع خاص در کار سرووف دهقان است. در ژانر دهقانی او هیچ تیزبینی اجتماعی گردشگر وجود ندارد، اما حس زیبایی و هماهنگی زندگی دهقانی، تحسین زیبایی سالم مردم روسیه ("در روستا. زنی با اسب"، روی نقشه وجود دارد. ، پاستل، 1898، گالری دولتی ترتیاکوف). مناظر زمستانی با طیف رنگ‌های نقره‌ای-مرواریدی خود بسیار زیبا هستند.

سروف موضوع تاریخی را به روش خود تفسیر کرد: "شکارهای سلطنتی" با پیاده روی های لذت بخش الیزابت و کاترین دوم توسط هنرمند زمان جدید منتقل شد ، طعنه آمیز ، اما همیشه زیبایی زندگی را در قرن 18 تحسین می کرد. علاقه سروف به قرن هجدهم تحت تأثیر دنیای هنر و در ارتباط با کار بر روی انتشار تاریخ دوک بزرگ، تزار و شکار امپراتوری در روسیه به وجود آمد.

سروف هنرمندی عمیقاً متفکر بود که دائماً به دنبال اشکال جدیدی از تحقق هنری واقعیت بود. با الهام از هنر نو، ایده هایی در مورد مسطح بودن و افزایش تزئینات نه تنها در ترکیب بندی های تاریخی، بلکه در پرتره او از رقصنده ایدا روبینشتاین، در طرح های او برای ربوده شدن اروپا و اودیسه و ناوزیکای (هر دو 1910، گالری ایالتی ترتیاکوف) منعکس شد. ، مقوا، تمپر). قابل توجه است که سروف در پایان زندگی خود به دنیای باستان روی می آورد. در افسانه شاعرانه که توسط او آزادانه تفسیر شده است، خارج از قوانین کلاسیک، او می خواهد هماهنگی را بیابد، جستجویی که هنرمند تمام کارهای خود را وقف آن کرده است.

به سختی می توان به یکباره باور کرد که پرتره وروشا مامونتووا و ربوده شدن اروپا توسط همان استاد کشیده شده است، سروف در تکامل خود از اصالت امپرسیونیستی پرتره ها و مناظر دهه 80 و 90 تا هنر نو در تاریخ بسیار متنوع است. نقوش و ترکیباتی از اساطیر باستان.

مسیر خلاق میخائیل الکساندرویچ وروبل (1856-1910) مستقیم تر بود، اگرچه در عین حال به طور غیرمعمول پیچیده بود. قبل از آکادمی هنر (1880)، وروبل از دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ فارغ التحصیل شد. در سال 1884، او برای نظارت بر بازسازی نقاشی های دیواری در کلیسای سنت سیریل به کیف رفت و چندین ترکیب یادبود را خودش خلق کرد. او طرح های آبرنگی از نقاشی های دیواری کلیسای جامع ولادیمیر می سازد. طرح ها به دیوارها منتقل نشدند، زیرا مشتری از غیر متعارف و رسا بودن آنها ترسیده بود.

در دهه 90، زمانی که این هنرمند در مسکو مستقر شد، سبک نوشتاری وروبل، پر از رمز و راز و قدرت تقریباً شیطانی شکل گرفت که نمی توان آن را با هیچ دیگری اشتباه گرفت. او شکل را مانند یک موزاییک، از قطعات تیز «چهره» با رنگ‌های مختلف، می‌تراشد که گویی از درون می‌درخشد («دختری در پس زمینه یک فرش ایرانی»، 1886، KMRI؛ «فالگیر»، 1895، گالری ایالتی ترتیاکوف) . ترکیب رنگ ها واقعیت رابطه رنگی را منعکس نمی کنند، بلکه معنایی نمادین دارند. طبیعت هیچ قدرتی بر وروبل ندارد. او او را می شناسد، کاملاً مالک اوست، اما دنیای فانتزی خود را می آفریند، کمی شبیه واقعیت. از این نظر، وروبل با امپرسیونیست ها (که تصادفاً گفته نمی شود که در ادبیات همان طبیعت گرایان هستند) مخالف است، زیرا او به هیچ وجه به دنبال تثبیت برداشت مستقیم از واقعیت نیست. او به سمت موضوعات ادبی که به طور انتزاعی تفسیر می کند، می کوشد تا تصاویری ابدی از قدرت معنوی عظیم خلق کند. بنابراین، پس از انجام تصویرسازی برای شیطان، به زودی از اصل تصویرسازی مستقیم ("رقص تامارا"، "گریه نکن، کودک، بیهوده گریه نکن"، "تامارا در تابوت"، و غیره) فاصله می گیرد. و قبلاً در همان سال 1890 "دیو نشسته" خود را ایجاد می کند - اثری در واقع بدون طرح ، اما تصویر ابدی است ، مانند تصاویر مفیستوفل ، فاوست ، دون خوان. تصویر دیو، تصویر مرکزی کل کار وروبل، موضوع اصلی آن است. در سال 1899 او "دیو پرواز" را نوشت، در سال 1902 - "دیو سرکوب شده". دیو وروبل، اول از همه، موجودی رنجور است. رنج در آن بر شر غالب است و این ویژگی تفسیر ملی روسیه از تصویر است. معاصران، همانطور که به درستی اشاره شد، در "شیاطین" او نمادی از سرنوشت یک روشنفکر - یک رمانتیک را دیدند که سعی می کرد سرکشانه از واقعیتی که از هماهنگی نیست به دنیای غیر واقعی رویاها فرار کند، اما در واقعیت خشن زمین فرو رفت. . این تراژدی جهان بینی هنری ویژگی های پرتره وروبل را نیز تعیین می کند: اختلاف معنوی، فروپاشی در خودنگاره های او، هوشیاری، تقریباً ترس، اما همچنین قدرت باشکوه، یادبود - در پرتره S. Mamontov (1897، گالری ایالتی ترتیاکوف) گیجی، اضطراب - در تصویر افسانه ای "شاهزاده - سوان" (1900، گالری دولتی ترتیاکوف)، حتی در تابلوهای تزئینی او "اسپانیا" (1894، گالری دولتی ترتیاکوف) و "ونیز" (1893، موزه روسیه) اجرا شده برای عمارت E.D. دانکر، صلح و آرامش وجود ندارد. خود وروبل وظیفه خود را تنظیم کرد - "بیدار کردن روح با تصاویر باشکوه از چیزهای کوچک زندگی روزمره".

صنعتگر و بشردوست که قبلاً ذکر شد ساووا مامونتوف نقش بسیار مهمی در زندگی وروبل ایفا کرد. آبرامتسوو وروبل را با ریمسکی-کورساکوف پیوند داد، هنرمند تحت تأثیر آثار او شاهزاده خانم قو خود را می نویسد، مجسمه های ولخوا، میزگیر و غیره را اجرا می کند. در آبرامتسوو، او نقاشی های یادبود و سه پایه زیادی انجام داد، او به فولکلور روی می آورد: افسانه، به یک حماسه، که نتیجه آن پانل های "میکولا سلیانینویچ"، "قهرمانان" بود. وروبل دست خود را در سرامیک‌ها امتحان می‌کند و مجسمه‌هایی در مایولیکا می‌سازد. او به روسیه و یونان بت پرست، خاورمیانه و هند علاقه مند است - همه فرهنگ های بشر، تکنیک های هنری که او به دنبال درک آنهاست. و هر بار برداشت هایی که او به دست می آورد، به تصاویری عمیقاً نمادین تبدیل می شد که همه اصالت جهان بینی او را منعکس می کرد.

وروبل بالغ ترین نقاشی ها و کارهای گرافیکی خود را در آغاز قرن - در ژانر منظره، پرتره، تصویرسازی کتاب خلق کرد. در سازماندهی و تعبیر تزیینی- مسطح بوم یا ورق، در تلفیق امر واقعی و خارق العاده، در تعهد به راه حل های زینتی و ریتمیک پیچیده در آثار این دوره وی، ویژگی های مدرنیته بیش از پیش خود را نشان می دهد.

وروبل مانند K. Korovin در تئاتر بسیار کار کرد. بهترین صحنه‌های او برای اپراهای ریمسکی-کورساکوف، دوشیزه برفی، سادکو، داستان تزار سالتان و دیگران در صحنه اپرای خصوصی مسکو اجرا شد، یعنی برای آثاری که به او فرصت «ارتباط» با فولکلور روسی را دادند. ، افسانه ، افسانه.

جهان شمولی استعداد، تخیل بی حد و حصر، اشتیاق فوق العاده در تأیید آرمان های نجیب وروبل را از بسیاری از هم عصرانش متمایز می کند.

آثار وروبل درخشان تر از دیگران، تناقضات و پرتاب های دردناک دوران عطف را منعکس می کرد. در روز تشییع جنازه وروبل، بنوا گفت: «زندگی وروبل، همانطور که اکنون در تاریخ ثبت خواهد شد، یک سمفونی رقت انگیز شگفت انگیز است، یعنی کامل ترین شکل وجود هنری. نسل‌های آینده... به دهه‌های پایانی قرن نوزدهم مانند «عصر وروبل» نگاه خواهند کرد... در او بود که زمان ما به زیباترین و غم‌انگیزترین چیزی که می‌توانست بیان شد.

با وروبل، ما وارد قرن جدیدی می شویم، عصر «عصر نقره»، آخرین دوره فرهنگ سن پترزبورگ روسیه، که هم با «ایدئولوژی انقلابی گری» (پ. ​​ساپرونوف) و هم از ارتباطی خارج است. "با خودکامگی و دولتی که مدتهاست دیگر نیروی فرهنگی نبوده است." ظهور اندیشه فلسفی و مذهبی روسی، بالاترین سطح شعر با آغاز قرن مرتبط است (به نام بلوک، بلی، آننسکی، گومیلیوف، گئورگی ایوانف، ماندلشتام، آخماتووا، تسوتاوا، سولوگوب کافی است). تئاتر درام و موزیکال، باله؛ "کشف" هنر روسی قرن 18 (روکوتوف، لویتسکی، بوروویکوفسکی)، نقاشی آیکون قدیمی روسی؛ بهترین حرفه ای بودن نقاشی و گرافیک از همان آغاز قرن. اما «عصر نقره» در برابر حوادث غم انگیز قریب الوقوع روسیه که به سوی یک فاجعه انقلابی پیش می رفت، ناتوان بود و همچنان در «برج عاج» و در شعرهای نمادگرایی باقی می ماند.

اگر بتوان کار وروبل را با جهت کلی نمادگرایی در هنر و ادبیات مرتبط کرد، اگرچه او مانند هر هنرمند بزرگی، مرزهای جهت را از بین برد، پس ویکتور الپیدیفوروویچ بوریسف-موساتوف (1870-1905) نماینده مستقیم نمادگرایی تصویری است. و یکی از اولین گذشته نگرها در هنرهای زیبا، هنر مرزی روسیه. منتقدان آن زمان حتی او را «رویای گذشته نگر» نامیدند. بوریسوف-موساتوف پس از مرگ در آستانه اولین انقلاب روسیه، کاملاً ناشنوا بود به حالات جدیدی که به سرعت در حال نفوذ به زندگی بود. آثار او غم و اندوهی است برای "لانه های نجیب" خالی قدیمی و "باغ های آلبالو" در حال مرگ، برای زنان زیبا، معنوی شده، تقریبا غیرزمینی، پوشیده از نوعی لباس جاودانه که نشانه های بیرونی مکان و زمان را ندارند.

کارهای سه پایه او بیشتر از همه شبیه به تابلوهای تزئینی نیست، بلکه به ملیله ها شباهت دارد. فضا به شکلی کاملاً مشروط و مسطح حل شده است، چهره ها تقریباً اثیری هستند، مانند، برای مثال، دختران کنار برکه در نقاشی "برکه" (1902، تمپر، گالری ایالتی ترتیاکوف)، غوطه ور در مراقبه رویایی، در تفکر عمیق سایه های رنگی خاکستری کم رنگ و کم رنگ، تصور کلی زیبایی شکننده، غیرزمینی و کم خون و شبح مانند را افزایش می دهد، که نه تنها به تصاویر انسان، بلکه به طبیعت به تصویر کشیده شده توسط او نیز گسترش می یابد. تصادفی نیست که بوریسوف-موساتوف یکی از آثار خود را "ارواح" نامید (1903، مزاج، گالری دولتی ترتیاکوف): چهره های زن ساکت و غیر فعال، مجسمه های مرمری در کنار پله ها، یک درخت نیمه برهنه - طیف رنگ و رو رفته آبی، رنگ های خاکستری و بنفش، شبح بودن تصویر را افزایش می دهد.

این اشتیاق به دوران گذشته، بوریسوف-موساتوف را با هنرمندان "دنیای هنر" مرتبط کرد - سازمانی که در سن پترزبورگ در سال 1898 به وجود آمد و استادان عالی ترین فرهنگ هنری، نخبگان هنری روسیه آن سال ها را متحد کرد. (به هر حال، "دنیای هنر" هنر بوریسوف-موساتوف را درک نکرد و آن را فقط در پایان زندگی هنرمند تشخیص داد.) آغاز "دنیای هنر" عصرها در خانه گذاشته شد. از A. Benois اختصاص به هنر، ادبیات و موسیقی. مردمی که در آنجا جمع شده بودند با عشق به زیبایی و اعتقاد به این که آن را فقط در هنر می توان یافت، متحد شدند، زیرا واقعیت زشت است. دنیای هنر که به عنوان واکنشی به کوچک بودن مرحوم سرگردان، ماهیت آموزنده و مصور آن به وجود آمد، به زودی به یکی از پدیده های اصلی فرهنگ هنری روسیه تبدیل شد. تقریباً همه هنرمندان مشهور در این انجمن شرکت کردند - Benois، Somov، Bakst، E.E. Lansere، Golovin، Dobuzhinsky، Vrubel، Serov، K. Korovin، Levitan، Nesterov، Ostroumova-Lebedeva، Bilibin، Sapunov، Sudeikin، Ryabushkin، Roerich، Kustodiev، Petrov-Vodkin، Malyavin، حتی Larionov و Goncharova. برای تشکیل این انجمن، شخصیت دیاگیلف، حامی و برگزارکننده نمایشگاه ها و بعدها - امپرساریو تورهای باله و اپرا روسی در خارج از کشور (فصول روسیه، که اروپا را با کار چالیاپین، پاولوا، کارساوینا آشنا کرد) از اهمیت زیادی برخوردار بود. ، فوکین، نیجینسکی و دیگران و نمونه ای از عالی ترین فرهنگ در قالب هنرهای مختلف: موسیقی، رقص، نقاشی، صحنه نگاری را به جهانیان نشان داد. در مرحله اولیه شکل گیری "دنیای هنر"، دیاگیلف نمایشگاهی از آبرنگ های انگلیسی و آلمانی در سن پترزبورگ در سال 1897 ترتیب داد، سپس نمایشگاهی از هنرمندان روسی و فنلاندی در سال 1898. تحت سردبیری او از سال 1899 تا 1904، مجله‌ای به همین نام منتشر می‌شد که شامل دو بخش هنری و ادبی بود (دفتر دومی دارای طرحی مذهبی و فلسفی است، د. فیلسوفوف، د. مرژکوفسکی و ز. گیپیوس تا افتتاح مجله راه نو در آن همکاری داشتند. در سال 1902. سپس جهت مذهبی و فلسفی در مجله میر آرت" جای خود را به نظریه زیبایی شناسی داد و مجله در این قسمت به سکویی برای نمادگرایان دیگر به سرپرستی A. Bely و V. Bryusov تبدیل شد.

مقالات سرمقاله شماره های اول مجله به وضوح مفاد اصلی "دنیای هنر" را در مورد استقلال هنر بیان می کند، که مشکلات فرهنگ مدرن منحصراً مشکلات فرم هنری است و وظیفه اصلی هنر این است که آموزش سلیقه های زیبایی شناختی جامعه روسیه، در درجه اول از طریق آشنایی با آثار هنری.هنر جهانی. ما باید به آنها حق بدهیم: به لطف دنیای هنر، هنر انگلیسی و آلمانی واقعاً به روشی جدید مورد قدردانی قرار گرفت و مهمتر از همه، نقاشی روسی قرن 18 و معماری کلاسیک سنت پترزبورگ برای بسیاری کشف شد. "دنیای هنر" برای "نقد به عنوان یک هنر" مبارزه کرد و آرمان یک منتقد-هنرمند با فرهنگ و دانش بالای حرفه ای را اعلام کرد. نوع چنین منتقدی را یکی از خالقان دنیای هنر، A.N. بنوا. "Miriskusniki" نمایشگاه هایی ترتیب داد. اولین مورد همچنین تنها بین المللی بود که علاوه بر روس ها، هنرمندانی از فرانسه، انگلیس، آلمان، ایتالیا، بلژیک، نروژ، فنلاند و غیره را گرد هم آورد. هم نقاشان و هم گرافیست های سن پترزبورگ و مسکو در آن شرکت داشتند. اما شکاف بین این دو مدرسه - سن پترزبورگ و مسکو - تقریباً از روز اول مشخص شد. در مارس 1903، آخرین، پنجمین نمایشگاه دنیای هنر بسته شد، در دسامبر 1904 آخرین شماره مجله دنیای هنر منتشر شد. اکثر هنرمندان به "اتحادیه هنرمندان روسیه" که بر اساس نمایشگاه مسکو "36" ترتیب داده شده است نقل مکان کردند، نویسندگان - به مجله راه جدید که توسط گروه مرژکوفسکی افتتاح شد، نمادهای مسکو حول مجله "ویسی" متحد شدند، موسیقیدانان " شب های موسیقی معاصر» دیاگیلف به طور کامل وارد باله و تئاتر شد. آخرین اثر مهم او در هنرهای تجسمی یک نمایشگاه تاریخی باشکوه از نقاشی روسی از شمایل نگاری تا امروز در سالن پاییز پاریس در سال 1906 بود که سپس در برلین و ونیز (1906-1907) به نمایش گذاشته شد. در بخش نقاشی مدرن، جایگاه اصلی را «دنیای هنر» به خود اختصاص داد. این اولین اقدام پاناروپایی به رسمیت شناختن "دنیای هنر" و همچنین کشف نقاشی روسی از قرن 18 - اوایل قرن 20 بود. به طور کلی برای نقد غربی و یک پیروزی واقعی هنر روسیه.

در سال 1910، تلاشی صورت گرفت تا جانی دوباره به "دنیای هنر" (به رهبری روریچ) بدمد. در محیط نقاشان در این زمان تحدید حدود وجود دارد. بنوا و حامیانش از اتحادیه هنرمندان روسیه، مسکوئی ها جدا می شوند و این سازمان را ترک می کنند، اما می فهمند که انجمن ثانویه به نام دنیای هنر هیچ ربطی به انجمن اول ندارد. بنوا با تأسف می‌گوید که «نه آشتی تحت لوای زیبایی اکنون به یک شعار در همه عرصه‌های زندگی تبدیل شده است، بلکه به مبارزه‌ای شدید تبدیل شده است». شکوه به هنرمندان "دنیای هنر" رسید، اما "دنیای هنر" در واقع دیگر وجود نداشت، اگرچه به طور رسمی انجمن تا آغاز دهه 1920 (1924) وجود داشت - با فقدان کامل یکپارچگی، به طور نامحدود. مدارا و انعطاف پذیری موقعیت ها، هنرمندان را از رایلوف تا تاتلین، از گرابار تا شاگال آشتی می دهد. چگونه می توان امپرسیونیست ها را در اینجا به یاد نیاورد؟ جامعه ای که روزی در کارگاه گلیر، در «سالن رد شدگان»، سر میزهای کافه گوربوا متولد شد و قرار بود تأثیری عظیم بر تمام نقاشی اروپایی بگذارد، نیز در آستانه شناخته شدنش از هم پاشید. نسل دوم «دنیای هنر» کمتر به مشکلات نقاشی سه‌قلبی مشغول است، علاقه‌شان به گرافیک، عمدتاً کتاب، و هنرهای نمایشی و تزئینی است، در هر دو زمینه اصلاحات هنری واقعی انجام دادند. در نسل دوم "دنیای هنر" افراد اصلی نیز حضور داشتند (کوستودیف، سودیکین، سربریاکوا، چخونین، گریگوریف، یاکولف، شوخایف، میتروخین و غیره)، اما هنرمندان مبتکری اصلا وجود نداشتند، زیرا از دهه 1910، "دنیای هنر" موج اپیگونیسم را تحت الشعاع قرار داده است. بنابراین، هنگام توصیف دنیای هنر، عمدتاً در مورد اولین مرحله از وجود این انجمن و هسته آن - Benois، Somov، Bakst صحبت خواهیم کرد.

هنرمند برجسته "دنیای هنر" کنستانتین آندریویچ سوموف (1869-1939) بود. سوموف، پسر سرپرست ارشد هرمیتاژ، که از آکادمی هنر فارغ التحصیل شد و به سراسر اروپا سفر کرد، آموزش عالی دریافت کرد. بلوغ خلاق در اوایل به او رسید، اما، همانطور که محقق (V.N. Petrov) به درستی اشاره کرد، او همیشه دوگانگی خاصی داشت - مبارزه بین یک غریزه واقع گرایانه قدرتمند و یک جهان بینی دردناک عاطفی.

سوموف، همانطور که ما او را می شناسیم، در پرتره هنرمند مارتینوا ("بانوی آبی پوش"، 1897-1900، گالری دولتی ترتیاکوف)، در نقاشی پرتره "پژواک های زمان گذشته" (1903، b. روی نقشه) ظاهر شد. , aqua., gouache, State Tretyakov Gallery ) جایی که او توصیفی شاعرانه از زیبایی زنانه شکننده و کم خون مدل منحط را خلق می کند و از انتقال نشانه های واقعی روزمره مدرنیته امتناع می ورزد. او مدل‌ها را لباس‌های باستانی می‌پوشاند، ویژگی‌های رنج پنهان، غم و اندوه و رویاپردازی، شکستگی دردناک را به آنها می‌دهد.

سوموف دارای مجموعه‌ای از پرتره‌های گرافیکی از معاصران خود - نخبگان روشنفکر (V. Ivanov، Blok، Kuzmin، Sollogub، Lansere، Dobuzhinsky و غیره) است که در آنها از یک تکنیک کلی استفاده می‌کند: روی پس‌زمینه سفید - در یک زمان خاص. کره - او چهره ای ترسیم می کند، شباهتی که در آن نه از طریق طبیعی سازی، بلکه با تعمیم های جسورانه و انتخاب مناسب جزئیات مشخصه به دست می آید. این فقدان نشانه های زمان، تصور ایستا، سفتی، سردی، تنهایی تقریبا غم انگیز را ایجاد می کند.

سوموف قبل از هر کس دیگری در دنیای هنر به موضوعات گذشته و به تفسیر قرن هجدهم روی آورد. ("نامه"، 1896؛ "محرمانه ها"، 1897)، که پیشرو مناظر ورسای بنوا است. او اولین کسی است که دنیایی سورئال را خلق کرد که از نقوش اشراف، املاک و فرهنگ دربار و احساسات هنری صرفاً ذهنی خود، پر از کنایه، بافته شده است. تاریخ گرایی «دنیای هنر» گریز از واقعیت بود. نه گذشته، بلکه صحنه سازی آن، اشتیاق به بازگشت ناپذیری آن - این انگیزه اصلی آنهاست. نه سرگرمی واقعی، بلکه یک بازی سرگرم کننده با بوسه در کوچه ها - چنین است سوموف.

از دیگر آثار سوموف جشن های شبانی و شجاعانه است ("بوسه مضحک"، 1908، موزه روسیه، "پیاده روی مارکیز"، 1909، موزه روسیه)، مملو از کنایه های سوزاننده، پوچی معنوی، حتی ناامیدی. صحنه های عاشقانه از قرن 18 تا اوایل قرن 19. همیشه با حسی از اروتیسم ارائه می شوند. مورد دوم به ویژه در مجسمه های چینی او که به یک موضوع اختصاص داده شده بود - تعقیب واهی لذت - آشکار شد.

سوموف به عنوان یک گرافیست بسیار کار کرد، او تک نگاری S. Diaghilev در مورد D. Levitsky، مقاله A. Benois در مورد Tsarskoe Selo را طراحی کرد. کتاب به مثابه ارگانیسمی واحد با وحدت موزون و سبکی خود توسط او به ارتفاعی خارق العاده ارتقا یافت. سوموف یک تصویرگر نیست، او "نه یک متن، بلکه یک دوره را با استفاده از یک وسیله ادبی به عنوان سکوی پرش به تصویر می کشد." A.A. سیدوروف، و این بسیار درست است.

رهبر ایدئولوژیک "دنیای هنر" الکساندر نیکولاویچ بنویس (1870-1960) بود - یک استعداد غیرمعمول همه کاره. نقاش، گرافیست و تصویرگر سه پایه، هنرمند تئاتر، کارگردان، نویسنده لیبرتوهای باله، نظریه پرداز و مورخ هنر، شخصیت موسیقی، به قول ا.بلی، سیاستمدار و دیپلمات اصلی «دنیای هنر» بود. . او که از بالاترین قشر روشنفکر هنری سن پترزبورگ (آهنگسازان و رهبران ارکستر، معماران و نقاشان) آمده بود، ابتدا در دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ تحصیل کرد. او به عنوان یک هنرمند با گرایش های سبکی و اعتیاد به گذشته با سوموف مرتبط است ("من از ورسای مست هستم ، این نوعی بیماری ، عشق ، اشتیاق جنایتکارانه است ... من کاملاً به گذشته نقل مکان کردم ...") . در مناظر ورسای، بنوا بازسازی تاریخی قرن هفدهم را ادغام کرد. و برداشت های معاصر از هنرمند، درک او از کلاسیک فرانسه، حکاکی فرانسوی. از این رو ترکیب واضح، فضایی روشن، عظمت و شدت سرد ریتم ها، تقابل بین عظمت بناهای تاریخی هنری و کوچک بودن پیکره های انسانی، که تنها در میان آنها کارکنان هستند (سری اول ورسای 1896-1898 تحت عنوان "آخرین پیاده روی لویی چهاردهم"). در سری دوم ورسای (1905-1906)، کنایه، که مشخصه ورقه های اول نیز است، با نت های تقریباً غم انگیز رنگ آمیزی شده است ("راهپیمایی پادشاه"، c.، گواش، آبی، طلا، نقره، قلم، 1906 ، گالری دولتی ترتیاکوف). تفکر بنوا تفکر یک هنرمند تئاتر عالی است که تئاتر را به خوبی می شناخت و حس می کرد.

طبیعت توسط بنوا در ارتباطی تداعی با تاریخ درک می شود (دیدگاه های پاولوفسک، پترهوف، تزارسکویه سلو، که توسط او با تکنیک آبرنگ اجرا شده است).

در یک سری نقاشی از گذشته روسیه، به سفارش انتشارات مسکو Knebel (تصاویر برای "شکار سلطنتی")، در صحنه هایی از زندگی نجیب و زمیندار قرن 18. بنوا تصویری صمیمی از این دوران خلق کرد، اگرچه تا حدودی نمایشی بود (رژه تحت پل اول، 1907، موزه دولتی روسیه).

بنوا تصویرگر (پوشکین، هافمن) یک صفحه کامل از تاریخ کتاب است. بر خلاف سوموف، بنوا یک تصویر روایی خلق می کند. هواپیمای صفحه برای او به خودی خود هدف نیست. تصاویر ملکه پیک آثار مستقل نسبتاً کاملی بودند، نه آنقدر که A.A. سیدوروف، چقدر "هنر در کتاب وجود دارد." یکی از شاهکارهای تصویرسازی کتاب، طراحی گرافیکی اسب سوار برنزی (1903، 1905، 1916، 1921-1922، جوهر و آبرنگ با تقلید از نقش های چوبی رنگی) بود. در یک سری تصویرسازی برای شعر بزرگ، شخصیت اصلی منظره معماری سنت پترزبورگ است، که اکنون به شدت رقت انگیز، اکنون صلح آمیز، اکنون شوم، که شخصیت یوجین در برابر آن حتی ناچیزتر به نظر می رسد. اینگونه است که بنوا تضاد غم انگیز بین سرنوشت دولت روسیه و سرنوشت شخصی یک مرد کوچک را بیان می کند («و تمام شب دیوانه بیچاره، / هر جا که پاهایش را برگرداند، / اسب سوار برنزی همه جا با او بود / با یک پای سنگین تاخت»).

به عنوان یک هنرمند تئاتر، بنوا اجراهای فصول روسیه را طراحی کرد، که مشهورترین آنها باله پتروشکا به موسیقی استراوینسکی بود، او در تئاتر هنری مسکو و بعداً تقریباً در تمام صحنه های اصلی اروپا کار زیادی کرد.

فعالیت بنوا، منتقد هنری و مورخ هنر که همراه با گرابار، روش‌ها، تکنیک‌ها و مضامین تاریخ هنر روسیه را به روز کرد، یک مرحله کامل در تاریخ نقد هنر است (به «تاریخ نقاشی قرن نوزدهم مراجعه کنید» توسط R. Muther - جلد "نقاشی روسی"، 1901-1902؛ "مدرسه نقاشی روسیه"، نسخه 1904؛ "تسارسکویه سلو در سلطنت امپراطور الیزابت پترونا"، 1910؛ مقالات در مجلات "دنیای هنر" و "سالهای قدیم"، "گنجینه های هنری روسیه" و غیره).

سومین نفر در هسته "دنیای هنر" لو سامویلوویچ باکست (1866-1924) بود که به عنوان یک هنرمند تئاتر شهرت یافت و اولین کسی بود که در بین "دنیای هنر" در اروپا به شهرت رسید. او از آکادمی هنر به "دنیای هنر" آمد، سپس به سبک آرت نوو ادامه داد، به گرایش های چپ در نقاشی اروپا پیوست. در اولین نمایشگاه های دنیای هنر، او تعدادی پرتره تصویری و گرافیکی (بنوآ، بلی، سوموف، روزانوف، گیپیوس، دیاگیلف) را به نمایش گذاشت، جایی که طبیعت، در جریانی از حالات زنده، به نوعی تبدیل شد. بازنمایی ایده آل از یک فرد معاصر باکست نام تجاری مجله "دنیای هنر" را ایجاد کرد که به نماد "فصول روسیه" دیاگیلف در پاریس تبدیل شد. گرافیک باکس فاقد نقش و نگارهای قرن 18 است. و تم های املاک او به سمت دوران باستان، به علاوه، به سمت باستانی یونانی که به صورت نمادین تفسیر می شود، گرایش دارد. به ویژه در مورد نمادگرایان، نقاشی او "وحشت باستان" - "Terror antiquus" (تمر، 1908، موزه روسیه) بود. یک آسمان طوفانی وحشتناک، رعد و برقی که ورطه دریا و یک شهر باستانی را روشن می کند - و بر تمام این فاجعه جهانی، پوست باستانی با یک لبخند یخ زده مرموز غالب است. به زودی باکست کاملاً خود را وقف کارهای تئاتر و مناظر کرد و مناظر و لباس های او برای باله های شرکت دیاگیلف که با درخشش خارق العاده، هنری و هنری اجرا می شد، شهرت جهانی را برای او به ارمغان آورد. در طراحی آن اجراهایی با آنا پاولوا، باله های فوکین وجود داشت. این هنرمند صحنه‌ها و لباس‌هایی را برای فیلم‌های Scheherazade اثر ریمسکی-کورساکوف، پرنده آتشین اثر استراوینسکی (هر دو 1910)، دافنیس و کلوئه راول، و بعد از ظهر یک فاون با موسیقی دبوسی (هر دو 1912) ساخت.

از نسل اول "دنیای هنر" جوانترین اوگنی اوگنیویچ لانسر (1875-1946) بود که در کار خود به تمام مشکلات اصلی گرافیک کتاب در اوایل قرن بیستم پرداخت. (نگاه کنید به تصاویر او برای کتاب "افسانه های قلعه های باستانی بریتانی"، برای لرمانتوف، جلد "نوسکی پرسپکت" بوژریانف و غیره). Lansere تعدادی آبرنگ و سنگ نگاره های سنت پترزبورگ (پل کالینکین، بازار نیکولسکی و غیره) خلق کرد. معماری جایگاه بزرگی در ترکیب بندی های تاریخی او دارد ("ملکه الیزاوتا پترونا در تزارسکویه سلو"، 1905، گالری دولتی ترتیاکوف). می توان گفت که در آثار سرو، بنوآ، لانسر، نوع جدیدی از نقاشی تاریخی ایجاد شد - عاری از طرح است، اما در عین حال ظاهر دوران را کاملاً بازسازی می کند، بسیاری از تاریخی، ادبی و زیبایی شناختی را برمی انگیزد. انجمن ها یکی از بهترین خلاقیت های Lansere - 70 طراحی و آبرنگ برای L.N. «حاجی مراد» تولستوی (1912-1915) که بنوا آن را «آهنگ مستقلی می‌دانست که کاملاً با موسیقی قدرتمند تولستوی می‌آید». در دوران اتحاد جماهیر شوروی، لانسر به یک نقاشی دیواری برجسته تبدیل شد.

گرافیک مستیسلاو والریانوویچ دوبوژینسکی (1875-1957) نه چندان پترزبورگ دوران پوشکین یا قرن 18 را نشان می دهد، بلکه یک شهر مدرن را نشان می دهد که او توانست با بیانی تقریباً غم انگیز آن را منتقل کند ("خانه قدیمی" ، 1905 ، آبرنگ. ، گالری ایالتی ترتیاکوف)، و همچنین یک فرد - ساکن چنین شهرهایی ("مردی با عینک"، 1905-1906، پاستل، گالری دولتی ترتیاکوف: مردی تنها، در پس زمینه خانه های کسل کننده، مردی غمگین، که سرش شبیه جمجمه است). شهرسازی آینده، ترس هراس را به دوبوژینسکی برانگیخت. او همچنین به طور گسترده در تصویرسازی کار کرد، جایی که مجموعه نقاشی های جوهر او برای شب های سفید داستایوفسکی (1922) را می توان برجسته ترین آنها دانست. دوبوژینسکی همچنین در تئاتری که برای نمیروویچ-دانچنکو نیکلای استاوروگین (نمایش‌های شیاطین داستایوفسکی)، نمایشنامه‌های تورگنیف یک ماه در کشور و مفت‌گیر طراحی شده بود، کار کرد.

نیکلاس روریچ (1874-1947) جایگاه ویژه ای در دنیای هنر دارد. روریچ که خبره فلسفه و قوم نگاری شرق، دانشمند باستان شناس بود، ابتدا در خانه، سپس در دانشکده های حقوق و تاریخی-فلسفی دانشگاه سن پترزبورگ، سپس در آکادمی هنر، در کارگاه آموزشی، آموزش عالی دریافت کرد. از Kuindzhi، و در پاریس در استودیو F. Cormon. او در اوایل اقتدار یک دانشمند را به دست آورد. او با همان عشق به گذشته‌نگری با «دنیای هنر» ارتباط داشت، نه فقط مربوط به قرن‌های 17-18، بلکه مربوط به دوران باستان اسلاو و اسکاندیناوی بت پرست، به روسیه باستان. گرایش های سبکی، تزئینات تئاتری ("پیام رسان"، 1897، گالری دولتی ترتیاکوف، "پیشرفتگان همگرا"، 1898، موزه روسیه، "شوم"، 1901، موزه روسیه). روریچ از نزدیک با فلسفه و زیبایی شناسی نمادگرایی روسی مرتبط بود، اما هنر او در چارچوب روندهای موجود نمی گنجید، زیرا، مطابق با جهان بینی هنرمند، با جذابیتی به کل بشریت تبدیل شد. برای اتحاد دوستانه همه مردم. از این رو طبیعت حماسی خاص نقاشی های اوست.

پس از 1905، حال و هوای عرفان پانتئیستی در آثار روریش رشد کرد. مضامین تاریخی جای خود را به افسانه های مذهبی می دهد (نبرد آسمانی، 1912، موزه روسیه). نماد روسی تأثیر زیادی بر رویریچ گذاشت: تابلوی تزئینی او "نبرد کرژنتس" (1911) در طول اجرای قطعه ای به همین عنوان از اپرای ریمسکی-کورساکوف "افسانه شهر نامرئی کیتژ و ..." به نمایش گذاشته شد. Maiden Fevronia» در پاریس «فصول روسیه».

در نسل دوم "دنیای هنر" یکی از بااستعدادترین هنرمندان بوریس میخائیلوویچ کوستودیف (1878-1927) شاگرد رپین بود که به او در کارش در "شورای دولتی" کمک کرد. کوستودیف نیز با سبک سازی مشخص می شود، اما این سبک سازی از چاپ محبوب محبوب است. از این رو جشن روشن "نمایش"، "شرووتاید"، "بالاگانی"، از این رو نقاشی های او از زندگی خرده بورژوایی و بازرگانی، با کنایه ای جزئی منتقل می شود، اما نه بدون تحسین این زیبایی های سرخ گونه و نیمه خواب در پشت سماور و با نعلبکی در انگشتان چاق ("بازرگان"، 1915، موزه روسیه، "تاجر برای چای"، 1918، موزه روسیه).

A.Ya. گولووین یکی از بزرگترین هنرمندان تئاتر ربع اول قرن بیستم است؛ آی. یا. بیلیبین، A.P. اوستروموا-لبدوا و دیگران.

«دنیای هنر» یک جنبش زیباشناختی بزرگ در آغاز قرن بود که کل فرهنگ هنری مدرن را مورد ارزیابی مجدد قرار داد، سلیقه ها و مشکلات جدید را تأیید کرد، به هنر - در بالاترین سطح حرفه ای - اشکال گمشده گرافیک کتاب و تئاتر بازگشت. و نقاشی تزئینی که با تلاش آنها شهرت تمام اروپایی را به دست آورد، نقد هنری جدیدی ایجاد کرد که هنر روسیه را در خارج از کشور ترویج کرد، در واقع حتی برخی از مراحل آن را مانند قرن 18 روسیه باز کرد. "دنیای هنر" نوع جدیدی از نقاشی تاریخی، پرتره، منظره با ویژگی های سبکی خاص خود را ایجاد کرد (گرایش های سبکی متمایز، غلبه تکنیک های گرافیکی بر تکنیک های تصویری، درک صرفاً تزئینی از رنگ و غیره). این اهمیت آنها را برای هنر روسیه تعیین می کند.

نقاط ضعف "دنیای هنر" در درجه اول در تنوع و ناهماهنگی برنامه منعکس شد و مدل "یا بوکلین، سپس مانه" را اعلام کرد. در دیدگاه‌های ایده‌آلیستی در مورد هنر، در بی‌تفاوتی متاثر از وظایف مدنی هنر، در بی‌تفاوتی برنامه‌ریزی‌شده، در از دست دادن اهمیت اجتماعی تصویر. صمیمیت "دنیای هنر"، زیبایی شناسی ناب آن دوره کوتاه تاریخی زندگی او را در عصر نشانه های غم انگیز مهیب انقلاب قریب الوقوع تعیین کرد. اینها تنها گامهای اولیه در مسیر جستجوهای خلاقانه بود و خیلی زود جوانان از دانشجویان دنیای هنر پیشی گرفتند.

با این حال، برای برخی از «دنیای هنر»، اولین انقلاب روسیه یک انقلاب واقعی در جهان بینی آنها بود. تحرک و در دسترس بودن گرافیک باعث فعالیت ویژه او در این سال های پرتلاطم انقلابی شد. تعداد زیادی از مجلات طنز به وجود آمد (380 عنوان از سال 1905 تا 1917 شمارش شد). مجله Sting به دلیل جهت گیری انقلابی-دمکراتیک خود برجسته بود، اما بزرگترین نیروهای هنری در اطراف Bogey و مکمل Infernal Mail آن جمع شده بودند. رد استبداد هنرمندان لیبرال گرایش های مختلف را متحد کرد. در یکی از شماره‌های ژوپل، بیلیبین کاریکاتور «خر در اندازه 1/20» را قرار می‌دهد: در قابی با ویژگی‌های قدرت و شکوه، جایی که معمولاً تصویر پادشاه قرار می‌گرفت، یک الاغ کشیده شده است. Lansere در سال 1906 کارتون "Feast" را چاپ می کند: ژنرال های تزاری در یک جشن غم انگیز به آواز خواندن گوش نمی دهند، بلکه به سربازان جیغ می کشند که در معرض توجه ایستاده اند. Dobuzhinsky در تصویر "October Idyll" به موضوع وفادار است شهر مدرنتنها نشانه‌های شومی از وقایع در این شهر رخنه کرد: پنجره‌ای که با گلوله شکسته است، عروسک دراز کشیده، عینک و لکه‌ای خون روی دیوار و سنگفرش. کوستودیف تعدادی کاریکاتور از تزار و ژنرال‌هایش و پرتره‌هایی از وزرای تزار، ویته، ایگناتیف، دوباسوف و دیگران ساخت که در تیزبینی و کنایه‌های بدخواهانه‌شان استثنایی بودند، و در عین حال به رپین در کارش در مورد دولت کمک کرد. شورا. کافی است بگوییم که ویت در زیر دستش به عنوان یک دلقک حیرت انگیز با یک پرچم قرمز در یک دست و پرچم سلطنتی در دست دیگر ظاهر می شود.

اما رساترین در گرافیک انقلابی آن سال ها را باید نقاشی های V.A. سروو. موقعیت او در جریان انقلاب 1905 کاملاً مشخص بود. انقلاب یک سری کامل از کاریکاتورهای سروف را زنده کرد: «1905. پس از صلح» (نیکلاس دوم، با راکتی زیر بغل، صلیب های سنت جورج را بین سرکوبگران توزیع می کند). "درو" (تفنگ ها در قفسه های مزرعه گذاشته می شوند). معروف ترین آهنگ این سریال «سربازان، بچه های شجاع! شکوهت کجاست؟ (1905، موزه روسیه). موقعیت مدنی سروف، مهارت، مشاهده و لکونیسم خردمندانه او به عنوان یک نقشه نویس در اینجا کاملاً نمایان شد. سروف آغاز حمله قزاق ها به تظاهرکنندگان را در 9 ژانویه 1905 به تصویر می کشد. در جلو، در لبه برگه، چهره های بزرگ فردی از قزاق ها وجود دارد، و بین اول و پس زمینه، در مرکز، افسری که آنها را به حمله با اسب دعوت می کند، با یک شمشیر کشیده شده است. این نام، همانطور که بود، حاوی تمام طنز تلخ وضعیت است: سربازان روسی علیه مردم خود اسلحه به دست گرفتند. چنین بود، و به این ترتیب این رویداد غم انگیز نه تنها توسط سروف از ویترین کارگاه خود، بلکه (به طور مجازی بگوییم) از اعماق آگاهی لیبرال روشنفکران روسیه به عنوان یک کل مشاهده شد. هنرمندان روسی که با انقلاب 1905 همدردی کردند نمی دانستند که در آستانه چه فاجعه های تاریخ ملی هستند. آنها با گرفتن سمت انقلاب، به طور نسبی، یک بمب افکن تروریستی (از وارثان نیهیلیست-رازنوچینتسی، "با مهارت های خود در مبارزه سیاسی و تلقین ایدئولوژیک بخش های وسیعی از جامعه، "طبق تعریف صحیح یک مورخ) پلیس، در حفاظت از نظم ایستاده است. آنها نمی دانستند که «چرخ قرمز» انقلاب نه تنها خودکامگی را که از آن نفرت داشتند، بلکه کل شیوه زندگی روسی، کل فرهنگ روسی را که به آن خدمت می کردند و برایشان عزیز بود، از بین خواهد برد.

در سال 1903، همانطور که قبلا ذکر شد، یکی از بزرگترین انجمن های نمایشگاهی آغاز قرن، اتحادیه هنرمندان روسیه، بوجود آمد. در ابتدا، تقریباً همه چهره های برجسته "دنیای هنر" وارد آن شدند - بنویس، باکست، سوموف، دوبوژینسکی، سرووف، وروبل، بوریسوف-موساتوف در اولین نمایشگاه ها شرکت کردند. مبتکران ایجاد انجمن هنرمندان مسکو بودند که با "دنیای هنر" مرتبط بودند، اما با زیبایی شناسی برنامه ای پترزبورگ ها سنگین شدند. چهره "اتحادیه" عمدتاً توسط نقاشان مسکو در جهت گردشگر، دانش آموزان مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو، وارثان ساوراسوف، دانش آموزان سروو و ک.کورووین تعیین شد. بسیاری در همان زمان در نمایشگاه های سیار به نمایش گذاشتند. غرفه داران "اتحادیه" هنرمندانی از جهان بینی های مختلف بودند: S. Ivanov، M. Nesterov، A. Arkhipov، برادران Korovin، L. Pasternak. امور تشکیلاتی به عهده ع.م. واسنتسف، اس.ا. وینوگرادوف، وی. کلاسورها ستون های سرگردان V.M. واسنتسف، سوریکوف، پولنوف اعضای آن بودند. K. Korovin رهبر "اتحادیه" محسوب می شد.

منظره ملی، تصاویری که عاشقانه از روسیه دهقانی نقاشی شده است، یکی از ژانرهای اصلی هنرمندان اتحادیه است که در آن "امپرسیونیسم روسی" خود را به شیوه ای عجیب و غریب با نقوش عمدتاً روستایی و نه شهری بیان می کند. بنابراین مناظر I.E. گرابار (1871-1960) با حال و هوای غنایی خود، با بهترین ظرایف تصویری که منعکس کننده تغییرات آنی در طبیعت واقعی است، نوعی موازی در خاک روسیه با منظره امپرسیونیستی فرانسه است ("برف سپتامبر"، 1903، گالری دولتی ترتیاکوف). گرابار در اتومونوگرافی خود این منظره را به یاد می آورد: «منظره برف با شاخ و برگ های زرد روشن چنان غیرمنتظره و در عین حال آنقدر زیبا بود که بلافاصله در تراس مستقر شدم و در سه روز... تصویری کشیدم. ” علاقه گرابار به تجزیه رنگ‌های مرئی به رنگ‌های طیفی و خالص پالت، او را با نئوامپرسیونیسم، با جی. سورات و پی سیگناک مرتبط می‌سازد ("برف مارس"، 1904، گالری ایالتی ترتیاکوف). بازی رنگ ها در طبیعت، جلوه های رنگی پیچیده موضوع مطالعه دقیق "متفقین" می شود، که بر روی بوم دنیای فیگوراتیو تصویری و پلاستیکی عاری از روایت و تصویرسازی می آفرینند.

با تمام علاقه به انتقال نور و هوا در نقاشی استادان «اتحادیه» هرگز انحلال جسم در محیط نور-هوا مشاهده نمی شود. رنگ تزئینی می شود.

«متفقین»، برخلاف پترزبورگ ها - گرافیست های «دنیای هنر» - عمدتاً نقاشانی هستند که حس تزئینی رنگی بالایی دارند. نمونه عالی آن نقاشی های F.A. مالیاوین.

در میان شرکت کنندگان "اتحادیه" هنرمندانی بودند که با موضوع خلاقیت به "دنیای هنر" نزدیک بودند. بنابراین، K.F. یوون (1875-1958) با ظاهر شهرهای باستانی روسیه، پانورامای مسکو قدیمی جذب شد. اما یوون از نظر زیبایی شناختی انگیزه های گذشته، منظره معماری شبح مانند را تحسین نمی کند. اینها پارک های ورسای و باروک تسارسکویه سلو نیستند، بلکه معماری مسکو قدیمی در پوشش بهاری یا زمستانی آن هستند. تصاویر طبیعت مملو از زندگی است، آنها یک تأثیر طبیعی را احساس می کنند، که در درجه اول هنرمند از آن دفع شد (خورشید مارس، 1915، گالری دولتی ترتیاکوف؛ ترینیتی لاورا در زمستان، 1910، موزه روسیه). حالت های ظریف و متغیر طبیعت در مناظر یکی دیگر از اعضای "اتحادیه" و در عین حال یکی از اعضای انجمن نمایشگاه های مسافرتی - S.Yu. ژوکوفسکی (1873-1944): بی انتها بودن آسمان، تغییر رنگ آن، حرکت آهسته آب، درخشان شدن برف زیر ماه ("شب مهتاب"، 1899، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ "سد"، 1909، دولت روسیه موزه). او اغلب نقش یک ملک متروکه را نیز دارد.

در نقاشی نقاش مدرسه سن پترزبورگ، یکی از اعضای وفادار "اتحادیه هنرمندان روسیه" A.A. رایلوف (1870-1939)، "صدای سبز" (1904)، استاد موفق شد، همانطور که بود، نفس یک باد تازه را منتقل کند، که در زیر آن درختان نوسان می کنند و بادبان ها متورم می شوند. پیشگویی های شادی آور و نگران کننده ای در آن وجود دارد. سنت های عاشقانه معلمش کویندجی نیز در اینجا تأثیر گذاشت.

در مجموع، متفقین نه تنها به سمت مطالعات ساده، بلکه به سمت فرم‌های تصویری تاریخی نیز گرایش داشتند. در سال 1910، زمان انشعاب و شکل گیری ثانویه "دنیای هنر"، در نمایشگاه های "اتحادیه" می توان منظره ای صمیمی (وینوگرادوف، پتروویچف، یوون و غیره) را مشاهده کرد، نقاشی نزدیک به تقسیم گرایی فرانسوی. (Grabar، Larionov اولیه) یا نمادگرایی نزدیک (P. Kuznetsov، Sapunov، Sudeikin); هنرمندان "دنیای هنر" دیاگیلف - بنویس، سوموف، باکست، لانسره، دوبوژینسکی در آنها نیز حضور داشتند.

"اتحادیه هنرمندان روسی" با پایه های مستحکم واقع گرایانه خود که نقش مهمی در هنرهای زیبای داخلی ایفا کرد، تأثیر خاصی در شکل گیری مکتب نقاشی شوروی داشت که تا سال 1923 وجود داشت.

سالهای بین دو انقلاب با شدت جستجوهای خلاقانه مشخص می شود که گاهی مستقیماً یکدیگر را حذف می کنند. در سال 1907، در مسکو، مجله پشم طلایی، تنها نمایشگاه هنرمندانی را به دنبال بوریسوف-موساتوف به نام گل رز آبی برگزار کرد. پی کوزنتسوف هنرمند برجسته گل رز آبی شد. M. Saryan، N. Sapunov، S. Sudeikin، K. Petrov-Vodkin، A. Fonvizin، مجسمه ساز A. Matveev در طول سال های تحصیل دور او جمع شدند. نزدیکتر از همه "Goluborozovtsy" به نمادگرایی ، که در درجه اول در "زبان" آنها بیان شد: بی ثباتی خلق و خوی ، مبهم بودن ، موسیقی غیرقابل ترجمه تداعی ها ، پالایش روابط رنگی. در هنر روسیه، نمادگرایی به احتمال زیاد در ادبیات شکل گرفت؛ در همان سال های اول قرن جدید، نام هایی مانند A. Blok، A. Bely، V. Ivanov، S. Solovyov قبلا به صدا درآمد. عناصر جداگانه "سمبلیسم تصویری" نیز در کار وروبل ظاهر شد، همانطور که قبلا ذکر شد، بوریسوف-موساتوف، روریچ، چیورلیونیس. در نقاشی کوزنتسوف و همکارانش، نقاط تماس زیادی با شعرهای بالمونت، بریوسوف، بلی وجود داشت، فقط آنها از طریق اپراهای واگنر، درام های ایبسن، هاوپتمن و مترلینک به نمادگرایی متصل شدند. نمایشگاه "رز آبی" نوعی سنتز بود: شاعران نمادگرا در آن اجرا کردند، موسیقی مدرن اجرا شد. سکوی زیبایی‌شناختی غرفه‌داران نیز در سال‌های بعد تأثیرگذار بود و نام این نمایشگاه در نیمه دوم دهه 900 به نامی برای کل گرایش هنری تبدیل شد. کل فعالیت "رز آبی" همچنین دارای قوی ترین اثر از تأثیر سبک آرت نوو (سبک سازی تزئینی صفحه، ریتم های خطی عجیب و غریب) است.

آثار پاول وارفولومیویچ کوزنتسوف (1878-1968) منعکس کننده اصول اولیه خرس آبی است. آثار او مظهر مفهوم نئورومانتیک "شفافیت زیبا" (بیانی از شاعر M. Kuzmin) است. کوزنتسوف تابلویی تزئینی خلق کرد که در آن به دنبال انتزاع از بتن روزمره، نشان دادن وحدت انسان و طبیعت، ثبات چرخه ابدی زندگی و طبیعت، تولد روح انسان در این هماهنگی بود. از این رو میل به اشکال یادبود نقاشی، رویایی-تفکری، پاک از همه چیز آنی، جهانی، یادداشت های بی زمان، میل دائمی برای انتقال معنویت ماده. یک شکل فقط نشانه ای است که یک مفهوم را بیان می کند. رنگ در خدمت انتقال احساسات است. ریتم - به منظور معرفی به دنیای خاصی از احساسات (مانند نقاشی نمادها - نمادی از عشق، لطافت، اندوه و غیره). از این رو دریافت توزیع یکنواخت نور در کل سطح بوم به عنوان یکی از پایه های اثر تزئینی کوزنتسوف است. سروف گفت که طبیعت پی کوزنتسوف "نفس می کشد". این در سوئیت های قرقیز (استپ) و بخارا، در مناظر آسیای مرکزی کاملاً بیان شده است. («خواب در آستان گوسفندان» در سال 1911، همانطور که A. Rusakova، محقق آثار کوزنتسوف، می نویسد، تصویری از دنیای رویایی استپی، صلح، هماهنگی است. زن تصویر شده یک شخص خاص نیست، بلکه یک زن قرقیز در عمومی، نشانه ای از نژاد مغولی است.) آسمان بلند، صحرای بی کران، تپه های ملایم، چادرها، گله های گوسفند، تصویری از یک بت پدرسالاری را ایجاد می کنند. رویای ابدی و دست نیافتنی هماهنگی، آمیختگی انسان با طبیعت، که همیشه هنرمندان را نگران می کرد (سراب در استپ، 1912، گالری دولتی ترتیاکوف). کوزنتسوف تکنیک های نقاشی شمایل روسی باستان، اوایل رنسانس ایتالیا را مطالعه کرد. این توسل به سنت‌های کلاسیک هنر جهانی در جستجوی سبک بزرگ خود، همانطور که محققان به درستی اشاره کردند، در دوره‌ای که هر گونه سنت اغلب به کلی انکار می‌شد، اهمیت اساسی داشت.

عجیب و غریب بودن شرق - ایران، مصر، ترکیه - در مناظر مارتیروس سرگیویچ ساریان (1880-1972) تجسم یافته است. شرق یک موضوع طبیعی برای هنرمند ارمنی بود. ساریان در نقاشی خود دنیایی پر از تزئینات درخشان، پرشورتر، زمینی‌تر از کوزنتسوف خلق می‌کند، و راه‌حل تصویری همیشه بر اساس روابط رنگی متضاد، بدون تفاوت‌های ظریف، در مقایسه سایه‌ای تیز ساخته می‌شود ("نخل خرما، مصر"، 1911 ، نقشه ها. ، دما، GTG). توجه داشته باشید که آثار شرقی ساریان با تضاد رنگی خود قبل از آثار ماتیس که توسط او پس از سفر به الجزایر و مراکش خلق شده است ظاهر می شود.

تصاویر ساریان به دلیل تعمیم فرم ها، هواپیماهای رنگارنگ بزرگ، بی نظمی عمومی زبان، به یاد ماندنی هستند - این معمولاً تصویری تعمیم یافته از مصر است، خواه، ایران، ارمنستان بومی، در حالی که طبیعی بودن حیاتی را حفظ می کند. اگر از زندگی نوشته شده باشد بوم های تزئینی ساریان همیشه شاد هستند، آنها با ایده خلاقیت او مطابقت دارند: «... یک اثر هنری نتیجه شادی است، یعنی کار خلاق. در نتیجه باید شعله‌ی شعله‌ی خلاقیت را در بیننده شعله‌ور سازد و به شناسایی میل طبیعی او به خوشبختی و آزادی کمک کند.

کوزنتسوف و ساریان تصویری شاعرانه از دنیای رنگارنگ و غنی را به روش‌های مختلف خلق کردند، یکی بر اساس سنت‌های هنر شمایل باستانی روسیه و دیگری بر اساس مینیاتورهای باستانی ارمنی. در دوره رز آبی، آنها همچنین با علاقه به نقوش شرقی و گرایش های نمادین متحد شدند. درک امپرسیونیستی از واقعیت برای هنرمندان گل رز آبی مشخص نبود.

«گلوبروزیت ها» در تئاتر بسیار و پربار کار کردند و در آنجا با دراماتورژی نمادگرایی ارتباط نزدیک پیدا کردند. N.N. ساپانوف (1880-1912) و S.Yu. سودیکین (1882-1946) درام های M. Maeterlinck، Sapunov - G. Ibsen و Blok "Balaganchik" را طراحی کرد. ساپانوف همچنین این فانتزی تئاتری، سبک‌سازی لوبوک نمایشگاه را به آثار سه‌پایه‌اش، طبیعت‌های بی‌جان تزیینی شدید با گل‌های کاغذی در گلدان‌های چینی نفیس ("Peonies"، 1908، تمپرا، گالری ترتیاکوف دولتی) به صحنه‌های ژانر گروتسک منتقل کرد که در آن واقعیت وجود دارد. با فانتاسماگوریا آمیخته شده است ("ماسکاراد"، 1907، گالری دولتی ترتیاکوف).

در سال 1910، تعدادی از هنرمندان جوان - P. Konchalovsky، I. Mashkov، A. Lentulov، R. Falk، A. Kuprin، M. Larionov، N. Goncharova و دیگران - در سازمان Jack of Diamonds که دارای آن بود متحد شدند. منشور خود را داشت، نمایشگاه هایی ترتیب داد و مجموعه مقالات خود را منتشر کرد. "جک الماس" در واقع تا سال 1917 وجود داشت. همانطور که پست امپرسیونیسم، در درجه اول سزان، "واکنشی به امپرسیونیسم" بود، بنابراین "جک الماس" با ابهام، ترجمه ناپذیری، و ظریف ترین تفاوت های ظریف زبان نمادین "جک الماس" مخالفت کرد. رز آبی» و سبک زیبایی شناختی «دنیای هنر». "Knave of Diamonds" که تحت تأثیر مادیات، "چیز بودن" جهان قرار گرفته بود، ساخت واضحی از تصویر را ادعا کرد، بر عینیت شکل، شدت، پری رنگ تأکید کرد. تصادفی نیست که طبیعت بی جان به ژانر مورد علاقه "valetovtsy" تبدیل می شود، زیرا منظره به ژانر مورد علاقه اعضای "اتحادیه هنرمندان روسیه" تبدیل می شود. ایلیا ایوانوویچ ماشکوف (1881-1944) در طبیعت بی جان خود ("آلوهای آبی"، 1910، گالری دولتی ترتیاکوف؛ "طبیعت بی جان با کاملیا"، 1913، گالری ایالتی ترتیاکوف) به طور کامل برنامه این انجمن را بیان می کند، همانطور که پیوتر پتروویچ کونچالوفسکی (پیوتر پتروویچ کونچالوفسکی) 1876-1956) - در پرتره (پرتره G. Yakulov، 1910، موزه روسیه؛ "ماتادور مانوئل هارت"، 1910، گالری دولتی ترتیاکوف). ظرافت در انتقال تغییر حالات، روان‌شناسی ویژگی‌ها، دست کم گرفتن حالات، غیرمادی شدن نقاشی حاملان آبی، شعر عاشقانه آنها توسط وله‌توویان مردود است. آنها با جشن تقریباً خودانگیخته رنگ ها، بیان ترسیم کانتور، شیوه نوشتاری گسترده خمیری آبدار، که دیدگاهی خوش بینانه از جهان را منتقل می کند، و حالتی تقریبا مسخره و مربع ایجاد می کند، مخالفت می کنند. کونچالوفسکی و ماشکوف در پرتره‌های خود، شخصیت‌پردازی واضح، اما تک بعدی ارائه می‌دهند و یک ویژگی را تقریباً تا حد غم‌انگیز تیز می‌کنند. در طبیعت بی جان، آنها بر صفحه بوم، ریتم لکه های رنگی تأکید می کنند ("آگاو"، 1916، گالری دولتی ترتیاکوف، - کنچالوفسکی؛ پرتره بانویی با قرقاول، 1911، موزه روسیه، - ماشکوف). "Knave of Diamonds" چنین ساده‌سازی‌هایی را در تفسیر فرم ممکن می‌سازد، که شبیه به چاپ محبوب، یک اسباب‌بازی عامیانه، کاشی‌های نقاشی، یک تابلوی راهنما است. اشتیاق به بدوی گرایی (از لاتین primitivus - بدوی، اولیه) در هنرمندان مختلفی ظاهر شد که از اشکال ساده هنر دوره های به اصطلاح ابتدایی - قبایل و ملیت های بدوی - در جستجوی به دست آوردن فوریت و یکپارچگی ادراک هنری تقلید کردند. "جک الماس" برداشت خود را از سزان (از این رو گاهی اوقات "سزانیسم روسی" نامیده می شود)، یا بهتر است بگوییم، از نسخه تزئینی سزانیسم - فوویسم، حتی بیشتر - از کوبیسم، حتی از آینده گرایی، گرفت. از کوبیسم "تغییر" فرم ها، از آینده گرایی - پویایی، تغییرات مختلف فرم، مانند نقاشی "حلقه. ناقوس ایوان کبیر» (1915، گالری دولتی ترتیاکوف) توسط A.V. لنتولوف (1884-1943). لنتولوف تصویری بسیار رسا را ​​ایجاد کرد که بر اساس موتیف معماری قدیمی ساخته شده بود که هماهنگی آن توسط ادراک عصبی و تیز انسان مدرن به دلیل ریتم های صنعتی شکسته شده است.

پرتره های P.P فالک (1886-1958)، که در درک و تفسیر شکل به کوبیسم وفادار ماند (بیهوده نیست که آنها از "کوبیسم غنایی" فالک صحبت می کنند)، در هارمونی های ظریف رنگی-پلاستیکی ایجاد شد که حالت خاصی از مدل را منتقل می کند.

در طبیعت بی جان و مناظر A. V. Kuprin (1880-1960)، گاهی اوقات یک یادداشت حماسی ظاهر می شود، تمایل به تعمیم وجود دارد ("طبیعت بی جان با کدو تنبل، گلدان و منگوله ها"، 1917، گالری ایالتی ترتیاکوف، به درستی توسط پژوهشگران «شعری در تجلیل از ابزار نقاش»). آغاز تزئینی کوپرین با بینش تحلیلی از طبیعت ترکیب شده است.

ساده‌سازی شدید فرم، ارتباط مستقیم با هنر نشانه‌گذاری به‌ویژه در م.ف. لاریونوف (1881-1964)، یکی از بنیانگذاران "جک الماس"، اما قبلاً در سال 1911 از او جدا شد و نمایشگاه های جدیدی ترتیب داد: "دم الاغ" و "هدف". لاریونوف مناظر، پرتره ها، طبیعت بی جان را نقاشی می کند، به عنوان هنرمند تئاتر شرکت دیاگیلف کار می کند، سپس به نقاشی ژانر روی می آورد، موضوع او زندگی یک خیابان استانی، پادگان سربازان است. فرم ها مسطح، گروتسک هستند، گویی عمداً به عنوان نقاشی کودک، چاپ محبوب یا تابلوی راهنما طراحی شده اند. در سال 1913، لاریونوف کتاب خود "لوشیسم" را منتشر کرد - در واقع، اولین مانیفست هنر انتزاعی، که خالقان واقعی آن در روسیه V. Kandinsky و K. Malevich بودند.

هنرمند N.S. گونچارووا (1881-1962)، همسر لاریونوف، همین گرایش ها را در نقاشی های ژانر خود، عمدتاً با موضوع دهقانی، توسعه داد. در سال های مورد بررسی، در آثار او، تزئینی تر و رنگارنگ تر از هنر لاریونوف، به یاد ماندنی است. قدرت درونیو مختصر بودن، اشتیاق شدید به بدوی گرایی را احساس کرد. در توصیف کار گونچارووا و لاریونوف، اغلب از اصطلاح "نئو بدویگرایی" استفاده می شود. در این سالها، آ. شوچنکو، وی. چکریگین، ک. مالویچ، وی. تاتلین، ام. شاگال از نظر جهان بینی هنری، جستجوی زبانی رسا به آنها نزدیک بودند. هر یک از این هنرمندان (تنها استثنا چکریگین است که خیلی زود درگذشت) به زودی مسیر خلاقانه خود را پیدا کرد.

م.ز. شاگال (۱۸۸۷–۱۹۸۵) فانتزی‌هایی خلق کرد که از برداشت‌های ملال‌آور زندگی شهر کوچک ویتبسک دگرگون شده بود و با روحیه ساده لوحانه-شاعرانه و گروتسک-نمادین تفسیر می‌شد. با فضای سورئال، رنگارنگی روشن، بدوی سازی عمدی فرم، شاگال به اکسپرسیونیسم غربی و هنر عامیانه بدوی نزدیک است ("من و دهکده"، 1911، موزه هنرهای معاصر، نیویورک، "بر فراز ویتبسک"، 1914 ، همکار زاک. تورنتو؛ "عروسی"، 1918، گالری ایالتی ترتیاکوف).

بسیاری از استادانی که در بالا نام برده شد، نزدیک به جک الماس، اعضای اتحادیه جوانان سازمان سن پترزبورگ بودند که تقریباً همزمان با جک الماس (1909) تشکیل شد. علاوه بر شاگال، P. Filonov، K. Malevich، V. Tatlin، Yu. Annenkov، N. Altman، D. Burliuk، A. Exter و دیگران در سایوز به نمایش گذاشته شدند. L. Zheverzheev نقش اصلی را در آن ایفا کرد. درست مانند "valetovtsy"، اعضای "اتحادیه جوانان" مجموعه های نظری منتشر کردند. تا اینکه انجمن در سال 1917 فروپاشید. «اتحادیه جوانان» برنامه خاصی نداشت و به نمادگرایی و کوبیسم و ​​آینده پژوهی و «غیرعینی» می پرداخت، اما هر کدام از هنرمندان چهره خلاق خود را داشتند.

سخت ترین توصیف P.N. فیلونوف (1883–1941). د.سارابیانوف به درستی کار فیلونوف را «تنها و بی نظیر» تعریف کرده است. از این نظر، او به درستی هنرمند را هم تراز A. Ivanov، N. Ge، V. Surikov، M. Vrubel قرار می دهد. با این وجود، چهره فیلونوف، ظاهر او در فرهنگ هنری روسیه در دهه 10 قرن بیستم است. طبیعی فیلونوف با تمرکز بر «نوعی حرکت خود-توسعه فرم ها» (د. سرابیانوف)، به آینده نگری نزدیکتر است، اما با مشکلات کارش از آن دور است. بلکه با جستجوی معنای اصلی کلمه به آینده نگری شاعرانه خلبانیکوف نزدیکتر است. فیلونوف اغلب با شروع به کشیدن یک تصویر از هر لبه، انتقال بار خلاقانه خود به فرم ها، به آنها زندگی می بخشد و سپس، گویی نه به خواست هنرمند، بلکه با حرکت خود آنها، توسعه می یابند، تغییر می کنند، نو می شوند. ، رشد. این خودسازی اشکال توسط فیلونوف واقعاً شگفت‌انگیز است» (D. Sarabyanov).

هنر سال‌های پیش از انقلاب در روسیه با پیچیدگی و ناهماهنگی فوق‌العاده تلاش‌های هنری مشخص می‌شود، از این رو گروه‌بندی‌های پی در پی با تنظیمات برنامه‌ای و همدلی‌های سبکی خودشان. اما در کنار آزمایش‌کنندگان در زمینه فرم‌های انتزاعی در هنر روسیه آن زمان، «دنیای هنر» و «گولوبوروزیت‌ها»، «متحدان»، «ناب‌های الماس» به کار خود ادامه دادند. جریان قدرتمندی از جریان‌های نئوکلاسیک که نمونه‌ای از آن را می‌توان کار یکی از اعضای فعال «هنر میر» در «نسل دوم» خود Z.E. سربریاکوا (1884-1967). سربریاکوا در بوم‌های ژانر شاعرانه‌اش با طراحی لاکونیک، مدل‌سازی پلاستیکی حسی محسوس و تعادل ترکیب، از سنت‌های ملی عالی هنر روسیه، در درجه اول ونتسیانوف و حتی فراتر از هنر باستانی روسیه ("دهقانان"، 1914، موزه روسیه؛ "برداشت"، 1915، موزه هنر اودسا؛ "سفید شدن بوم"، 1917، گالری ایالتی ترتیاکوف).

سرانجام، شواهد درخشانی از سرزندگی سنت های ملی، نقاشی بزرگ باستانی روسیه، اثر کوزما سرگیویچ پتروف-ودکین (1878-1939)، هنرمند متفکری است که بعدها برجسته ترین استاد هنر دوره شوروی شد. در نقاشی معروف حمام کردن اسب سرخ (1912، جمعه)، هنرمند به استعاره ای فیگوراتیو متوسل شد. همانطور که به درستی اشاره شد، مرد جوان سوار بر یک اسب قرمز روشن تداعی هایی را با تصویر محبوب سنت جورج پیروز ("قدیس یگوری") و شبح عمومی، ترکیب ریتمیک و فشرده، اشباع لکه های رنگی متضاد ایجاد می کند. صدا با قدرت کامل، و صاف بودن در تفسیر اشکال منجر به یادگاری یک نماد باستانی روسی می شود. یک تصویر هماهنگ روشن توسط پتروف-ودکین در نقاشی یادبود "دختران در ولگا" (1915، گالری ایالتی ترتیاکوف) ایجاد شده است، که در آن او نیز جهت گیری خود را نسبت به سنت های هنر روسیه احساس می کند و استاد را به یک ملیت واقعی سوق می دهد.

روند واقع گرایانه هنر در پایان قرن نوزدهم شروع به از دست دادن زمین کرد. در آغاز قرن، هنر نو شروع به تسلط کرد. با خطوط پرآذین، نقوش بیومورفیک، استفاده از مواد و فناوری های جدید مشخص می شود.

در نقاشی، مرسوم بودن تزئینی، تزئینات فرش، واضح است، گویی که تصاویر مجسمه ای متجلی می شود.

M. A. Vrubel (1856-1910) نماینده برجسته سبک Art Nouveau بود که هنرش با شعار "همه چیز تزئینی است" اجرا می شد. "دیو" - تصویر تعیین کننده در کار وروبل. در تصویر او هیچ تمایلی برای پیروزی تردیدهای خود وجود ندارد، بلکه فقط ناامیدی و ناامیدی است. برس های وروبل متعلق به بسیاری از پرتره ها است، یکی از آنها تاجر و بشردوست مامونتوف است. این هنرمند افسانه و ماورایی را در آثار خود "پان"، "شاهزاده قو" و سایر تصاویر اسطوره ای بیان کرد.

وروبل در کارهای خود از تکنیک های متفاوتی استفاده می کرد و گاه ژانرها و انواع هنر را در هم می آمیخت. او همچنین به مجسمه سازی و طراحی می پرداخت. در نقاشی های دیواری یادبود کلیسای ناجی بر روی خون ریخته شده در سن پترزبورگ شرکت کرد.

ایده "هنر ناب" باعث ظهور مجله "دنیای هنر" شد. این مجله در دوران پیش از انقلاب به کانون حیات هنری تبدیل شد.

هنرمندانی که در اطراف "دنیای هنر" متحد شدند مطالعه تاریخ روسیه را تشویق کردند، علاقه به هنرمندان قرن 18 را برانگیختند و فعالیت های موزه را توسعه دادند. آنها به توسعه تصویرسازی (I. Ya. Bilibin (1876-1942)، K. A. Somov (1869-1939)) و هنر تزئینی تئاتر (L. S. Bakst (1866-1924)، N. K. Roerich (1874-1947) کمک کردند.

خلق و خوی انقلابی مستقیماً بر نقاشی و گرافیک تأثیر گذاشت. هنرمند K. Yuon انقلاب را در مقیاس کیهانی در اثر "سیاره جدید" به تصویر کشید. بازتاب واقعیت انقلابی در چشم هنرمندان را می توان در آثار K.S. Petrov-Vodkin "مرگ یک کمیسر"، "1918 در پتروگراد" و N. Kupriyanov "ماشین های زرهی" مشاهده کرد.

در سال 1922، انجمن هنرمندان انقلابی روسیه ایجاد شد. یکی از نمایندگان برجسته آیزاک برادسکی بود که آثار "متعارف" را خلق کرد: "لنین در اسمولنی" و "سخنرانی لنین در کارخانه پوتیلوف".

"درباره بناهای جمهوری" - فرمان لنین در سال 1918، اعلام برنامه برای تحریک توده ها با کمک مجسمه های یادبودی که به شخصیت های انقلاب و فرهنگ اختصاص داده شده است (طرح "تبلیغات یادبود"). مجسمه سازان در مدت کوتاهی مجبور شدند آثار زیادی را از مواد ارزان قیمت و ارزان خلق کنند.

تاتلین در سال 1920 برج انترناسیونال III را ایجاد کرد که نماد هنر جدید و آرزوهای انقلابی است.

ایوان شاردر مجموعه ای از مجسمه های افراد کار سوسیالیستی را خلق می کند: "کارگر"، "دهقان"، "ارتش سرخ" و همچنین بنای یادبود گورکی برای میدان ایستگاه بلوروسکی.

در دهه 1920، آثار V. Mukhina ظاهر شد: پروژه "کار آزاد شده"، "زن دهقان"، "زن کارگر و مزرعه جمعی" - یک گروه مجسمه سازی که باعث شهرت این هنرمند شد.

افتتاح نمایشگاه کشاورزی اتحادیه در مسکو گامی تعیین کننده در توسعه مجسمه سازی است. اتحاد جماهیر شوروی. S. T. Konenkov نیز در تزئین مجسمه شرکت کرد. علاوه بر این، او مجسمه هایی را با اجرای طرح "تبلیغات یادبود" خلق کرد: نقش برجسته "به کشته شدگان در مبارزه برای صلح و برادری ملل"، "استپان رازین".

رئالیسم سوسیالیستی

در اولین کنگره سراسری نویسندگان اتحاد جماهیر شوروی در سال 1934، قوانین اساسی روش جدید ادبیات و هنر، یعنی رئالیسم سوسیالیستی، تدوین شد. این یک کنترل ایدئولوژیک سخت و تبلیغاتی بود که برای ستایش قهرمانان کار سوسیالیستی، انقلابیون، کارگران، دهقانان طراحی شده بود. طرح اثر هنری قرار بود منعکس کننده واقعیت انقلابی، میل به آینده ای روشن تر و دیدگاه های مادی گرایانه باشد.

نقاشی B. Ioganson "بازجویی از کمونیست ها" به وضوح تمام اصول رئالیسم سوسیالیستی را منتقل می کند: احساسات قابل توجه، تصاویر محکم و فرم های یادبود.

A. Deineka آثاری را در مورد موضوعات ساخت معماری جدید، ورزش و هوانوردی می نویسد: "خلبانان آینده"، "در ساخت کارگاه های جدید"، "در دونباس". کار بر روی موزاییک های ایستگاه مترو مایاکوفسکایا (مسکو).

معروف "مسکو جدید" اثر Y. Pimenov نماد زندگی جدید، لذت تغییر است: بازسازی مسکو و نقش غیر معمول یک زن.

جنگ بزرگ میهنی

جنگ بزرگ میهنی به طور قابل توجهی بر توسعه هنر تأثیر گذاشت. همانطور که در دوره انقلاب، ژانر اصلی هنرهای زیبا پوستر بود. استادان گذشته و همچنین هنرمندان جوانی که با پوسترهای معروفی مانند "سرزمین می خواند!"، "برای وطن!"، "جنگجو ارتش سرخ، نجات دهید!" به شهرت رسیدند، روی پوسترها کار کردند.

این زمان را اوج نقاشی روسی و ورود رئالیسم به آن می دانند. پدیده‌های اجتماعی و انقلاب‌های کشور تأثیر ویژه‌ای بر هنر داشتند. قبلاً در نقاشی سانسور و انتقاد وجود داشت. اثر قابل توجهی در کار نقاشان توسط مقامات آن زمان باقی مانده است. تقریباً هر هنرمند داخلی موظف بود حداقل یک عکس به آن اختصاص دهد سیاست جدیدو نظم اجتماعی جدید.

جهات اصلی نقاشی روسی قرن بیستم

در دوره قرن بیستم، پایان رئالیسم روسی در نقاشی و آغاز شوروی یا سوسیالیستی بود. زمان جنگ بزرگ را ویژه می دانند که با حرکت متحد حزب و مردم متمایز شد. نقاشی‌های نظامی سر و صدای زیادی به پا کردند و در دوره کنونی مطرح هستند. جریان سوسیالیستی ژانر منظره کمتر از همه تحت تأثیر قرار گرفت.

آوانگارد روسی

کلمه "آوانگارد" به معنای نوآوری، حرکت پیشرفته است. آوانگارد داخلی جریان های رادیکال نقاشی را ترکیب می کند. در ابتدا به آن مدرنیسم، هنر جدید، انتزاع گرایی و نام های دیگر می گفتند. اولین نگاه های اجمالی در این جهت در سال های قبل از جنگ ظاهر شد. آوانگارد روسی لحظاتی مانند طرد مطلق گذشته در فرهنگ و وحدت فرآیندهای تخریب و ایجاد را با هم ترکیب می کند. در نقاشی همزمان جایی برای پرخاشگری، میل به از بین بردن ارزش های هنری قدیمی و ایجاد چیزی کاملاً متفاوت وجود دارد.

در این راستا، اول از همه، شایان ذکر است که واسیلی کاندینسکی، که نقاشی های "زندگی رنگارنگ"، "آواز ولگا"، "بیضی سفید"، "مسکو" را نقاشی کرده است. مربع قرمز". در میان آوانگاردیست ها کازیمیر مالویچ که نماینده سوپرماتیسم یکی از جنبش های آوانگارد است نیز حضور دارد. این جریان مشخص کننده مرحله نهایی هنر، عدم وجود اشیا است. آنها ابتدا پس از ظهور بوم هایی با انتزاعات هندسی شروع به صحبت در مورد او کردند.

رئالیسم سوسیالیستی

پس از وقوع انقلاب و تحولات و تحولات فراوان، دوره جدیدی و مسیر جدیدی در هنرهای تجسمی آغاز شد. مطابق با آن زمان بود و رئالیسم سوسیالیستی نامیده می شد. این خواسته دولت و مردم بود. رئالیسم سوسیالیستی با حضور قهرمانی، رهبران بیان شده، مردم، رویدادها، حقیقت حزب و نه بینش خود هنرمند متمایز شد. جامعه توتالیتر نقاشی روسی را غیرقابل تشخیص تغییر داده است. عمدتاً شامل نقاشی هایی بود که به آن اختصاص داده شده بود رویداد های تاریخیآن زمان، به قهرمانان و رهبران دولت، و همچنین زندگی روزمره یک کارگر ساده.

بسیاری آن را "سبک شدید" نامیدند، زیرا هیچ توهم، حدس و بی دقتی کودکانه در آن وجود نداشت. فقط حقیقت بی رحمانه روی بوم ها نمایش داده شد. قهرمانی آن زمان در تنش و تلاش درونی رهبر نهفته بود. در رئالیسم سوسیالیستی، کار یک حرفه بود و قهرمانان پیشگام و سازنده بودند. در پایان قرن، همراه با فروپاشی فرهنگ شوروی، جهت جدیدی در نقاشی روسی می آید.

پست مدرنیسم

جهت جدیدی در نقاشی روسی جایگزین مدرنیسم شد که در جامعه کاملاً مشخص نبود. پست مدرنیسم با تصاویر عکاسی مشخص می شود. نقاشی تا حد امکان به ظاهر اصلی نزدیک است. این سبک با ویژگی های تیپولوژیکی متمایز می شود. اول از همه، فرم تمام شده. نقاشان از تصاویر کلاسیک استفاده می کنند، اما آنها را به شیوه ای جدید تفسیر می کنند، انحصاری می دهند. اغلب، نمایندگان پست مدرنیسم فرم ها را از چندین جهت ترکیب می کنند و طنزی جزئی به تصویر و نوعی ثانویه می بخشند.

یکی دیگر از ویژگی های جهت فقدان قوانین است. در پست مدرنیسم، هنرمند بر انتخاب فرم ها و شیوه های به تصویر کشیدن نقاشی خود کنترل کامل دارد. آزادی خاصی به هنر به طور کلی نفس تازه ای بخشید. اینستالیشن ها و اجراهای هنری وجود داشت. پست مدرنیسم در نقاشی نیز با فقدان تکنیک های روشن و محبوبیت عمومی جهانی مشخص می شود. اوج این جهت در دهه 90 قرن بیستم بود. برجسته ترین نمایندگان آن هنرمندان زیر هستند: A. Menus، M. Tkachev، S. Nosova، D. Dudnik.

هنر اوایل قرن نوزدهم با دوران خیزش اجتماعی ناشی از جنگ میهنی 1812 و جنبش ضد رعیت، که به قیام دکابریست در سال 1825 منجر شد، مرتبط است.

در زمینه فرهنگ هنری این دوره تغییر جهت نسبتاً سریع مشاهده شد: کلاسیک گراییراه می دهد رمانتیسمو رمانتیسم در مسیر رشد خود با افزایش روبرو می شود واقع گراییدر هنر در واقع، این عمدتا بود در نقاشیاگر هنرمندان قرن هجدهم برای رئالیسم در انتقال منحصر به فرد بودن فرد تلاش می کردند، در قرن نوزدهم شروع به به تصویر کشیدن آنچه ارزشمند بود، آنچه آنها را در زندگی عمومی نگران می کرد، کردند.

در ربع دوم قرن نوزدهم، سرمایه‌داری در بیشتر کشورهای اروپایی خود را تثبیت کرده بود، در حالی که در روسیه فروپاشی نظام فئودالی-رعیتی همچنان ادامه داشت. با این حال، هم در اروپا و هم در روسیه، این دوره با ظهور یک زندگی اجتماعی طوفانی مشخص می شود - در اروپا در درجه اول انقلاب فرانسهو پیامدهای آن و در روسیه رو به افزایش است مبارزه با رعیتبه ویژه پس از شکست قیام دکابریست.

در این دوره، کلاسیک، که بر دیوارها غالب بود فرهنگستان هنر، اهمیت مترقی خود را تمام کرده است. در سال 1829، آکادمی زیر مجموعه دربار امپراتوری قرار گرفت، بنابراین تبدیل شد مجری نظرات رسمی. استادان آکادمی در تلاش برای تقویت جایگاه خود در هنر، سعی در تسلط بر برخی فنون خاص رمانتیسم داشتند. بنابراین، روش رمانتیسیسم آکادمیک شکل گرفت که برای ایجاد زیبایی ایده آل و والا و به دور از زندگی روزمره واقعی طراحی شده بود.

برخلاف هنر آکادمیک، در نیمه اول قرن نوزدهم، هنر دیگری در روسیه شکل گرفت که به نام بحرانی واقع گرایی. هنرمندان آشکارا، بدون توسل به شکل مشروط داستان های انجیل، برای افشای رذیلت های جامعه معاصر خود شروع کردند، به درستی بنیانگذار رئالیسم انتقادی روسی در نقاشی در نظر گرفته می شود. پاول فدوتوف.

نیمه دوم قرن نوزدهم در روسیه با خیزش جدیدی در مبارزات آزادیبخش برای زندگی بهتر. روشنفکران جایگاه پیشرو در جنبش اجتماعی را به دست گرفتند. بردگی لغو شد، اما زندگی از این آسان تر نشد.

در این دوره اهمیت هنر به ویژه نقاشی که وسیله ای قدرتمند برای آموزش مردم به حساب می آمد افزایش یافت. در پایان نیمه اول قرن 19 شروع به کار کرد مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو، که اکنون به عنوان هادی مسیرهای دموکراتیک شروع به ایفای نقش عظیمی در جامعه کرده است. در اینجا، سیستم آموزشی ونیزی، بر اساس مطالعه دقیق زندگی اطراف، بلافاصله ریشه گرفت. این که مدرسه دور از پایتخت قرار داشت، انگار در میان زندگی مردم بود، نقش خود را ایفا کرد. برجسته ترین شاگردان مدرسه بود V.G. Perov

هنر در دوره نیمه دوم با محتوای ایدئولوژیک بالا، علاقه پرشور به حل مسائل اجتماعی فوری و شخصیت عامیانه آن متمایز می شود. خدمت به مردم به یکی از اهداف اصلی هنرمندان مترقی روسیه تبدیل شده است. برای اولین بار در تاریخ هنر روسیه، زندگی کارگران به موضوع اصلی آثار هنرمندان دموکرات تبدیل شد. مردم نه از بیرون، بلکه گویی از درون به تصویر کشیده می شوند. هنرمندانی که مدافع مردم شدند و بسیاری از آنها از مردم برخاسته بودند از مظلومیت و زندگی سخت و بی حقوقی آن گفتند. این روحیات انتقادی اجتماعی در کلاس های آکادمی هنر نیز رخنه کرد: در سال 1861 فارغ التحصیل آن شد. V. Jacobiنقاشی را اجرا کرد "توقیف زندانیان". و در سال 1864، این تصویر موفقیت چشمگیری داشت. K. Flavitsky "شاهزاده تاراکانووا"، که به زندانی مرموز قلعه پیتر و پل، که دختر الیزابت پترونا در نظر گرفته می شد، تقدیم شده است.

پرنسس تاراکانووا (1864)

با وجود همه این تغییرات در زندگی اجتماعی روسیه، آکادمی هنر سنت پترزبورگ به دفاع از هنر آکادمیک، به دور از زندگی، انتزاعی ادامه داد. بالاترین نوع نقاشی هنوز در نظر گرفته می شد نقاشی تاریخعمدتاً در موضوعات اساطیری و مذهبی. در نتیجه، هنرمندان پیشرفته که تمایلی به پذیرش اصول عقب مانده آکادمی نداشتند، با سیستم آموزشی قدیمی در تعارض قرار گرفتند که منجر به آموزش باز شد. "شورش چهاردهم"هنرمندان فارغ التحصیلان به رهبری هنرمند کرامسکوی از تکمیل پایان نامه خود در مورد موضوع اسطوره ای که او تعیین کرده بود خودداری کردند. آنها خواستار آزادی در انتخاب موضوع بودند. شورای فرهنگستان درخواست فارغ التحصیلان را رد کرد، سپس آنها در اعتراض به دریافت دیپلم، فرهنگستان را ترک کردند.

پس از ترک آکادمی در 9 نوامبر 1863، پروتستان ها سازماندهی کردند آرتل هنرمندان.آغازگر کل ماجرا ایوان نیکولاویچ کرامسکوی بود. اعضای آرتل یک آپارتمان اجاره کردند و با هم ساکن شدند. خانواده توسط همسر کرامسکوی اداره می شد. آرتل به زودی به رسمیت شناخته شد. اغلب به او زنگ می زدند "آکادمی کرامسکوی". هر پنجشنبه، عصرها، نقاشان و نویسندگان در کارگاه آرتل جمع می شدند. در این شب ها، موضوعات هیجان انگیز سیاست، زندگی اجتماعی، هنر مورد بحث قرار گرفت - همه اینها به آموزش جوانان هنرمند، تجمع نیروهای هنری کمک کرد.

آرتل حدود 7 سال وجود داشت و در سال 1870 از هم پاشید. آرتل با یک انجمن هنری جدید جایگزین شد - انجمن نمایشگاه های هنرهای سیار.

جایگاه بسیار مهمی در هنر قرن نوزدهم است فعالیت های P. M. Tretyakov،او با شروع مجموعه ای از نقاشی و مجسمه سازی روسی، از دوران باستان، خود را یک شهروند واقعی روسیه ثابت کرد. او تمام پول خود را صرف خرید تابلوهای نقاشی می کرد و اغلب از هنرمندان مستعد فقیر با پول حمایت می کرد.

منطقه اصلی نقاشی روسیه در نیمه دوم قرن نوزدهم بود ژانر خانگیرهبر هنوز بود موضوع دهقانیسرگردانان به تصویر کشیده شد زندگی عامیانه، نشان دهنده تضاد اجتماعی بین طبقات حاکم و ستمدیده جامعه روسیه بود.سنت های اتهامی در نقاشی ادامه یافت. جای بزرگی می گیرد تم کودکان

در نیمه دوم قرن نوزدهم، اصلاحاتی در هنرهای زیبای روسیه رخ داد که براساس آن مضامین اساطیری و مذهبی جای خود را به تصویر وقایع تاریخی واقعی دادند. آغاز این اصلاح توسط هنرمند روسی Ge N.N.

در چشم انداز روسیه در نیمه دوم قرن نوزدهم، مبارزه شدیدی برای ایجاد یک موضوع ملی در حال گسترش است. هنرمندان برجسته ساوراسوف، شیشکین، لویتان و دیگران در این سال ها سنت های "ایده آل"، "صاف"، دور از زندگی، عمدتا ایتالیایی و فرانسوی، چشم انداز دانشگاهی را شکسته و به تصویر طبیعت کشور مادری خود روی می آورند. جمله چرنیشفسکی "زیبا زندگی است" واکنش گرمی در بین استادان نقاشی منظره پیدا کرد. سرگردانان که طبیعت را در ظاهر روزمره و طبیعی خود نشان می دادند، شعر و زیبایی گسترده ای را در آن به نمایش گذاشتند.

در نیمه دوم قرن بیستم، چندین نقاش بسیار درخشان، قدرتمند، با استعداد، استادان نقاشی تاریخی، در نقاشی روسی برجسته شدند - اینها I. Repin، V. Surikrv، V. Vasnetsov هستند.

هنر روسیه در اواخر قرن 19 - 20 در حال و هوای انقلابی شکل گرفت. دیدگاه های انحطاط آمیز و بدبینی در محیط روشنفکران خلاق نفوذ کرد. ارزش های زیبایی شناختی در جامعه تغییر کرده است. در جستجوی مسیر خود در هنر، بسیاری از هنرمندان شروع به اتحاد در سازمان های مختلف هنری - انجمن ها کردند.

در سال 1903، بسیاری از هنرمندان رئالیست با هم متحد شدند "اتحادیه هنرمندان روسیه"جایی که سنت‌های سرگردان را ادامه دادند، آثار واقعی و واقعی نوشتند. از هنرمندان برجسته این دوره می توان به سروف، وروبل، نستروف، ریابوشکین و غیره اشاره کرد.

برای بهبود کیفیت آموزش در حوزه موضوعی "تاریخ هنر"، ارائه های چند رسانه ای نویسنده تهیه شد که با در نظر گرفتن فدرال تهیه شد. الزامات دولتیبه برنامه آموزش عمومی پیش حرفه ای اضافی در زمینه هنرهای زیبا "نقاشی".ارائه های چند رسانه ای مطابق با بخش ها و موضوعات برنامه های درسی موضوعات "مکالمه در مورد هنر" و "تاریخ هنرهای زیبا" تهیه می شود.

ارائه های چند رسانه ای شامل خلاصه مطالب آموزشیبا تصاویر و تکثیرهای لازم از آثار هنری، تکالیف برای دانش آموزان مشخص شده و فهرستی از منابع در مورد موضوع مورد مطالعه نیز ارائه شده است. ارائه ها برای پخش در رایانه شخصی طراحی شده اند و در برنامه Microsoft PowerPoint ساخته شده اند، از فرمت های فایل زیر استفاده می شود - "ppt."، "pptx. و ".pdf".

ارائه های ارسال شده در سایت در دامنه عمومی در حداکثر فشرده سازی فایل ارائه می شود، تکثیرها دارای حداقل وضوح هستند و همچنین برای ویرایش و چاپ بسته هستند. وسایل کمک آموزشی خریداری شده بدون فشرده سازی فایل ارائه می شود , برای ویرایش، کپی و چاپ روی چاپگر کاملاً باز هستند و همچنین با حداکثر وضوح تصویر ارائه می شوند.

خلاقیت واسیلی گریگوریویچ پروف

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 63 اسلاید

محتوا: بیوگرافی کوتاههنرمند V.G. پروف; وارث و جانشین P.A. فدوتوف؛ خلاقیت V.G. پروف: تمسخر روحانیون، زندگی افراد محروم، داستان های شاد، پرتره، داستان های تاریخی، ادبی و مذهبی.

"شورش چهارده". خلاقیت ایوان نیکولاویچ کرامسکوی

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 63 اسلاید

محتوا:اصلاحات در آکادمی امپراتوری هنر. "شورش چهارده"؛ "هنر هنرمندان"؛ بیوگرافی کوتاه و خلاقیت I.N. کرامسکوی
مشق شب; فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

انجمن نمایشگاه های هنرهای سیار. ژانر روزمره و تاریخی سرگردانان

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 71 اسلاید

محتوا:انجمن نمایشگاه های هنرهای سیار; خلاقیت سرگردانان: G.G. Myasoedova، K.A. ساویتسکی، آی.ام. پریانیشنیکوف، V.M. ماکسیموا، وی. ماکوفسکی، ک.ای. ماکوفسکی، N.A. یاروشنکو، V.V. پوکیریوا، ن.ن. Ge، V.D. پولنوف.
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

منظره سرگردانان

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 80 اسلاید

محتوا:منظره سرگردانان؛ آثار نقاشان منظره: A.K. ساوراسوا، I.I. شیشکینا، V.D. Polenova، F.A. واسیلیوا، I.I. لویتان، آی.کی. آیوازوفسکی، A.I. کویندجی.
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

خلاقیت ایلیا افیموویچ رپین

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 102 اسلاید

محتوا:بیوگرافی کوتاه این هنرمند؛ I.E. رپین و حلقه هنرمندان Abramtsevo.I.E. رپین و انجمن سرگردانان؛ پرتره ها، ژانرهای روزمره و تاریخی در آثار I.E. رپین؛ فعالیت آموزشی I.E. رپین؛ I.E. رپین در پناتس.
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

خلاقیت واسیلی ایوانوویچ سوریکوف

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 137 اسلاید

محتوا:بیوگرافی کوتاه این هنرمند؛ خاستگاه تصاویر هنری V.I. سوریکوف؛ نقاشی های دیواری کلیسای جامع مسیح منجی؛ در و. سوریکوف و انجمن سرگردانان؛ ژانر تاریخی و پرتره در کار V.I. سوریکوف؛ سفرهای هنرمند V.I. سوریکوف.
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

خلاقیت ویکتور میخائیلوویچ واسنتسف

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 86 اسلاید

محتوا:بیوگرافی کوتاه این هنرمند؛ سفر V.M. واسنتسف به پاریس؛ V.M. واسنتسف و انجمن سرگردانان؛ ژانر خانگی، پرتره، ژانر تاریخی و اساطیری، نقاشی یادبود در V.M. واسنتسف؛ هنرمند و تصویرگر تئاتر.
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

هنر نوبت قرن

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 106 اسلاید

محتوا:مشخصات کلی تاریخی؛ سبک مدرن؛ نمادگرایی؛ انحطاط ژانر نقاشی در روسیه در آستانه قرن 19 - 20. انجمن های هنری در روسیه در اواخر قرن 19 - 20: "دایره آبرامتسوو"، تالاشکینو، "دنیای هنر"، "اتحادیه هنرمندان روسی".
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

خلاقیت K.A. کورووین و وی. سروو

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 107 اسلاید

محتوا:امپرسیونیسم روسی؛ مقایسه K.A. کورووین و وی. سروو ک.ا. کورووین (بیوگرافی کوتاه این هنرمند، تئاتر در کار او، "مطالعات شمالی"، پرتره ها و طبیعت بی جان). V.A. سرو (بیوگرافی مختصری از هنرمند، پرتره، منظره، تصاویر و موضوعات تاریخی در آثار او).
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

خلاقیت میخائیل الکساندرویچ وروبل

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 107 اسلاید

محتوا:بیوگرافی کوتاه هنرمند M.A. وروبل، خلاقیت دوره کیف، خلاقیت دوره مسکو، هنر و صنایع دستی در کار M.A. وروبل، نقاشی "رئالیسم افسانه ای" اثر M.A. وروبل، موضوع "دیو"، آخرین سالهای زندگی این هنرمند.
مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده

اثر نیکلاس روریچ

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2017، 187 اسلاید

محتوا:بیوگرافی کوتاه هنرمند N.K. روریچ، فعالیت های علمی و اجتماعی N.K. روریچ، روش خلاق، آثار نمایشی و تزئینی، نقاشی از N.K. روریچ (سری نقاشی: "آغاز روسیه. اسلاوها"، "در دوران قدیم"، "Sancta"، "کشور او"، "بنرهای شرق"، "Maitreya"، "هیمالیا"، "چرخه بوگاتیر") ، جنبش روریچ.

آوانگارد روسی

کتاب درسی موضوع «تاریخ هنرهای زیبا» پایه چهارم
بخش 11. هنر روسی اواخر XIX - اوایل قرن XX.

توسعه دهنده: E.M. آرتمنکو

سند Adobe Acrobat

2015-2018، 177 اسلاید

محتوا:تغییرات در هنر در آغاز قرن بیستم، مدرنیسم در هنر روسیه، خاستگاه های آوانگارد، روندهای هنری اصلی آوانگارد روسیه (ابتدایی، مکعب آینده، هنر انتزاعی، رایونیسم، برتری گرایی، سازندگی) ، انجمن های هنری و نمایشگاه های بزرگ آوانگارد روسیه ("رز آبی"، "اتحادیه جوانان"، "جک الماس"، "دم الاغ"، "هدف"، "آخرین نمایشگاه مکعبی-آینده نگاری نقاشی 0.10" هنرمندان آوانگارد روسی (K.S. Petrov-Vodkin، P.V. Kuznetsov، M.S. Saryan، N. Pirosmani، M. F. Larionov، N. S. Goncharova، A. V. Lentulov، M. Z. Chagall، V. V. Kandinsky، K. S. Malevich) .

مشق شب؛ فهرست منابع و ادبیات مورد استفاده